Wer das Libretto von Cole Porters ‚Kiss me, Kate!‘ liest, fragt sich, ob das wirklich ausreichend Stoff ist, den Zuschauer fast drei Stunden zu unterhalten. Die Inszenierung von Thomas Enzinger geht dabei locker mit dem 20. Jahrhundert um. Man befindet sich in einer Zeit, wo Gamaschen der 20er Jahre neben den Handys der späten 90er Jahre existieren dürfen. Die Kostüme von Toto wildern dagegen wirklich in der Shakespearezeit. Ein knallrotes Suspensorium des schwarz/rot gekleideten Hauptdarsteller ist schon eine gewagte Nummer. Für die Damen der Schöpfung gibt es Männer in Netzhemden und Strumpfhosen und es geht reichlich kokett auf der Bühne zu. Das täuscht vielleicht etwas, um den etwas verqueren Ansatz des Shakespearestückes hinweg, dass es für eine Frau nur eine ordentliche Tracht Prügel braucht, damit sie zahm wird. Die Vorlage könnte man heute keinesfalls so lassen, das wäre politisch nicht mehr korrekt. Aber gut, daran scheint man sich in den 50er Jahren, als dieses Stück im Stück entstanden ist, noch nicht gestört zu haben.

Zu Beginn des ersten Aktes sieht man Shakespeare übergroß auf einem Vorhang aufgedruckt. Fred Graham und seine Ex-Frau Lilli Vanessi sollen die Hauptrollen im Shakespearestück „Der Widerspenstigen Zähmung" in Baltimore spielen. In zwei gegenüberliegenden Bühnengarderoben hat man reichlich Zeit, sich vor der Vorstellung anzugiften. Dabei wirft Lilli mit Spicker auf ein Konterfei ihres Ex-Mannes als Cyrano. Außerdem telefoniert sie demonstrativ mit ihrem neuen Liebhaber, einem General Harrison Howell per Handy. Dabei hätten die Handys doch längst ausgeschaltet gehört. Man schwelgt aber dennoch in der Erinnerung längst vergangener Zeit mit dem Titel „Wunderbar“. Aber auch Fred ist in der Klemme. Ein Ensemblemitglied hat im Namen von Fred einen Schuldschein beim Kartenspiel über 10000 Dollar unterschrieben. Das ruft nun zwei Ganoven auf den Plan in Form von Heißmann und Rassau, dem Komiker-Duo aus Fürth. Fred streitet zunächst ab, einen solchen Schuldschein gezeichnet zu haben. Fred bandelt mit einer ehemaligen Bardame namens Lois Lane aus dem Ensemble an. Ihr will er auch einen Blumenstrauß zuschicken, der vor der Premiere aber fälschlicherweise bei Lilli landet. Den Brief konfisziert Lilli sogleich, da sie sich in dem Moment wirklich über den Strauß von Fred freut. Aber die Zündschnur für eine Explosion während der Vorstellung ist gelegt. Auch wenn sie nach dem Blumenstrauß verspricht, nie mehr Drecksack zu ihrem Ex-Mann zu sagen, ist klar, dass das Versprechen nicht lange halten wird. Auf der Bühne des Stücks im Stück steht eine große Statue von Shakespeare. Fred tauscht den Kopf der Statue aus und setzt seinen eigenen Kopf auf. Nun beginnen Sequenzen aus dem Shakespearestück. Mit einem Schlagzeug macht man Slapstickgeräusche, wenn sich Fred wieder mal an den Schritt langt, oder der alte Vater von Kate mit knarrenden Geräuschen auftritt. Nun kommt es auf offener Bühne zur echten Auseinandersetzung der Hauptdarsteller. Mit einer Motorsäge geht Lilli auf eine Puppe los und sagt, dass sie so mit jedem Mann verfahren würde (Nur kein Mann). Auch fällt wieder das Wort Drecksack, als sie den Brief aufmacht, der natürlich nicht für sie gedacht war. Auf offener Bühne ohrfeigt Lilli ihren Ex-Mann Fred und beißt ihm ins Ohr. Wenig später rächt sich dieser mit einer ordentlichen Tracht Prügel für Lilli, sodass diese für den Rest des Stücks nur noch unter Schmerzen sitzen kann. Sie weigert sich nun weiterzuspielen. Da kommt Fred der rettende Einfall und er hetzt die beiden Ganoven auf Lilli, damit sie den Abend fertig spielt. Fortan begleiten die Gangster mit Pistolen die Auftritte von Lilli. Auch wenn die Gangster immer wieder um sich ballern und selbst einen mechanischen Vogel von der Decke abschießen, es bleibt schwierig. Die Premiere steht immer kurz vor dem Scheitern, trotz Flitter im Finale des ersten Akts.

Zu Beginn des zweiten Aktes sieht man nun die Sänger des Stücks vor einer Backsteinwand. Darauf ist ein Graffiti ‚Kiss me, Kate!‘. Es steht ein Kühlschrank auf der Bühne, aus dem man scheinbar kalte Getränke holen kann. Fred muss schließlich eine Szene streichen, bei der Lilli auf einem Esel sitzen soll. Es wird weitergespielt, allerdings stirbt plötzlich der Auftraggeber, der die Schulden für den Schuldschein haben will. Die Gangster lassen von Lilli ab, vorher machen sie aber noch ein Selfie mit einem Selfie-Stick. Es erscheint ihr Liebhaber, der General, der sie nun retten und heiraten will. Vor einem Transparent der National Rifle Association posiert man nun die Liebe zur Waffe. Aber auch der General ist in Sachen Liebe kein unbeschriebenes Blatt und hatte ebenfalls eine Affäre mit Lois Lane hatte, genauer gesagt er hatte zwei Affären. Sie bekam damals Juwelen von dem General. Er bittet Lois, sich für die ersten drei Monate der Ehe mit Lilli bedeckt zu halten, danach hätte er aber schon wieder Bedarf. Es kommt, was kommen muss, Lilli packt während der Aufführung die Koffer und verlässt Fred noch in der Vorstellung. Nun treten die Gangster vor die Bühne und singen ihr ‚Schlag nach bei Shakespeare‘. Dabei treten sie dreimal auf und geben eigene Variationen des Liedtextes mit Regionalbezug zum Besten. Beim entscheidenden Auftritt von Lilli zum Ende der Premiere, scheint alles vorbei zu sein. Da tritt plötzlich Lilli auf und spielt am Boden liegend das Stück zu Ende.

Dieses Musical ist also das erfolgreichste Musical von Cole Porter gewesen. Und tatsächlich sind ein paar Nummern Evergreens geworden. Dennoch hat das Stück von der Handlung her etwas Patina angesetzt und der Stoff vom prügelnden Ex-Ehemann will nicht mehr so recht in die heutige Zeit passen. Die Handlung ist zugegebenermaßen eindimensional und was dieses Stück immer wieder auf den Spielplan ruft, sind die Evergreens von Cole Porter. Etwas weniger Big-Band-Sound als erwartet, aber mit viel Ohrwurmpotenzial kommt dieses Stück daher. Christian Alexander Müller als Fred und Sophie Berner als Lilli lassen es auf der Bühne gehörig knistern. Dabei ist beim Stück im Stück nicht immer klar, auf welcher Ebene sie sich bewegen, aber das ist gerade das Reizvolle.

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Manchmal sollte man sich auch von einer oder mehreren durchwachsenen Kritiken nicht abhalten lassen, sich vor Ort selbst eine Meinung zu bilden. So waren die Hugenotten ja eher nicht bei mir angekommen und ich hatte mit dem Thema Grand Opéra schon fast abgeschlossen. Die ganze Form erschien mir als etwas zu verstaubt und nicht mehr aktuell. Aber die Inszenierung von Gabriele Rech am Nürnberger Opernhaus hat mich überzeugt, sie ist eine Kooperation mit der Oper in Nizza. Ein gut aufspielendes Orchester und gute Sänger hatten an diesem Abend für eine Überraschung gesorgt. Nach den Kritiken hatte ich ja eine gewisse Skepsis. Das Libretto mit dem Kindstausch als Motiv erinnerte mich zu sehr an den Troubadour von Verdi, obwohl das in der Zeitabfolge gar nicht sein kann. Kai Weßler bezeichnete die Form der Grand Opéra als großes Theater in der damaligen Zeit, ähnlich den heutigen Musicals. Dabei waren genaue Handlungsabläufe und Ausstattungsdetails vorgegeben. Der düstere Ausgang der Oper von Fromental Halévy besiegelt eine finstere Schlussnote im Religionskonflikt der damaligen Zeit und der Judenverfolgung unter dem Konstanzer Konzil um 1417. Man hätte die Oper leicht mit einem Paukenschlag und einem glücklichen Ende beschließen können, was aber unlogisch erscheint. Wie ein Zug rauschen die Beteiligten immer tiefer in persönliche Verstrickungen und schließlich in die Katastrophe. In ihrer religiösen Verblendung stehen beide Seiten unversöhnlich gegenüber. Schon die Grablichter vor dem Vorhang verheißen nichts Gutes.
Im ersten Akt sieht man das Volk in der Kirche. Mit einem dicken Orchesterstrich wird ein „Te Deum“ gesungen. Man befindet sich außerhalb der Kirche vor den Stufen zum Münster zu Konstanz. In der Mitte sieht man die Rückseite eines Kirchenfensters. Der Jude Éléazar stört mit seinem Gehämmer in der Goldschmiede die Feiertagsruhe der christlichen Mehrheit. Das führt zum ersten Affront des Juden, der vom Militär gleich vorgeladen wird. Man hat die Szenerie in die 30er Jahre verlegt, verzichtet aber bewusst auf Symbole des Dritten Reichs. Stellvertretend müssen sich zwei Statisten ausziehen und mit einem gelben Judenstern bemalen lassen. Sie tragen Schilder mit Frakturschrift, die sie der Schande bezichtigen. So hätte die christliche Frau ein Verhältnis mit einem Juden gehabt, was nach den Gesetzen nicht zulässig ist. Nach diesem Übergriff beruhigt sich die Menge zunächst auf Geheiß des Kardinals Brogni und feiert ausgelassen auf den Stufen des Münsters. Es werden rot-schwarze Flaggen hochgehalten und schon kommt es zur nächsten Provokation. Éléazar hat sich mit seiner Tochter in die Nähe des Münsters gewagt. Der geliebte Samuel von Éléazars Tochter Rachel kann die Situation in merkwürdiger Weise retten. Was Rachel zu dem Zeitpunkt nicht weiß: Ihr Geliebter ist kein Jude, wie er vorgibt, sondern der Reichsfürst Léopold.
Im zweiten Akt ist man dann in dem Wohnhaus der Goldschmieds Éléazar. An der Decke sieht man einen Stern, Vorhänge und Bücherregale stellen fest, man ist im Haus eines gebildeten Mannes. Der Akt beginnt wie ein Abendmahl von Leonardo da Vinci. Mit zwölf Gästen feiert Éléazar an einer langen Tafel das Pessachfest mit ungesäuertem Brot. Der a-cappella-Gesang ist wirklich schön, aber die Tafel wird gestört. Die Prinzessin Eudoxie unterbricht das jüdische Fest. Sie kommt, um eine Kette für ihren Mann zu bestellen. Samuel steht dabei seltsam in der Ecke und vermeidet jeden Blickkontakt mit der Prinzessin. Rachel will ihren Freund heiratet, jedoch gibt der im Verlauf des Aktes zu, dass er gar kein Jude ist, sondern Christ. Das erzürnt Éléazar so, dass er ihn auf die Tafel wirft und mit einem Messer bedroht. Aber es gäbe eine Chance, wenn er Jude würde, könnten sie heiraten, aber auch hier ziert sich der Freund merkwürdig. Er sagt, dass das nicht geht, und verlässt den Raum.
Im dritten Akt befindet man sich im Ankleidezimmer der Prinzessin. Die zieht in Erwartung ihres Mannes Léopold ein rotes Kleid an. Die Hofdamen dahinter in Rosa öffnen schon mal eine Flasche Sekt. Hinter den Stoffbahnen des Schlafgemachs sieht man ein Bankett. Zum obligatorischen Ballett inszeniert man eine Reise nach Jerusalem mit Stühlen. Am Bankett sitzt Samuel. Er ist also in Wahrheit der Reichsfürst Léopold. Nun spitzt sich die Lage zu. Éléazar und Rachel wollen die Auftragsarbeit übergeben und es kommt zum Eklat. Rachel erkennt ihren Freund. Im Hass und aus Wut beschuldigt sie ihn vor seiner Frau der Prinzessin, ein Verhältnis mit einer Jüdin gehabt zu haben. Das geht nun dem anwesenden Brogni eindeutig zu weit. Er findet die Anschuldigung ungeheuerlich und lässt Rachel, Éléazar und Léopold verhaften.
Im vierten Akt sieht man das Haus von Éléazar durch einen Brand verwüstet. Es hat also ein Pogrom gegeben. Das Haus von Éléazar stand in Flammen, die Tafel ist zerbrochen, die Stühle verkohlt. Eudoxie versucht Rachel, zu einer Revision ihres Geständnisses zu bewegen. Damit erwirkt sie Léopolds Begnadigung. Nun kommt es zu einer Aussprache zwischen Éléazar und Brogni. Die beiden hatten sich vor langer Zeit in Rom getroffen. Brogni war damals noch kein Kardinal, sondern hatte Frau und Tochter. Allerdings war er damals als Graf schon für den Tod der Söhne Éléazars verantwortlich, weshalb Éléazar jeden Christen hasst. So gibt er nun zu, dass Brognis Tochter gerettet wurde und nur er wisse, wo sie ist. Éléazar ist aber bereit sein Geheimnis ins Grab zu nehmen und bietet Brogni seinen Tod an. Mit einem gewissen Sadismus erfreut er sich dran, Brogni leiden zu sehen. Brogni verhört ihn sogar mit einer Stehleuchte, aber Éléazar weigert sich, den Aufenthalt der Tochter zu nennen. Diese Stehleuchte nimmt am Ende des Aktes Éléazar und beleuchtet sich gespenstisch von unten. In seinem Hass ist er sogar entschlossen, seine Tochter zu opfern.
Im letzten Akt kommt es zum fatalen Finale. In einem Taufbecken soll eine Art Zwangstaufe von Rachel mit heißem Wasser durchgeführt werden. Trotz einer Vorhangpanne ist man im Kerker gelandet. Rachel und Éléazar bleiben standhaft. In einer ziemlich brutalen Waterboardingsequenz wird nun Rachel ermordet. Als sie tot ist, gesteht Éléazar, dass Rachel die gesuchte Tochter von Brogni ist. Darauf erwürgt Brogni Éléazar.
Warum war ich begeistert? Auch wenn man heutzutage keine Arie mehr aus der Oper kennt: Das Vergessen der Oper auf den Spielplänen ist unverdient. Das Dritte Reich hat hier auch wieder dafür gesorgt, dass dieses Werk endgültig verschwand. Rachels Arie im zweiten Akt ist schön und Éléazars Arie im vierten Akt. Die Rolle des Léopold verlangt unglaublich hohe Tenortöne, die Uwe Stickert auch abliefert. Éléazar ist dagegen eher eine Kraftrolle für den Tenor Luca Lombardo. Nicolai Karnolsky als Kardinal Brogni liefert einen profunden Bassbariton, der teilweise mit bester Harfenmusik untermalt wird. Mit der Aufdeckung der Identität Rachels hätte man auch kurz vor Schluss noch einmal dramaturgisch alle Karten für eine positive Auflösung der Verwicklungen in der Hand. Religiöser Fanatismus verweigert aber dieses Ende. Die fünf Stunden, die diese Oper eigentlich dauert, wurden auf drei Stunden reduziert. Dennoch verliert die Oper durch die Kürze nicht an Wirkung. Ich kann inzwischen verstehen, warum die Oper damals ein Serienerfolg war, und lange auf den Spielplänen stand. Die Musik ist dramatisch, wuchtig und ergreifend. Klar ist der Pathos Teil der Grand Opéra, aber hier wird der Konflikt zwischen Juden und Christen gekonnt auf die Bühne gebracht. Vielleicht hat die Routine von sieben Aufführungen die Inszenierung inzwischen rund geschliffen und bietet nun an anderes Erlebnis als die Premiere im Januar.

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Georg Schmiedleitner hat es geschafft und an der Staatsoper Nürnberg in dieser Spielzeit den Ring von Richard Wagner vollendet. Wer jetzt die große Überraschung erwartet hat, ist vielleicht enttäuscht. Die Wende in der Deutung bringt die Götterdämmerung nicht, aber das Ende. Wagners Untergangsvision, der vorher mühsam aufgebauten Welt, ist vielschichtig. Die Götter haben sich also in ihr Walhalla zurückgezogen und den Menschen Platz gemacht. Man landet mit der Götterdämmerung quasi tagaktuell in der Medienwelt des 21. Jahrhunderts. Wobei die Nornen zu Beginn der Aufführung im ersten Rang singen und alte Tonbänder abwickeln. Man kann dies als Zeichen einer antiquierten Welt sehen, die ihre Tage gesehen hat. Die Bänder werden geflochten und reißen schließlich, was eigentlich nur das Ende der Götter bedeuten kann. Aus einem versenkten Bühnenkasten fahren nun Siegfried und Brünnhilde aus dem Boden heraus. Ihr Steingemach ist mit dem Fernseher aus dem Siegfried-Teil ausgestattet, der kopfüber von der Decke hängt und alte Stummfilme abspielt. Siegfried ist rechts an der Wand und lehnt in der Luft von der Seite. Man erkennt in dem Steingemach, einen Teil eines Baumes und das bekannte braune Ledersofa. Den Helden des letzten Teiles zieht es mit einem kleinen, braunen Stoffpferd hinaus in die Welt. Er zieht sich dazu seinen Anzug aus und ein kariertes, rot-weißes Hemd an. Dazu trägt er eine Lederhose und wenig passende, orange Turnschuhe. Die Karikatur des Helden findet also nur konsequent die Fortsetzung in diesem Teil. Mit einem Papierschiffchen geht es runter zum Rhein in die Halle der Gibichungen. Am Rhein trifft man auf Flüchtlinge, die sich mit nacktem Oberkörper die Laster der Menschen auf die Brust gemalt haben. Gnadenlos klappt der weiße Boden der Gibichungenhalle herunter und begräbt die Flüchtlinge unter sich. Im weißen Saal der Gibichungen prangt ein großes „G“- in Form des Google-Schriftzugs von der Decke. In der Wand sind kleine Löcher, die gelb hinterleuchtet werden, sodass man den Eindruck von vielen LEDs hat. Auf die Rampe montiert sind zwei Sessel in Metalloptik, die den Eindruck einer Chefetage vermitteln. Im hinteren Teil steht ein Kühlschrank, der eigentlich nur zwei Flaschen Sekt und einen Energy-Drink beinhaltet. Mit diesem Vergessenstrank heckt nun das Geschwisterpaar Gunther und Gutrune einen Plan aus. Auf Rat eines leicht übergewichtigen Hagen setzt nun der Partnertausch ein. Hagen klärt Siegfried über die Bedeutung des Tarnhelms auf. Gunther und Siegfried schließen Blutsbrüderschaft, wobei Siegfried seine Kleidung mit Blut verschmiert. Womit wir wieder bei der Vorliebe des Regisseurs für Theaterblut wären. Damit die Verwandlung auch gut klappt, zieht Siegfried nun den blauen Anzug von Gunther an und als er Brünnhilde vergessen hat, entbrennt er sofort in Leidenschaft für Gutrune und verspricht Gunther Brünnhilde als Braut zu bringen. Es fährt wieder der Kasten aus dem Bühnenboden, geblieben ist das braune Ledersofa, aber im Hintergrund sieht man ein überlebensgroßes Konterfei des Helden. Es gibt sogar eine Tür, durch die Waltraute hereinstürmt und versucht, Brünnhilde zur Rückgabe des Rings zu bewegen, auf den Wotan wartet. Er würde Holdas Äpfel nicht essen, hätte die Weltesche gefällt und das Holz um Walhalla auf schlichten lassen. Er würde auf das Ende warten. Waltraute ist zudem gegen den Willen Wotans unterwegs. Sie hat die Lösung: Der Ring müsste den Rheintöchtern zurückgegeben werden. Da Brünnhilde den Ring als Liebespfand von Siegfried bekommen hat, stößt sie Waltraute zur Tür hinaus. Nun flammt der Walküren Fels auf, was sehr eindrucksvoll am Bühnenrand mit Feuerprojektionen gelingt. Aber es nicht Siegfried, der kommt, sondern für Brünnhilde scheinbar Hagen. Hätte sie mal ein bisschen besser im Textbuch der Walküre aufgepasst, wäre ihr klar gewesen, dass nur Siegfried durch den Ring kommen kann. Der getarnte Siegfried entreißt ihr nun den Ring. Auch wenn er sich am braunen Sofa nun breitmacht, er hält zu Brünnhilde doch eine Schwertlänge Abstand, als Treue zu seinem Blutsbruder Gunther.
Im zweiten Aufzug spitzt sich die Situation nun zu. Hagen schläft in einem der Sessel in der Gibichungenhalle. Zwischen halbdurchsichtigen Plastikvorhängen schleicht er umher. Sein Vater Alberich fordert nun den Ring von Hagen ein, was er letztendlich bewilligt. Siegfried taucht unvermittelt auf und sagt, er habe Brünnhilde erobert. Es soll eine Hochzeit geben. Statt des Kahns kommt nun ein Flüchtlingsboot auf die Bühne mit blauen Plastiksäcken beladen mit der Aufschrift Syria. Auf diese Menschen prügeln nun die gut gekleideten Gibichungen ein. Man könnte die Menschen hier als Tieropfer sehen, von denen Gunther spricht. Die Stimmung ist aber ausgelassen. Es werden fleißig Luftschlangen verteilt und Gunther lässt sich auf einem Möbelroller von Brünnhilde in die Halle ziehen. Hinter einer Plexiglaswand sieht man nun wieder die Flüchtlinge, die dem Treiben nur zusehen dürfen. Nun sieht aber Brünnhilde Siegfried und erkennt an ihm auch den Ring, den sie im ersten Aufzug vermeintlich an Gunther verloren hat. Brünnhilde fühlt sich nun verraten und Siegfried schwört nun bei der Speerspitze Hagens, dass er Brünnhilde nicht angefasst hat. In einer Nachtszene sinnen Hagen, Brünnhilde und Gunther auf Rache. Ein allseits beliebter Jagdunfall mit einem Eber soll nun die Ursache für das Ableben des Helden sein.
Im letzten Aufzug erkennt man nun wieder das wilde, vermüllte Wald- und Felsental am Rhein. Gegen die pralle Sonne cremen sich die Rheintöchter nun reichlich ein. Zwei zerrissene Sonnenschirme, einer von einem lokalen Eisproduzenten, sollen gegen die Sonne schützen. Mehrfach flitzt Siegfried über die Bühne. Das Planschbecken mit den Wellenverzierungen hat kein Wasser. Das wurde ja im Rheingold schon von einem Lebensmittelkonzern in Flaschen verpackt. Lustig, wie die Rheintöchter sich im Planschbecken wälzen und Siegfried necken. Eines ist klar, auch sie wollen ihm den Ring abluchsen. Sie warnen ihn sogar, dass er heute noch den Tod finden würde. Es trifft die Jagdgesellschaft ein. Auch die Gesellschaft hat schon Smartphones und macht Selfies mit dem Helden nach der Jagd. Siegfried meinte, er hätte nur Wasserwild gefangen und wäre glücklos. Die Jagdgesellschaft macht es sich mit Bierkästen einer lokalen Brauerei gemütlich. Nun entlockt ihm Hagen die Geschichte von alter Zeit (aus dem Siegfried). Er erinnert sich an seine Jugend bei Mime, wie er den Drachen tötete und den Ring bekam und wie er mit einem Kuss, der schönen Brünnhilde in den Armen lag. Das ist der Moment, in dem Hagen einschreitet und mit einem Speer Siegfried von hinten erledigt für den Meineid. Damit das Ganze ohne viel Kleckerei abläuft, findet das im Planschbecken der Rheintöchter statt. Sterbend erinnert sich Siegfried an Brünnhilde. Da der schmächtige Gunther, Siegfried nicht abtransportieren kann, stellt er den blutüberströmten Helden auf. In der Gibichungenhalle wartet nun Gutrune auf ihren Mann. Sie legen den toten Siegfried in die Halle. Nun fordert Hagen den Lohn ein, nämlich den Ring. Dafür räumt er auch Gunther zur Seite. Nun hebt sich die Hand von Siegfried empor, was Hagen nun unheimlich wird. Brünnhilde bringt nun den Rheintöchtern den Ring zurück. Diese haben vor der Halle ein kleines Büro mit einem Laptop aufgebaut. Dort senden sie Twitter Feeds mit den letzten Worten von Brünnhilde ab. Es kommt ein Fernsehteam auf die Bühne, die Brünnhilde zum Geschehen interviewt. Die Halle der Gibichungen verliert ihre Wände und die Mannen bringen auf Smartphones das Feuer nach Walhalla. Damit endet die Oper.
Ich war in der letzten Aufführung in dieser Spielzeit. Das Team war gut eingespielt und das Orchester hat die 4 ½ Stunden reine Spielzeit mit Bravour absolviert. Selbst die als krank angekündigte Rachael Tovey hat den Abend bestens überstanden und einen fulminanten Schlussmonolog hingelegt. Die Überraschung des Abends war für mich Roswitha Christina Müller, die eine tolle Waltraute abgab. Markus Bosch dirigierte den Abend hervorragend und zum Schluss gab es Blumen für Vincent Wolfsteiner als Siegfried, der Nürnberg leider verlässt. Ob in einem Jahr die Einblendung und der Bezug auf die aktuelle Tagespolitik noch verständlich sein werden, mag dahingestellt sein. Während der Pausen lief auf dem Vorhang der Bühne CNN. Ein leises Buh gab es doch am Ende für die Regie. Mit Siegfried als Held geht man auch mir in diesem Ring etwas zu respektlos um. Aber es sind wirklich viele gute Einfälle dabei und vielleicht erklären sich im kompletten Durchlauf nächstes Jahr auch noch die Kühlschränke auf der Bühne.

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Nachdem die Nürnberger Inszenierung des Otello bei mir wenig Begeisterung auslöste, habe ich in Wiesbaden einen zweiten Versuch unternommen. Uwe Eric Laufenberg war hier für die Umsetzung des Stoffes verantwortlich. Es hatte auch einen Grund, sich ausgerechnet diese Aufführung auszusuchen. Es sang der Tenor José Cura, der in der Bühnenfigur des Otello sehr viel Erfahrung mitbringt. Diese kräftezehrende Rolle ist bei Tenören gefürchtet und die Aufführung steht und fällt doch mit dieser Figur. Die aufbrausende Art des Otello, der aber immer wieder von Launen und Kopfschmerzen geplagt wird, ist wirklich eine Herausforderung an den Darsteller. Aber auch die weiteren Rollen wie die der Desdemona (Cristina Pasariou) und die des Jago (Matias Tosi), sind hier sehr gut besetzt. Jago ist wirklich hier der treibende Motor der Handlung mit seiner Fiesheit. Während Desdemona die unschuldige Frau ist, die trotz aller Frömmigkeit am Ende sterben muss. In diesem Dreieck der Personen herrscht wirklich Spannung auf der Bühne, weshalb sich auch hier der Besuch der Oper lohnt. Die Aufführung war auch ausverkauft. Mit dem Bühnenbild, das nur aus einfachen Säulen besteht, die immer wieder neu angeordnet werden, war wenig Griffiges als Ausstattung zu sehen. Immer wieder neu angeordnet stellen sie einen Hafen, ein Schloss, ein Palast und ein Schlafzimmer dar. Das wirkte für mich etwas beliebig, macht aber auch nichts kaputt. Die Inszenierung bietet somit aber auch wenig Angriffsfläche. Die Leute haben Kleidung des 20. Jahrhunderts an, obwohl die Handlung eigentlich auf Zypern im 15. Jahrhundert spielen soll.

Gleich am Anfang kam es mir verdächtig vor, dass der Darsteller des Jago in der Mitte der ersten Reihe des Zuschauerraums saß. Von dort hält er vor dem Stück einen Prolog über die Liebe und die Intrige. Erst dann beginnt das Stück mit der Ouvertüre, in dem er den schwarzen Vorhang zieht. Zwischen den Säulen sind viele Sandsäcke geschlichtet, die die Sturmflut aufhalten sollen, in die das Schiff des Otello geraten ist. An den weißen Säulen sieht man die Projektion von Wassertropfen. Im Orchester tost der Sturm, der hier vom Orchester sehr lautstark umgesetzt wird. Aber Otello kann das Schiff anlanden und seine Exsulate-Rufe singen. Über die Freude der Rettung von Otello zündet man auf der Bühne ein echtes Freudenfeuer an und verbrennt dort schwarze Fahnen. In der nun folgenden Trinkszene, in der Jago Cassio mit viel Wein abfüllt, geht es ziemlich zu auf der Bühne. Cassio wird dabei richtig mit Wein übergossen. Jago hetzt dort also Cassio gegen Roderigo auf, es kommt zu einer bewaffneten Auseinandersetzung, bei der Roderigo verletzt wird. Durch den ganzen Lärm werden auch Desdemona und Otello geweckt. Wütend über so viel Unverstand und durch Jago aufgehetzte, degradiert er Cassio. Jago meinte, Cassio würde jeden Abend so ausfallend werden. Bei einer vorgegangenen Beförderung wurde Jago nämlich übergangen und hat sich damit an Cassio gerecht. Eigentliches Ziel ist es aber, Otello nachhaltig zu schädigen. Otello ist durch seine Hautfarbe eher der Außenseiter. Auch in dieser Vorstellung ist der Darsteller des Otello dunkel geschminkt. Otello schickt nach dem Tumult die Leute weg und ist mit Desdemona allein. Beide versichern sich ihrer Liebe.

Jago ist es im zweiten Akt auch, der Cassio beauftragt, bei Desdemona um Milde für seine Degradierung zu bitten. Gleich zu Anfang singt Jago sein Credo, in dem er sich mit offener Hose über Bianca hermacht. Er glaubt einfach an nichts. Für die Szenerie in einem Schloss sind die Säulen jetzt quer über die Bühne angeordnet. Im Chor der Mädchen Zyperns werden Desdemona nun Blumen überreicht. Sie bedankt sich mit weißen Überraschungstüten. Nun beginnt der Hype um das Taschentuch, das Otello Desdemona geschenkt hat. Desdemona und Otello geraten über das Thema Cassio in Streit. Die aufkommenden Kopfschmerzen versucht Desdemona mit dem Taschentuch zu mildern. Er wirft es aber achtlos in die Ecke, wo es von Emilia aufgelesen wird. Emilia ist die Vertraute Desdemonas und trägt ein orientalisches, schwarzes Kleid mit Kopftuch. Jago nimmt das Tuch aber Emilia ab und versucht, es nun Cassio zu geben. Das Taschentuch wäre somit der Beweis für die inszenierte Untreue von Desdemona gegenüber Otello. Jago sagt nun, er hätte Cassio im Traum von Desdemona reden hören und er hätte bei ihm das Taschentuch gesehen. Nun verlässt Jago noch mal kurz die Bühne und setzt sich genüsslich in den Zuschauerraum, um zu demonstrieren: Seht Ihr Leute wie man eine perfekte Intrige spinnt. Am Ende des Aktes stehen Jago Rücken an Rücken mit Otello und der Flagge Venedigs und schwören Rache.

Im dritten Akt bilden die Säulen eine Empfangshalle. Im Karree angeordnet sind schwarze Stühle für die Gesandtschaft von Venedig. In der Mitte stehen ein Rednerpult und rechts davon ein Ledersessel, der dem Publikum abgewandt ist. Es setzt sich der Hype um das Taschentuch fort. Otello fragt nach dem Tuch, das magische Fähigkeiten hätte und für ihn wichtig wäre. Desdemona meint nur, sie hätte es verloren. Er beschimpft sie nun und sie verlässt die Bühne. Cassio hat inzwischen das Tuch und wird von Jago in ein Gespräch verwickelt, wo er über Bianca spricht. Durch gezieltes Auf- und Abgehen zwischen den Säulen bekommt Otello nur einen Teil des Gesprächs mit. Otello meint, Cassio spricht von Desdemona. Nun rät Jago Otello, seine Frau zu erwürgen, und zwar im Ehebett, wo die angebliche Untreue vonstattenging. Es tritt nun die Gesandtschaft von Venedig auf die Bühne. In grauen Anzügen vertreten sie die Geschäftswelt Venedigs und rufen Otello ab aus Zypern. Sein Stellvertreter wird Cassio. Das bringt Otello mit einer weiteren Bitte von Desdemona um Gnade für Cassio derart in Rage, dass er sie auf den Boden wirft. Leider singt Otello ein Teil der Arien, in einem Sessel, dem Publikum abgewandt. Auch am Ende, als alle ihn bestürmen, bricht er in diesem Sessel zusammen.

Auch im vierten Akt begegnet man wieder den Säulen. Im Schlafgemach von Otello befindet man sich nun. In der Mitte steht nun ein weißes Himmelbett. Desdemona singt da zwei wunderschöne Arien. Das Lied von der Weide. Sie ahnt ihren frühen Tod und verabschiedet sich herzlich von Emilia. Sie bittet, ihr das Hochzeitskleid anzuziehen, wenn sie sterben sollte. Die zweite Arie, das Ave-Maria, singt sie kniend auf einem Betstuhl. Links von ihr ist eine Kerze, die sie am Ende der Arie auslöscht. Otello zieht nun den weißen Himmel des Betts weg. Er küsst Desdemona wach, in dem Plan sie umzubringen. Die leeren Querstangen des Betts wirken wie ein Käfig, in dem Desdemona gefangen ist. Allen Unschuldsbeteuerungen zum Trotz, ist er so Jago verfallen, dass er Desdemona schließlich erwürgt. Durch den Lärm kommt Emilia und findet die sterbende Desdemona. Emilia klärt nun auf, wie Jago ihr das Tuch abgenommen hat und dass Jago die ganze Intrige inszeniert hat. Jago flüchtet drauf hin. Am Ende sieht Otello keinen anderen Ausweg und ersticht sich mit dem Dolch.

Die Aufführung wird beworben mit José Cura, die Weltstimme in Wiesbaden. In der Tat war er auch der Grund, warum es mich nach Wiesbaden gezogen hat. Ich wurde aber auch mit einer wunderbar lyrischen Desdemona überrascht, die mich im vierten Akt mit dem Ave-Maria richtig in den Bann gezogen hat. Beinahe hätte es an dieser Stelle Szenenapplaus gegeben, zumindest ein Zuschauer war von der Darstellung der Desdemona ebenso überzeugt wie ich. Aber auch Tosi als Jago, der auf Hochtouren diese Intrige inszeniert und durch und durch böse ist, ist sehenswert. Der Hype um das Taschentuch ist gut umgesetzt und die Spannungen zwischen den Darstellern gelingen gut. Damit hat dieser Otello im zweiten Anlauf wesentlich besser gezündet und ich kann die Begeisterung für Verdis Spätwerk nachvollziehen. Die drei Stunden der Aufführung vergehen wie im Flug.

Zur Premiere von Leonard Bernsteins Candide hat es mich in die Landeshauptstadt München verschlagen, genauer gesagt, in die Reithalle, die eine Spielstätte des Gärtnerplatztheaters ist. Mit der Reithalle hatte ich einen eher kühlen Aufführungsort verbunden, im Winter. Es war aber sehr warm. In einer Inszenierung von Adam Cooper gab es eine szenische Umsetzung der als komische Operette oder Musical titulierten Werks. Die Handlung dieses Stückes im Detail zu erklären, würde mindestens so lange dauern, wie das Stück selbst. In Wandgemälden im Reitstall sind in Bildern die zehn Orte dargestellt, an denen die Operette spielt. Wenn man nicht wüsste, dass die Handlung eigentlich zur Zeit Voltaires Mitte des 18. Jhd. spielen soll, meint man, man hätte es mit den Vorläufern des Jetset zu tun. Im Grunde geht es darum, dass der nicht standesgemäße Edelmann Candide, seine Freundin Cunegonde heiraten möchte. Es startet eine aberwitzige Jetset-Tour um die halbe Welt. Damit man die Orientierung behält, ist am Kopf der Bühne ein halbdurchsichtiger Vorhang, auf den Weltkarten aufgemalt sind. Dahinter befindet sich das Orchester. Mit einem Pfeil und einem Federgeräusch sieht man dann immer, wo sich Candide oder Cunegonde gerade aufhalten. Zur besseren Verständlichkeit sind die Sprechpassagen in Deutsch, die Lieder aber in englischer Sprache. Die Übersetzung sieht man links und rechts über den Bühneneingängen eingeblendet. Nun stand die Premiere unter keinem guten Stern, denn die Darstellerin der Cunegonde Csilla Csövári war wenige Tage vor der Aufführung erkrankt. Man konnte Cornelia Zink als Gast gewinnen, die dann am Premierentag einsprang und sich in diese temporeiche Inszenierung einarbeitete. Die szenische Aufführung kommt dabei mit erstaunlich wenig Requisite aus. Die verschiedenen Länder werden hauptsächlich durch die verschiedene Kleidung des Chores ausgedrückt. So hat man, neben dem Pfeil auf der Weltkugel, auch eine örtliche Orientierung. Durch die Handlung führt ein Voltaire als Erzähler. Auch die Darsteller selbst schlüpfen in bis zu sieben verschiedene Personen, was vor allem von den hinteren Reihen immer etwas witzig ist, da der Wiedererkennungseffekt etwas dauert. Aufgrund teilweise frivoler Szenen besteht eine Altersempfehlung ab 12 Jahren.
Legendär ist natürlich schon die Ouvertüre des Stücks. Zu Beginn findet man sich im Schloss des Barons Thunder-Ten-Tronck. Der kleinwüchsige Baron hat eine gewichtige Baroness mit 140 kg als Ehefrau, die zwei Kinder haben: Maximilian und Cunegonde. Schon vier Stühle reichen aus und man ist mit dem Neffen Candide und dem Zimmermädchen Paquette in einer Lehrstunde des Hauslehrers Pangloss. Er lehrt die Schüler, dass sie in der besten aller Welten aufwachsen. Im Anschluss an die Lehrstunde will der Lehrer Pangloss mit Paquette noch ein physikalisches Experiment durchführen. Dies besteht darin, dass Paquette mit Pangloss schläft, mit weitreichenden Folgen. Cunegonde sieht dieses Treiben und beschließt, die Lektion selbst mit Candide zu wiederholen. Dabei werden sie aber von Maximilian überrascht, der diesen Vorfall seinem Vater meldet. Daraufhin vertreibt er Candide von seinem Schloss. Candide trifft auf Soldaten der bulgarischen Armee und muss auf das Wohl des Königs trinken. Ehe er sich versieht, ist er Teil und Soldat der grünen, bulgarischen Armee. Er muss allerlei Drill über sich ergehen lassen. Das Schicksal verschlägt ihn noch mal ins Schloss, als dieses von der Armee der Bulgaren überfallen wird. Der Baron und die Baroness verlieren endgültig ihr Leben. Maximilian, Cunegonde, Paquette und Pangloss überleben. Nun findet eine Überfahrt von Candide und Pangloss nach Lissabon statt. Man spielt mit einfachen Mitteln eine Schiffsüberfahrt nach, die in einem Schiffbruch endet. Pangloss und Candide retten sich vom Schiff, allerdings geraten sie in die nächste Katastrophe. Wie nun Vulkane nach Lissabon kommen, ist eben Dichtung. Fakt sind aber die Erdbeben, die die Region heimsuchen. So finden auch 30000 Menschen bei diesem Erdbeben den Tod. Die Inquisition sucht nach dem Schuldigen für dieses Erdbeben und man findet heraus, dass es die Neuankömmlinge sind. Nun erzählt Pangloss, dass er von Paquette ein ‚Geschenk‘ in Form der Syphilis bekommen hat, er ist schwer von dieser Krankheit gezeichnet. Dennoch findet ein Autodafé der portugiesischen Inquisition statt. Den drei Geistlichen in roten Roben nimmt man ihre Gesinnung nicht richtig ab, tragen sie unter ihren Roben doch Damenstrümpfe und Frauenschuhe. Das Autodafé ist ein der sehr guten Ensemblenummern des Stücks. Es sieht so aus, als ob Pangloss verurteilt und gehängt wird. Candide wird ausgepeitscht, kann aber nach Paris entfliehen. Dort trifft er in einem Bordell Cunegonde wieder, die sich an zwei Liebhaber verkauft. Der Kardinal Erzbischof von Paris und Don Issachar, ein Jude, melden ein Anrecht auf Cunegonde an. Sie zahlen sie mit Klunkern und Schmuck. Es folgt die berühmte Arie „Glitter and Be Gay“, wo Cunegonde ihr Schicksal beklagt. Den beiden Freiern passt es gar nicht, dass Candide plötzlich auftaucht. Es kommt zum Duell, in dem zuerst der Jude und dann der Kardinal Erzbischof getötet werden. Wieder muss Candide fliehen. Den Schmuck nehmen die beiden mit und fliehen mit der Bordelldame, einer alten Lady, die pikanterweise nur eine Gesäßhälfte hat nach Spanien. Diese alte Lady sieht aus wie Frankensteins Braut mit der typischen Frisur. In Spanien werden sie aber wiederum ihrer Juwelen beraubt. Der Schmuck soll später noch dazu dienen, Candide der beiden Morde zu überführen. Aber Candide wird aufgrund seiner hervorragenden Fechtkunst auf ein Schiff nach Amerika angeworben. Er wird zum Hauptmann ernannt und soll den bedrängten Jesuiten in Montevideo gegen die Ureinwohner zu Hilfe kommen. Ihnen gelingt die Überfahrt in die Neue Welt.

Zum Start des zweiten Aktes tanzen die wilden Ureinwohner. Da das Schiff bei der Überfahrt ausgeraubt wurde, sind sie wieder mittellos. Cunegonde muss sich erneut einem rassigen Liebhaber, dem Gouverneur von Buenos Aires verkaufen. Diesen will sie nur zur Frau nehmen, wenn er ihr auch die Ehe verspricht. Er verspricht ihr die Verlobung, worauf Cunegonde bleibt und ein Leben in Luxus und Langeweile lebt. Candide verkleidet sich als Mönch und muss weiter zu den Mönchen in Montevideo. Hier kommt noch einmal eindrucksvoll der Chor mit braunen Kutten zum Einsatz. In den Mönchskutten versteckt sich auch Maximilian, mit dem er in Streit gerät, als der hört, dass Candide seine Schwester zur Frau haben will. Eher aus einem Unfall heraus ersticht er Maximilian. Candide flieht in Mönchskluft und wird dabei fast von wilden Ureinwohnern gefressen. Diese bringen mit ein paar Papppalmen echtes Urwaldflair in den Reitstall. Als er den Ureinwohnern erklären kann, dass er kein Mönch ist, lassen die ihn ziehen. Er gerät auf einem Fluss in eine Strömung, die in nach zwei Tagen im sagenhaften Eldorado herausbringt. Die Kostüme sehen so etwas nach Revue und Disney aus. An den Seiten werden goldene Stoffbahnen entrollt und überall ist Gold. Richtig abgesehen hat es Candide aber auf die goldbeladenen, roten Schafe. Viele dieser Schafe verliert er beim Weg nach Surinam. Zwei kann er jedoch retten. Das eine Schaf schickt er nach Buenos Aires, um Lösegeld für Cunegonde zu sein. Man hat an den Juwelen erkannt, dass er der Mörder der beiden Geistlichen war. Auf ihn ist ein Kopfgeld ausgesetzt, daher kann er nicht selbst nach Buenos Aires. Mit dem zweiten Schaf kauft er sich ein Schiff. Dabei wird er ziemlich über das Ohr gehauen. Er verliert dabei sein letztes Schaf, das als Geldquelle vom Schiffsverkäufer erkannt wird. Er möchte seine Cunegonde schließlich in Venedig wiedersehen. Als er in Spanien angekommen ist, erfährt er, dass Cunegonde nach Konstantinopel entführt worden sei. Es kommt zu einem Gefecht zwischen zwei Schiffen, wo beide Schiffe in der Adria sinken, aber Candide am Ende sein Schaf wiederbekommt. Mit dem Gold aus dem Schaf hat er Zutritt zur Casinowelt von Venedig. Dort trifft er Cunegonde wieder, die sich erneut mit der alten Dame zusammen zur Bespaßung der Casinobesucher verkaufen muss. Das Leben hat Cunegonde inzwischen gezeichnet und sie betrinkt sich. Die beiden erkennen sich schließlich hinter den Masken und beschließen auf ein Landgut zu ziehen. Vorher rechnet Candide noch mit Cunegonde ab, die nur hinter seinem Geld her gewesen wäre. Am Ende ist man jedoch versöhnt und beschließt den eigenen Garten zu pflegen und das Glück zu genießen.

Es war wirklich ein toller Abend. Bei der berühmten Arie war das Publikum schon begeistert und es gab auch zum Schluss reichlich Applaus für Gideon Poppe und Cornelia Zink. Eigentlich ist diese Operette eher ein Musical mit Opernniveau, weshalb man das Stück am besten mit Opernsängern besetzt. Dennoch habe ich mich in YouTube in eine Aufnahme von Kristin Chenoweth - Glitter and Be Gay verguckt, die mich schließlich dazu bewogen hat, dieses Stück einmal ganz zu sehen. Und es hat sich in jedem Fall rentiert. Die sieben Minuten dieser Arie sind wirklich ein Highlight. Dass die Stimmen mit Mikrofon verstärkt sind, ist nun eher musicaltypisch. Bei den Sprechpassagen liefert das aber einen guten Klang. Der Chor ist immer wieder da und verbreitet mit der Landestracht der angesegelten Länder echtes Lokalkolorit. Dass einige Zuschauer in der Pause gegangen sind, fand ich etwas bedauerlich. Die Vorstellung ohne die Einlage in Eldorado ist nur die Hälfte. Klar, dass Bernstein an den Zuhörer Ansprüche stellt und die Handlung ist verquer und hart an einer Screwball Comedy. Es ist aber lustig, die wenigen Hauptdarsteller in immer wieder neuen Rollen zu sehen. Auch wie sie eigentlich immer wieder erstochen werden, sterben und dann doch irgendwie überleben, ist lustig. Vor allem die Erklärungen dazu, wie sie es dennoch in die nächste Szene geschafft haben. Ich stimme da mit BR-Klassik überein: Ein absolutes „must see“.

Quelle: YouTube | Gärtnerplatztheater

Quelle: YouTube | Gärtnerplatztheater