David Hermann inszeniert im Staatstheater Nürnberg einen Lohengrin von Richard Wagner in einer Fantasy-Welt im Stil von Game of Thrones. Jo Schramms Installation von langen Mikado Stäben gehört dabei zu den guten Einfällen, denn diese bildet immer wieder neue Räume, trennt das Volk von den Hauptdarstellern, bildet Gassen, Korridore, Kirchenräume. Ansonsten setzt man, mit sparsamem Bühnenbild, ganz auf die Wirkung der Kostüme von Katharina Tasch. Diese lässt die Mannen von Brabant als Barbaren auftreten, die dem Wodan-Kult huldigen. Als Gegenspieler dienen die rekrutierten Soldaten von König Heinrich, die als Knappen daherkommen. Die sieben Gefolgsleute sehen dabei etwas aus wie aus dem Playmobillager von Zirndorf, mit ihren Schildern und den Prinz-Eisenherzfrisuren. Dagegen hüllt man die Gralsritter in rotes Leder und mit ihren Paillettenhosen könnten sie einer Star Wars Saga entsprungen sein.

Während des Vorspiels zum ersten Akt öffnet sich für einen Moment der Vorhang. Man sieht die Ritter der Gralsrunde um einen futuristischen, runden Tisch stehen. Im Bühnenboden in der Tischmitte versinkt dabei ein Mädchen. Parsifal, der im Folgenden immer wieder die Geschehnisse beeinflusst, wurde der Handlung hinzugefügt als stummer Akteur. Er erinnert Lohengrin an sein Schweigegelübde. Das ist die Regel der Gralsritter, sobald sie sich zu erkennen geben müssen, müssen sie den Ort verlassen. Man sieht Lohengrin aufbrechen zu seiner Mission nach Brabant und der Vorhang schließt sich wieder. Nach dem Vorspiel kommt König Heinrich auf der Bühne, der mit seinem Mantel, der schwarzen Krone und der Glitzerhose, der etwas aussieht, wie aus einem Comic entsprungen. Der Heerrufer mit seiner Taube könnte dagegen glatt in Dietfurt beim Chinesenfasching auflaufen. Man kann also einen bunten Stilmix an Zeiten ausmachen. Als jetzt eine Art zweistöckiger Verschlag-Wagen reingefahren wird, befindet sich darin Elsa von Brabant. Die ersten Latten muss man noch vorsichtig entfernen, als sie ihre erste große Arie anstimmt. Die anderen Latten nimmt sie selbst weg und entsteigt dem Gefährt. Sie wird von ihrem Ziehvater und Verwalter des Erbes von Brabant Telramund des Brudermordes angeklagt. Telramund in seinem Netzhemd und seine Frau Ortrud, die etwas an die Figur der Maleficient erinnert, sind die Bösen im Spiel, die dem Kult um Wodan anhängen. In einem Traum hat Elsa einen Ritter gesehen, den sie jetzt anruft, um ihr zu helfen. Nach zweimaligen Rufen erscheint tatsächlich Lohengrin. Der Schwan, auf dem er ankommen soll, wird dabei durch die schwingenden Stäbe angedeutet. Aber der Retter stellt Bedingungen: Nie solle Elsa fragen, wie er heißt und wo er herkommt. Schon zwei Akte später soll Elsa dieses Gelübde brechen, doch jetzt kämpft er erst mal für sie. König Heinrich fordert ein Gottesgericht ein, wo Lohengrin und Telramund antreten müssen. Aus dem Bühnenboden kommen nun Wodan und Parsifal und streiten synchron mit Telramund und Lohengrin. Die Klingen berühren sich dabei nicht wirklich, wie abstoßende Magneten stehen sie wenige Zentimeter von einander entfernt. Es siegt letztlich Lohengrin und Parsifal. Ortrud und Telramund sind entehrt und müssen hinter die Stangenwald flüchten.

Im zweiten Akt sammeln sich nun die Verschwörer. Während hinter den Stäben laut der Sieg gefeiert wird, gibt es eine abgebrannte Esche zu sehen. Um den Baum herum liegen tote Raben, die ein Seherdouble von Ortrud in einen schwarzen Sack einsammelt, wie eine Flaschensammlerin. Wenn Ortrud nun ihr Seherauge bemüht, was das Geheimnis des Ritters ist, greift sie auf dieses Double zurück. Sie beschwört dabei Wodan, der auch prompt wieder aus dem Bühnenboden kommt. Die Weltesche scheint derweil mit einem Fahrwerk ausgestattet und wir zur Seite gefahren. In einer langen Sequenz bittet nun Ortrud um Einlass bei Elsa. Die Braut ist so naiv und gibt nach und lässt sie ein. Ortrud setzt nun gezielt ihr Gift ein, dass Elsa doch sicher wissen wolle, wer am folgenden Tag ihr Mann wird. Vor der Kirche soll es zum Eklat kommen und Telramund bezichtigt Lohengrin der Zauberei. Das Volk sammelt sich sehr pittoresk in einer stilisierten Kirche. Passend zur Orgelmusik lässt man am Bühnenrand die Orgelpfeifen herunter. Man sieht Brautjungfern, das Volk und auch ein Quartett von vier poppigen Edelknaben als Engel mit Sneakers und silbernen Flügeln. Die stehen jetzt mit ihren goldenen Handschuhen flatternd Elsa zur Seite und laufen lustige Formationen. Sie bilden einen Gegenpart zu den vier Edlen, die als Barbaren daherkommen. In dem Tumult vor der Kirche sollen die Edelknaben aber gerupft werden und ihre silbernen Flügel verlieren. Auch Elsa geht es schlecht, sie wird wieder von Wodan in den Schwitzkasten genommen, bis endlich ihr Angetrauter eingreift und Ortrud und Telramund vertreibt. Die Hochzeitszeremonie kann nun beginnen, doch in einem Lichtkegel triumphiert schon Ortruds Alter Ego vor der Kirche.

Der dritte Akt beginnt mit einem Saufgelage von Wodan mit seinen sechs Walküren. Wahrscheinlich hatten die anderen drei Walküren gerade Freigang. Auf einem Tisch liegt ein gebratenes künstliches Schwein, aus dem Wodan immer wieder Stücke reißt. Die Holzkrüge für den Met werden dabei immer größer. Zwei Engel aus dem zweiten Akt haben sich scheinbar erholt und vertreiben Schwein und Walküren. Schließlich kugelt Wodan stockbetrunken zum Brautmarsch auf der Bühne. Die Hochzeitgesellschaft trägt in Einzelteilen ein weißes Ehebett herein, das sie nun für Lohengrin und Elsa zusammenbauen. Dabei liegen sie mit ihrer grauen Bettwäsche voll im Einrichtungstrend. Elsa zieht ihr Brautkleid aus und man kommt im Ehebett recht schnell zur Sache, aber halt… Da war ja noch das Problem mit dem Namen. Elsa spielt nun unter dem Bett etwas Verstecken, dreht aber das Wort so lange, bis sie Lohengrin nach ihrem Namen fragt. Dabei schleicht sich im Brautgemach immer Parsifal und Wotan mit Telramund rum, das kann nicht gut gehen. Parsifal ermahnt Lohengrin stumm, seine Herkunft nicht Preis zu geben und mischt sich nervös ein. Im entscheidenden Moment versucht nun Telramund einen Mordanschlag, worauf ihm Lohengrin das Genick bricht. Am kommenden Tag muss der Held seine Herkunft zu erkennen geben. Er klagt nun vor König Heinrich, dass man ihn fast ermordet hätte. Außerdem hätte seine Frau nun doch wissen wollen, wie er heißt. In der Gralserzählung sagt nun Lohengrin, wie er heißt, wobei das Volk hinter den Stangen ausgeschlossen wird. Es erscheinen drei Gralsritter mit Horn, Schwert und Ring und ziehen Lohengrin nach der Offenbarung fort zum Gral. Zu den Schlussklängen kommen noch mal Wodan und Parsifal aus dem Boden. Der Göttervater erweckt Telramund zum Leben, der als Untoter mit Ortrud zusammen über Brabant herrscht und den hölzernen Thron besteigt. Bruder Gottfried bleibt verschollen.

Aus meiner Sicht viel Licht und Schatten in dem Lohengrin in Nürnberg. Zunächst schafft es Joanna Mallwitz wunderbar, einen flüssigen Wagner zu dirigieren. Von der Geschwindigkeit geht sie dabei mit großem Chor und Orchester ein hohes Tempo ein. Das wurde von der Kritik her sehr gelobt, dennoch leiden vor allem die Stellen der Ortrud etwas, die in ihrer Gemeinheit etwas mehr Zeit benötigt, ihre Fiesheit auszukosten. Das Bühnenbild ist wirklich eine Sensation und setzt ganz auf die Wirkung der Stäbe und der Kostüme dazu. Eric Laporte als Lohengrin war für mich an dem Abend die Entdeckung, denn er singt einen sauberen, funkelnden Helden. Die wahren Gewinner des Abends sind aber Martina Dike als Ortrud und Sangmin Lee als Telramund. Ortrud, die bisweilen, schrill durch das Tempo, an ihre Grenzen geht und die Spielfreude von Telramund in seinem Netzhemd. Kein Wunder, dass die Regie die Bösen am Ende über den gescheiterten Lohengrin triumphieren lässt. Man hat sich mit den Figuren von Wodan und Parsifal etwas einfallen lassen, die normalerweise nur Erwähnung finden, selbst aber in die Handlung als Personen nicht eingreifen. Die Geschichte als Religionskonflikt zu erzählen, greift ein Detail aus dem zweiten Akt auf, als Ortrud Wodan beschwört. Ob das damit ein schlüssiges Ganzes wird, sei dahingestellt.

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In Nürnberg hat Jens-Daniel Herzog Mozarts Komödie ‚Così fan tutte‘ auf den Spielplan gesetzt. Diese Letzte der drei großen Da Ponte Opern war kein großer Durchbruch für Mozart. Kurz nach Erscheinen wurde die Oper wegen des Todes Kaiser Joseph II. vom Spielplan genommen. Etliche Schmähungen und Kürzungen im 19. Jahrhundert durch Ludwig van Beethoven und Richard Wagner führten zu einer teils fragmentarischen Aufführung. Man übte Kritik an dem unmoralischen Stoff und an der albernen Handlung. Auch hier in Nürnberg scheint man den Kritikern noch mehr Futter zu geben. So wurden die italienischen Texte durch vulgäre Sprache aufgepeppt, was beim Mitlesen immer recht witzig ist, beim Bayerischen Rundfunk aber überhaupt nicht gut ankam. Man muss sich bei der Handlung auch drauf einlassen, dass alle das Spiel von der Untreue durchschaut haben, bis auf die beiden Frauen. Selbst der dreimal einsetzende Chor weiß Bescheid.

Dieser feiert schon am Anfang mit einem Kasten Bier und Sekt, die Wette von Don Alfonso. Man platzt mitten in eine Diskussion der männlichen Hauptrollen, nämlich Guglielmo und Ferrando gegen Don Alfonso. Während die beiden Männer Guglielmo und Ferrando die Treue ihrer Frauen beschwören, wettet der Chor mit Zetteln dagegen, die in einem Sektkübel gesammelt werden. Es wird ein goldenes Wohnzimmer herausgefahren, in dem auf zwei blauen Sesseln die Opfer der Komödie Platz genommen haben. Während Dorabella scheinbar Bilder von Ferrando am Handy hat und immer auf dem Smartphone zoomt, hat Fiordiligi ein ovales Bildnis ihres geliebten Guglielmo bei sich. Die beiden Damen sitzen im 50er-Jahre Petticoat in Himmelblau und Schwarz und ahnen nichts von dem üblen Spiel, das gleich beginnen wird. Ihre Verlobten spielen vor, in den Krieg zu ziehen. Der Chor erscheint teilweise in Tarnuniform und die Geliebten salutieren mit Waffen im Hintergrund. Die Frauen bedienen jetzt das Klischee, dass sie noch Brotdosen für ihre Männer mit Sandwiches und Salat schmieren müssen. Sie tun dies so heftig, dass die Butter über die Bühne fliegt, auf einem goldenen Bügelbrett am rechten Bühnenrand unter vielen Tränen. Dorabella ist so verzweifelt, dass sie sich an der Gardinenkordel erhängen will, was natürlich misslingt. Am nächsten Morgen bringt Despina im Leopardenlook mit Leggings ein Tablett mit Cappuccino. Dabei nimmt sie selbst einen großen Schluck aus der Kanne. Jetzt testet Alfonso die Verkleidung der beiden Herren an Despina. Die kommen als Erkan und Stefan-Imitat als albanische Freunde unter dem Namen Sepronio und Tizio. Die beiden scheinen eher einem Ghetto der Hauptstadt in Berlin entsprungen zu sein. Mit dicker Goldkette, Sonnenbrille, Jeans bzw. Jogginghose sind sie kaum wieder zu erkennen. Guglielmo hat eine Mütze auf, auf der steht: I am a muslim, don’t panic. Sie machen nun der jeweils anderen Dame die Aufwartung und erfreuen sich an deren barscher Zurückweisung. Die Damen werfen im Takt der Musik Schuhe nach den Männern, die sich hinter den Sesseln verstecken müssen. Als Ferrando von der Liebe schwärmt, scheinen die Damen standhaft und die Wette gewonnen. Die zurückgewiesenen Albaner nehmen nun angeblich Arsen, weil sie von den Frauen verschmäht wurden. Mit Blaulicht kommt eine Despina als Ärztin mit Mundschutz, Stirnreflektor und Stethoskop. Die Wiederbelebungsversuche erfolgen mit einer großen Spritze, einem Hammer und schließlich am Ende erfolgreich mit einem Magneten. Die Herren deuten eine Brücke an und zucken mit dem Unterkörper: Wiederbelebung erfolgreich. Die erwünschte Nachbehandlung durch einen Kuss unterbleibt aber.

Zu Beginn des zweiten Aktes zeigt Despina, dass sie selbst das Schlagen einer Brücke nicht vom Singen abhalten kann. Als sie abtritt, schlägt sie noch ein perfektes Rad. Sie animiert dabei die Damen, es mit der Treue nicht zu genau zu nehmen. Der Garten wird durch das Ziehen einer bunten LED-Girlande angedeutet. Schließlich kommen die beiden Männer in einer Jalabiya mit echter Kopfbedeckung. Jetzt nimmt man ihnen den Albaner auch wirklich ab. Ferrando hat dabei ein rosa Plastikalpenveilchen und Guglielmo ein Rotes dabei. Der Chor reiht die Alpenveilchen an dem Wohnzimmerrand auf. Dorabella fällt als Erstes unter Guglielmos werben. Er schenkt Dorabella ein rotes Papierherz. Als er daraufhin Ferrando von seiner Eroberung berichtet, haut der einen Teil der Blumentöpfe runter. Fiordiligi scheint dagegen vor einer Bildergalerie von ihrem Verlobten standhaft. Schließlich gibt auch die nach. Nun ist Guglielmo außer sich und zerreißt mit nacktem Oberkörper eine Frauenzeitschrift. Die Männer kämpfen nun richtig miteinander, da sie nun Rivalen sind. Don Alfonso tritt auf und hat die Wette gewonnen. Despina tritt als Notar auf und hat die Ehekontrakte dabei. Da ereignet sich an diesem Abend ein Zwischenfall.

Einer der Ensemblemitglieder des Chores kippt bei dem Auftritt des Chores um. Während ich die Szene irgendwie merkwürdig fand, als der Darsteller des Guglielmo sich umdreht und dem Mann auf die Beine hilft und auf die Schulter klopft, war mir irgendwie sofort klar, dass da was nicht stimmt. Da sah ziemlich echt aus. Kurz darauf wurde der Vorhang runtergelassen und die Vorstellung unterbrochen. Nach einigen Minuten im Dunklen erklärte die Sprecherin, dass es einen Zwischenfall auf der Bühne gegeben hätte und die Vorstellung in Kürze fortgesetzt wird.

Mit der Teezeremonie setzte man die Vorstellung dann fort. Über die blauen Sitzkissen der Sessel wurden orientalische Tücher gebreitet. Der Ehevertrag ist nun unterschrieben. Es ertönt Marschmusik, die Verlobten kommen zurück vom Krieg. Blutverschmiert scheinen sie aus dem Kampf zu kommen. Sie entdecken die Ehekontrakte mit den Albanern und richten die Gewehre auf ihre Frauen. Nun bekommen auch die Damen mit, dass ihnen übel mitgespielt wurde. Sie bitten die Männer um Entschuldigung und bekommen zum Dank einen Schnuller in den Mund. Das alles endet in einem Sextett, wo sich Don Alfonso über seinen Gewinn freut.

Gewinner dieses Abends ist eindeutig die sehr gute Ensembleleistung des gut eingespielten Teams. Während der erste Akt noch sehr klamaukhaft daher kommt, kippt die Lage im zweiten Akt total. Die Männer gehen plötzlich aufeinander los und raufen, als sie erkennen müssen, dass sie betrogen wurden. Vielleicht ist es mit dem Zwischenfall an diesem Abend, noch etwas ernster als sonst. Sehr gefallen hat mir an diesem Abend Despina alias Andromahi Raptis, die ihr komödiantisches Talent voll ausspielt. Lutz de Veer lässt an diesem Abend das Ensemble glänzen. Und ja, dem verunglückten Mitarbeiter ging es am Ende der Vorstellung gut, klärte der Dramaturg Holzer auf.

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In einer Wiederaufnahme ist der Fidelio von Ludwig van Beethoven im Münchner Nationaltheater zu sehen. Calixto Bieito hatte im Jahre 2010 einen philosophischen Ansatz verfolgt und lässt die Darsteller durch ein dreiteiliges, drei Etagen hohes Plexiglaslabyrinth laufen. Deutlich ist immer wieder das Klicken der Sicherheitshaken zu hören. Das Labyrinth ist hier ein gedankliches Gefängnis von Rocco, in dem die Figuren bis zum Schluss herumirren. Es soll die aussichtslose Suche nach einem Ideal verkörpern. Von den Texten hat man fast alle Sprechpassagen gestrichen und gegen Gedichte von Jorge Luis Borges oder Cormac McCarthy getauscht. Das führt dazu, dass die einzelnen Nummern der Oper relativ flüssig hintereinander folgen. Beethovens einzige Oper setzt dabei die Stimmen sehr instrumental ein, was für die Sänger eine Herausforderung ist. Auf Atmung und Pausen, die eine Stimme benötigt, werden vor allem bei der Partie der Leonore, wenig Rücksicht genommen. Die Vorlage ist ein Roman der „Leonore“, die auf einer angeblich wahren Begebenheit in der Touraine basiert. Pikanterweise war er während der Französischen Revolution selbst ein Mitglied der Justiz. Für die Figur des Don Pizarro war wohl der skrupellose Konventskommissar Carrier das Vorbild, der 1793 in der Vendée Angst und Schrecken verbreitete.

Zu Beginn der Oper kommen die Gefangenen aus dem Orchestergraben. Während der Ouvertüre Leonore 3 erklimmen die Sänger, mithilfe der Sicherheitshaken, das Plexiglaslabyrinth. Zu sehen ist auch ein Double von Florestan, der ebenfalls durch das Gestänge irrt. Leider bringt das planlose Laufen im Labyrinth etwas Unruhe in die Musik, die mit 14 Minuten eine eigene Symphonie ist. Leonore verwandelt sich in Fidelio, indem sie sich vor dem Publikum ihre Brust mit Toilettenpapier bindet. Als junger Mann Fidelio erhofft sie, sich Zugang ins Gefängnis von Rocco zu erlangen. Marzelline verliebt sich sofort in diesen jungen Mann und lässt ihren Jaquino dafür stehen. Der Kerkermeister Rocco heißt nach etwas hin und her, die neue Verbindung seiner Tochter gut. Mit Haken aneinandergekettet singen sie die ersten Arien. Der Vater als Banker verkleidet, meint aber, dass es auch noch etwas ‚Gold‘ für eine glückliche Beziehung braucht, und plündert einen Geldkoffer mit Dollarscheinen. Rocco macht aber zur Auflage, dass ich Fidelio einem gewissen Gefangenen nicht nähern darf. Jetzt erscheint Don Pizarro, der Gouverneur des Gefängnisses. Der Hass gegen alle Menschen entlädt sich in Selbstverletzung und er ritzt sich bei der Arie "Ha, welch ein Augenblick!" selbst in Arme, Kopf und Brust. Er kann Florestan nicht am Leben lassen, da sein Freund der Minister Don Fernando, ihn begnadigen würde. Die Aufforderung, Florestan umzubringen kann Rocco abwehren, allerdings muss er für Florestan ein Grab schaufeln. Fidelio hat bei der Aktion einen halb leeren Kanister mit blauer Säure dabei. Fidelio bitte nun Rocco, dass die Gefangenen ans Tageslicht dürfen. Ein Gefangener singt stehend am Abgrund einer Arie, während sich ein Zweiter wenig später im Hintergrund mit dem Karabinerhaken erhängt. Die Gefangenen sind dabei in Anzügen gekleidet, müssen aber wenig später wieder zurück in den Kerker. Fidelio hat unter ihnen ihren Mann nicht entdecken können.

Im zweiten Akt ist das Opernhaus von einem dunklen Grollen erfüllt. Das Labyrinth kippt langsam. Gefangene schweben dabei an Seile gesichert über dem gekippten Aufbau. Fidelio hat eine Flasche Hochprozentiges dabei und bringt Florestan etwas Brot mit. Florestan liegt dabei im Fieber am Bühnenrand und wird von Fidelio und Rocco über die Bühne geschleift. Der Text macht da eine uncharmante Anspielung auf Florestans Gewicht. Don Pizarro wird von Florestan zur Rede gestellt. Fidelio greift ein und zerschlägt zuerst eine Flasche auf Pizarros Kopf. Dann überschüttet er ihn mit Säure. Unterdessen scheint sich Florestan mit dem Messer selbst zu richten. Fidelio und Florestan ziehen sich auf offener Bühne um. Es folgt eine Erlösungsszene bei der vier Streicher in Gitterkäfigen aus dem Bühnenhimmel herabschweben und das Streichquartett Opus 132 in Auszügen zum Besten geben. Dieser ‚Heilige Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit‘ bildet einen spirituellen Einschub, sodass man nicht weiß, ob Fidelio seine eigene Befreiung wirklich noch erleben durfte. Es folgt die Befreiungssequenz durch den Minister Don Fernando. Dieser tritt als Batman-Joker-Verschnitt mit einem weißen Anzug auf. Unterstützt wird er durch die Anwesenheit von Eva Wagner-Pasquier in der Loge. Trompetenschall kündigt die Befreiung der Gefangenen an. Der Minister erkennt seinen Freund. Aber der Joker, wäre nicht er, wenn er nicht zum Schluss noch eine Überraschung parat hätte und mit einer Pistole Florestan ein weiteres Mal tötet. Über der ganzen Szene schweben Akrobaten. Aber keine Angst, Florestan steht wieder auf. Genauso wie das Labyrinth hinter ihm.

Man mag von Bieitos Fidelio-Deutung halten, was man mag, musikalisch gab es an dem Abend nichts auszusetzen. Anja Kampe als Leonore war an diesem Abend sehr gut und man hatte den Eindruck, dass sie seit 2010 besser mit der Partie umgehen kann. Günther Groissböck verlieh dem Rocco eine sympathische Note. Auch Jonas Kaufmann als Florestan war sehr gut. Das alles wäre nichts ohne die Glanzleistung des Bayerischen Staatsorchesters unter der Leitung von Kirill Petrenko, für den der Jubel an diesem Abend nicht enden wollte.

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Seit 1995 stand schon keine Händel-Oper mehr am Programm des Staatstheaters. Zusammen mit der französischen Künstlergruppe le lab hat man den Xerxes vom Hellespont an den Nürnberger Kornmarkt verlegt. Die Künstlergruppe verknüpft historische Werke mit der Stadt, in der sie aufgeführt werden. In Nürnberg waren es die Skater am Kornmarkt, die es ihnen angetan hatten. Jetzt mag man zunächst keinen Bezug zwischen Skatern und der Hochkultur des Staatstheaters sehen. Xerxes selbst ist auch bei Händels Vorlage nur ein Ankerpunkt und hat mit dem historischen Xerxes wenig zu tun. Allerdings greift der Komponist zwei Anekdoten aus Xerxes Leben auf. So soll er sich in eine Platane verliebt, diese geschmückt haben und mit Wächtern bewacht. Die zweite Anekdote ist, dass er das Meer auspeitschen ließ mit 300 Soldaten, da es seine Penton-Brücke über den Hellespont zerstört hat. Irgendwann in der Inszenierung, als in der zweiten Hälfte Tücher über die Halfpipe gespannt sind, dämmert es einem. Die Halfpipe ist in Wahrheit der stilisierte Hellespont, also die Meerenge zwischen Griechenland und der Türkei, mit türkischer und griechischer Flagge, an der die Oper eigentlich spielt. In dieser Halfpipe tummeln sich drei Skater vom Kornmarkt und zeigen ihre Tricks.
Jetzt hat man mit der Oper das Problem, dass der eigentliche Hit, das ‚Ombra mai fù‘ gleich am Anfang des ersten Aktes kommt. Dieses wohl, als Händels Largo, bekannteste Stück der Oper ist eigentlich ein Larghetto und wird in der Oper schneller gesungen. Es kommt hier auch als Ode an ein Stück Holz auf die Bühne. Besungen wird von Xerxes statt einer Platane aber ein Skateboard. Dann nimmt eine ziemlich verwickelte Handlung Fahrt auf, die an eine Vorform von ‚Così fan tutte‘ erinnert. Es geht in der Oper fast drei lange Stunden darum, wer wen liebt oder auch nicht. Als nicht Händel-affiner ist man da oft geneigt, auf die Uhr zu sehen. Auch wenn auf hervorragendem Niveau musiziert wird, es bleiben doch lange Barock-Da-Capo-Arien.

Xerxes liebt zuerst die Platane, dann die Stimme von Romilda, dann Romilda selbst. Diese wiederum ist die Geliebte seines Bruders Arsamene. Arsamene ist ein blonder Countertenor mit gelben Strümpfen, grüner Jogginghose und Sandalen. Dazu trägt er eine himmelblaue Jacke. Es gibt aber noch Atalanta, die ebenfalls Arsamene liebt und darauf baut, dass Xerxes endlich Romilda bekommt. Atalanta und Romilda sind die ungleichen Schwestern. Während die eine rothaarig mit Sonnenbrille und türkiser Jogginghose mit ‚R‘ daherkommt, hat die Zweite Hotpants an und eine Schirmmütze auf. Atalantas Auftritt wird von einer Selfie-Einlage mit den Skatern eröffnet. Zwischen den beiden Schwestern bricht ein wahrhafter Zickenkrieg aus, wutentbrannt legen die ihre Roller gegeneinander und singen sich heftig an. Atalanta behauptet nämlich Arsamene hätte eine neue Geliebte.

Im zweiten Akt bringt der Diener Elviro noch mehr Verwirrung in die Szene. Der eigentlich angetrauten Amastre erzählt er von der geplanten Hochzeit zwischen Xerxes und Romilda. Er soll einen Brief in Form einer langen Karte übergeben, der eigentlich von Arsamene ist und von der Liebe zu Romilda zeugt. Atalanta behauptet Romilda hätte sich wirklich in Xerxes verliebt und als Xerxes den Brief findet, sagt Atalanta einfach, der wäre an sie gegangen.
Nach der Pause sieht man Tücher über die Halfpipe gespannt. Das ist also die Szene am Hellespont. Richtig erklären tut sich eigentlich erst jetzt, was das mit der Halfpipe soll, nämlich als Elviro vom kalten Wasser singt und den Fuß in die Halfpipe hängt. Die gespannten Tücher symbolisieren die Penton-Brücke, mit der der Hellespont überquert wird. Es folgt wieder einer dieser Videoeinspielungen vom Kornmarkt mit den Skatern. Darin geht es um Skater und Romantik.

Im dritten Akt nun nimmt nun endlich etwas Fahrt auf, als Ariodate sich in die Verwirrrungen eingreift und Xerxes die Einheirat seiner Tochter Romilda in Xerxes Familie verspricht. Dabei bringt Ariodate in Wirklichkeit Romilda und Arsamene zusammen. Als Xerxes nun dies erfährt, tobt er vor Wut. Dabei wechselt er häufig zwischen Sprechstimme und Singstimme, was der Entrüstung noch mehr Nachdruck verleiht. Er besteht darauf, dass der Liebesverrat von Romilda an ihm durch seinen Bruder gerächt werden soll. Jetzt fragt Armastre nach, ob es Xerxes mit der Forderung wirklich ernst ist. Eigentlich hätte Xerxes ja sie betrogen. In einem großen Finale finden dann Romilda/Arsamene und Xerxes/Amastre zueinander.

Von der Kostümierung haben die meisten Sänger Streetwear und Jogginghosen an, wobei ich nicht so weit gehen würde, dass diese Menschen die Kontrolle über ihr Leben verloren hätten, wie Karl Lagerfeld zu sagen pflegt. Im Gewusel der Beziehungen fällt es nicht leicht, den Überblick zu behalten, wer jetzt wen liebt und wen gerade nicht. Eine Grafik im Programmheft soll dies veranschaulichen. Was die Oper meiner Meinung nach eindeutig rettet, sind die Inszenierungseinfälle. Le lab hat hier wirklich eine interessante Arbeit abgeliefert und ich finde auch, man darf Händel durchaus so auf die Bühnen bringen. Im Fieber der Hormone ist die Handlung zeitlos und nicht fix an 453 v. Chr. zu verorten. Ob man an langen Händelarien über drei Stunden gefallen findet, ist Geschmackssache. Die Handlung zwischen den einzelnen Arien ist doch recht übersichtlich. So vermutet man ein frühes Libretto im 17. Jhd oder Händel selbst als Librettist. Zvi Emanuel-Marial ist für einen Countertenor relativ durchschlagsstark, auch Andromahi Raptis als Atalanta weiß zu gefallen. Im Orchester sitzt ein ungewohnter Mix aus alten und neuen Instrumenten, einigen Lauten und Schlagwerk inbegriffen. Die Klänge erinnern noch etwas an die vergangene Renaissanceepoche, es gibt aber durchaus Verweise in die modernere Musik. Durch Videoeinspielungen mit O-Ton vom Kornmarkt wird die Inszenierung aufgelockert. Ob man das eher überheblich sieht, oder eher ungewollt komisch, ist auch wieder Geschmackssache. Die Sänger tragen jedenfalls ihr Skateboard mit Stolz über die Bühne und bilden sogar damit ein Spalier als Arsamene und Romilda ein Paar sind. Mit Trick-Bikes und Skateboards gibt es immer wieder Einlagen zu instrumentalen Zwischenstücken.

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Amélie Niermeyer verlegt den Otello aus dem 15. Jahrhundert hinein in eine klassizistische „Schöner-Wohnen“-Oase in Grau mit hohen Türen. Dass die Vorstellung im Münchner Nationaltheater seit Langem ausverkauft ist, liegt nicht an der Regie, sondern eher an der stolzen Besetzungsliste. Geben sich doch Jonas Kaufmann, Anja Harteros und Gerald Finley die Ehre dort unter der Leitung von Kirill Petrenko zu singen. Hier macht der Cast die Oper zu einer Pflichtveranstaltung. Vor allem Petrenko versteht es, einen feurigen, glutvollen Otello zu dirigieren und geht schon in der Anfangsszene mit dem Tempo ins Volle. Man konnte die Premiere schon auf BR-Klassik hören und die Oper wurde später auch als Livestream im Internet angeboten. Wer keine der Möglichkeiten ergriffen hat, hat zu den Festspielen im Juli noch einmal die Gelegenheit.

Bei der Sturmszene zu Beginn des Otello läuft eine verängstige Desdemona in ihrem Zimmer auf und ab. Das Licht ist ganz auf das weiße Zimmer gerichtet, in der Dämmerung singt unter ihr der Chor. Die Anlandung von Otellos Schiff im Sturm lässt sich nur durch die Obertitel erahnen. Als er dann gerettet wird und seinen Auftritt mit den Esultate-Rufen hat, wirkt das im Zimmer von Desdemona etwas deplatziert. Otello verschwindet auch relativ schnell wieder, während Desdemona Feuer im Kamin macht. Jetzt wird das Zimmer weggefahren und es kommt die Hafenszene zum Vorschein. Dort sitzt ebenfalls ein Desdemona-Double, das Feuer macht. Bei genauerem Hinsehen ist das aber eine Stuntfrau, die zweimal an den Armen Feuer fängt und im Bühnenhintergrund verschwindet. Unterdessen beraten Roderigo und Jago, wie sie Otello, den berühmten Mohren, zu Fall bringen könnten. Dass der Bösewicht Jago dabei ein legeres T-Shirt trägt und Turnschuhe, macht einen etwas schäbigen Eindruck. Schon jetzt steht von der Regie ein Bett auf der Bühne, wie das allerdings zur Hafenszene passt? Nun gut. Dieselbe Frage stellt man sich kurz später noch einmal bei der Trinkliedszene, als Rodrigo und Jago, Cassio in einem Nietenledersessel mit vielen Flaschen Wein abfüllen. Es kommt zum Streit zwischen Roderigo und Cassio. Montano geht dazwischen und trennt die Kämpfenden, wird dabei aber verletzt. Nun taucht Otello wieder auf und stellt die Ruhe wieder her, indem er Cassio degradiert. Dann kommt auch das Bett zum Einsatz, als Desdemona und Otello ihrer Liebe gedenken. Dass Desdemona da Otello an der Krawatte ins Bett zieht, ist auch etwas unpassend.

Im zweiten Akt fragt man sich dann, warum Desdemona im Bühnenhintergrund zu sehen ist. Eigentlich haben nur Cassio und Jago das Sagen. Jago rät Cassio, bei Desdemona um Unterstützung für seine Rehabilitation zu bitten. Dabei rechnet er mit der Eifersucht Otellos, der in Cassio sicher einen Nebenbuhler sieht. Jago enthüllt seine nihilistische Weltanschauung in einem Credo. Was Finley da an Grimassen zieht, ist umwerfendend. Er steigt in das Bett und singt von der Sinnleere des Lebens und dass es keinen Gott gibt. Jago versteht es im Folgenden, durch Andeutung bei Otello, dessen Eifersucht gegen Cassio zu entfachen. Dieser fordert einen Beweis. Es folgt eine Sequenz voller Friedlichkeit, bei dem die Frauen und Kinder Zyperns Blumen für Desdemona bringen. Desdemona wird mit verbundenen Augen hereingeführt. Ein kleines Kind schubst dabei Otello auf die Seite und Jago führt Desdemona zum Bett. Auch Jago hat inzwischen ein Tüllkleid an. Auf dem Bett legen die Frauen die Blumen ab und der Auftritt erinnert eher an eine Beerdigungsszene. Dennoch scheint zwischen Otello und Desdemona wieder eine Art Harmonie zu herrschen. Als der Chor verschwunden ist, merkt man, dass der Eifersuchtssamen von Jago keimt. Auch hier treibt sich Jago herum und entreißt Emilia ein Taschentuch, was er später als Beweis von Desdemonas Untreue verwenden wird. Das Duett zwischen Otello und Jago findet ebenfalls wieder stehend auf dem Bett statt.

Im dritten Akt befindet man sich in einem zweigeteilten Raum. Hinten ein weißes Zimmer und vorne ein graues. Desdemona tritt in einem schwarzen Hosenanzug ganz als selbstbewusste Dame auf. Otello fordert nun von Desdemona das Taschentuch ein, das er ihr einst geschenkt hat. Als sie das nicht vorweisen kann, beschimpft er sie. Wieder sind beide in einem Bett zugange und schmiegen sich aneinander. Das Ganze kippt aber auch relativ schnell, sodass Otello eine Umarmung auch mal schnell zu einem Klammergriff umfunktioniert und sie als Hure beschimpft. Eigentlich dürften jetzt in der folgenden Szene nur Cassio und Jago zu sehen sein. Otello müsste sich im Hintergrund halten und sie Szene belauschen, in der Cassio von Bianca schwärmt. Durch geschickte Einwürfe von Jago meint Otello aber, dass Cassio von Desdemona schwärmt. Hier lässt die Regie Otello hemmungslos umherlaufen und auch Desdemona hört vom Hintergrund aus zu. Otello fasst den Plan, Desdemona im Bett zu erwürgen. Bei der folgenden Sequenz mit der Gesandtschaft von Venedig kommt es erneut zu einem Ausbruch von Otello. Otello setzt, Desdemona beschimpfend, Cassio als Vertreter von Zypern ein. Auch hier steht wieder rein zufällig ein Bett herum. Otello wirft Desdemona zuerst ins Bett und dann schließlich vor Wut aus dem Bett raus. Desdemona weiß nicht, so recht, wie ihr jetzt geschieht. Nur durch einen Spot erleuchtet singt sie verzweifelt von der Liebe zu Otello. Die Gesandtschaft löst sich auf. Der Raum dreht sich jetzt durch eine geschickte Projektion. Otello scheint dabei jeden Halt zu verlieren. Er ist am Schluss am Boden und Jago triumphiert.

Im letzten Akt hat Desdemona im Schlafgemach Todesahnungen. Sie bittet das weiße Kleid herauszulegen, und verabschiedet sich für immer von Emilia. Das nun folgende Lied von der Weide ist wirklich sehr ergreifend. Emilia verschwindet schließlich und es taucht Otello auf mit einem Blumenstrauß. Diesen verteilt er auf dem Bett. Er bereitet sozusagen das Totenbett für Desdemona vor. Nur seltsam, dass die Regie nun befiehlt, Desdemona nicht im Bett, sondern daneben umzubringen. Als der Mord passiert ist, kommt Emilia dazu und sagt, dass der Mordplan an Cassio von Otello fehlgeschlagen ist. Roderigo, der Freund Otellos ist ermordet worden. Dass Desdemona, obwohl erwürgt, noch Otello entschuldigt und singt ist halt echt Oper. Jetzt lässt die Regie das Zimmer mit der erwürgten Desdemona wegfahren. Die Hauptpersonen stehen etwas beliebig auf der Bühne, als es zum Showdown kommt und Emilia aufdeckt, dass die Nummer mit dem Taschentuch von Jago eingefädelt wurde. Otello stürzt sich ins Messer. Auch hier verweigert die Regie dem Otello den letzten Kuss mit seiner doch geliebten Desdemona und lässt ihn stattdessen in die Kissen singen.

Musikalisch spielt dieser Otello auf einem ganz hohen Niveau. Das merkt man auch im Schlussapplaus, als vor allem das Dirigat mit vielen Bravorufen bedacht wird. Finley als Jago ist ungemein spielfreudig und einfach die dankbarere Rolle in diesem Stück. Über die fehlende Lockenpracht bei Kaufmann wurde ja schon viel geschrieben, mir hat er als Otello stimmlich gefallen. Auch Anja Harteros hat es verstanden als Desdemona, das Opernhaus mit ihrer Sopranstimme zu betören. Bleibt als einziger Minuspunkt an dem Abend eigentlich die Regie, mit der ich etwas gehadert habe. Es stehen Leute auf der Bühne, die zu dem Zeitpunkt nicht zu sagen haben und die Geschehnisse eigentlich nicht mitbekommen. Das Thema Andersartigkeit des Otello wird so dezent übergangen, dass man eigentlich nur aus den Obertiteln den Bezug bekommt, dass Otello eigentlich schwarz ist. Auch die Verlegung in ein anderes Zeitalter tut der Geschichte nicht unbedingt gut. Eine Mitbesucherin meinte, dass Bühnenbild wäre sehr schwarz geraten und ich musste ihr da auch Recht geben. Etwas mehr Farbe in der Szene wäre nicht verkehrt gewesen.

Quelle: YouTube | Bayerische Staatsoper