In einem Erstlingswerk als Opern-Regisseur ist am Opernhaus in Nürnberg derzeit die Zauberflöte von Wolfgang Amadeus Mozart in einer Inszenierung von Goyo Montero zu sehen. Die Inszenierung hat wegen ihres ungewöhnlichen Ansatzes in der Regie deutschlandweit Aufmerksamkeit produziert. Es ist in etwa so wie der Hype um die Dubai-Schokolade mit dieser Inszenierung, sodass die Vorstellungen gut gebucht sind und man über Ostern noch Zusatzvorstellungen eingeschoben hat. Wem die Aufführung gefallen hat, dem sei es von Herzen gegönnt, jedoch bei mir konnte das aus Gründen nicht punkten, die ich gerne ausführe. Allen anderen empfehle ich an dieser Stelle das Lesen einzustellen, denn es wird nicht nett.

Zum einen versucht Montero Ballett-Ansätze in die Zauberflöte zu bringen, sodass immer wieder drei Tänzer in Jumpsuits zu sehen sind. Zudem gibt es Bewegung im Chor an einigen Stellen, was immer wieder in sinnlosen Kreisen endet. Man hat sich scheinbar in der Bearbeitung des Werks ebenso frei verhalten, wie Bregenz mit seiner Bearbeitung des Freischützes. Auch musikalisch unterstreicht der Chor ein paar Solostellen, wo immer wieder das Saallicht angeht und Passagen vom Chor mitgesungen werden. In der Auftrittsarie von Papageno wurde die dritte Liedstrophe gestrichen, wo wir überhaupt bei einem Problem wären. Papageno ist eigentlich die Figur mit den meisten Arien, mit der sich der einfache Zuschauer identifizieren soll und kann. Wenn dieser in einer Manier der Horrorclowns aus Stephen Kings „Es“ erscheint, greift das einfach überhaupt nicht mehr. Statt Vögel fängt er Seelen, was ebenfalls zu Eingriffen in die Arientexte führte. Wichtige Gegenstände wie die Zauberflöte, das Glockenspiel, der Dolch, das Schloss vor Papagenos Mund, sind nicht existent oder nur angedeutet per Projektion. Wenn dem Tamino dann nicht mal einer Schlange begegnet nach der Ouvertüre, wird das sinnfrei.

Im Grunde sind die ganzen zwei Akte nichts als eine Traumsequenz in Taminos Kopf. Dieser ist mit einem Patientenkittel bekleidet und hat eine Gummikappe für Elektroden auf. Er ist scheinbar durch eine Überdosis Drogen ins Koma gefallen. Seine Seele schwebt schon während der Ouvertüre nach oben. Sein Spiegelbild verwandelt sich in Pamina. Tamino muss während der ganzen Oper also sein weibliches Ich suchen, was ihm am Schluss dann letztlich auch gelingt. Den Preis dafür zahlt er mit seinem Leben, das er am Ende als Lichtwolke aushaucht. Tote in der Zauberflöte? Na endlich. Die drei Damen kommen ziemlich aufgeblasen mit durchsichtigen Hauben daher. Sie verpassen Papageno für seine Prahlerei ein unsichtbares Schloss. Eine bewegliche Treppe, die immer wieder zum Einsatz kommt, ist die Auftrittsrampe für eine Königin der Nacht, die eher an eine Südseeprinzessin mit ihrem Kopfschmuck und der Kette aus weißen Plastikpuppen erinnert. Die Damen entfernen das Schloss vor Papagenos Mund. Auch das Glockenspiel, das Papageno bekommt, ist nur ein Beutelchen voller Glitzer, den er zu den Klängen verstreut. Ganz schräg ist nun Monostratos, der natürlich nur ein schwarzes Käppchen aufhaben darf und zudem einen durchsichtigen Plastikpenis unter dem Mantel trägt. Das soll scheinbar seine Dauergeilheit auf Pamina verdeutlichen. Mozart hätte vielleicht an der Zotigkeit dieses Einfalls seinen Spaß gehabt? Auch den drei Knaben, die dann auftreten geht es nicht besser. Sie sind letztlich nur Marionetten der drei Damen, sind als Skelette geschminkt und scheinen an unsichtbaren Fäden der Damen zu hängen. Die Nachwuchssolisten des Tölzer Knabenchor tuen ihr Bestes. Ihr Geschwaderauftritt zusammen mit den drei Damen will lieber nicht hinterfragt werden. Das Suchen des richtigen Tempels, wird als Aufgang zur Treppe dargestellt, wobei Tamino dreimal versucht, den richtigen Tempel zu finden, bleibt rätselhaft. Ein Bühnenelement mit drei Türen wäre zwar da, das sich eignen würde, man setzt es aber nur bei Papageno und Papagena ein. Der Sonnenkönig Sarastro dagegen könnte eins zu eins so als Altoum, der Kaiser in Turandot auftreten. Mit seinem gelben Mantel sieht er aus, wie der Kaiser von China, zudem thront er meist oben auf der Treppe. Ebenso wird der Chor auf dieser Treppe aufgestellt. Pamina ist mal kurz im Chor zu sehen, als Tamino fragt, ob sie noch lebt. Die Mohren des Monostratos sind wieder mit dem Chor angereichert, als sie zum Flitter des Glockenspiels im Marsch hinter den billig-glänzenden Vorhang verschwinden. Pamina und Tamino dürfen im Sarastros Hof bleiben.

Im zweiten Akt wird es nicht viel besser, denn die Geharnischten werden als gelbe Witzfiguren mit Sprachfehlern dargestellt im teilweise durchsichtigen Regencape. Wem der kleine Plastikpenis von Monostratos noch zu klein war im ersten Akt, der darf sich hier eines durchsichtigen Oversize-Modells erfreuen, dass auch aus den Rängen gut zu erkennen ist. Die große Auftrittsarie der Königin der Nacht ist auch zu hinterfragen. Diese hat aufblasbare, spitze blau-rote Stacheln auf dem Rücken, was scheinbar ihre Spitzentöne darzustellen versucht. Sie hängt zudem an einem langen Luftschlauch, denn die Stacheln müssen ständig aufgepumpt werden. Einen Dolch, den sie Pamina übergibt, existiert natürlich nicht, mit dem diese Sarastro töten soll. Als Tamino und Pamina sich wiederfinden dürfen sind sie in gegenüberliegenden Seiten der Proszeniumsloge getrennt. Die Treppen sind immer wieder in Bewegung und erinnern an Escher-Bilder. Wenn der Chor auftritt geht zudem immer wieder das Saallicht an, was ein echter Showstopper ist. Leuchtende Pfeile weisen Tamino nun den Weg zu den Prüfungen, die er gemeinsam mit Tamina bestehen muss. An ihren Gummikappen verbunden meistern sie sich Rücken an Rücken durch die Feuer und Wasserprüfungen. Als Papageno aus der Eingeweihtennummer aussteigt und Wein und Brot haben will, gibt es auch das nur angedeutet. Dass die Treppen sich gerade bei Paminas Todesarie bewegen ist mehr als unglücklich und stört die Arie empfindlich. Papagena ist eine weibliche Ausgabe der Horrorclowns. Ihre Kinder sind die drei Tänzer, die sich immer wieder von den Treppen stürzen. Ein Wunder bei den Eltern? Als sich gegen Ende nochmal die Verschwörung der Königin der Nacht meldet, gibt man sich aber versöhnlich. Pamina wird in der Projektion wieder zu Tamino. Scheinbar haben sich am Ende seine weibliche und männliche Hälfte gefunden. Warum die dann wieder männlich ist? Jedenfalls löst sich die Projektion von Tamino in einer Lichtwolke auf. Endlich ein Toter in der Zauberflöte.

Mozartopern können ziemlich lange werden, wenn die Regie nicht trägt. Unter den Regieeinfällen leidet letztlich auch die Musik, die aber Sándor Károlyi sehr fein aus dem Orchester klingen lässt. Auch das Sängerensemble meistert diese Aufführung ordentlich, sodass man zumindest musikalisch einigermaßen versöhnt ist. Aus Zauberflöten geht man normalerweise beschwingt mit guter Laune heraus. Hier aber habe ich mich ständig gefragt: Für wen ist die Inszenierung eigentlich. Kinder fürchten sich vor diesem Papageno eher, Anfänger werden wegen der fehlenden Elemente, die es braucht in der Handlung, ebenfalls abgehängt. Ich habe in der Inszenierung von Lauras Scozzis Alpenambiente geträumt, also von Schneeflocken und Skihütten. Wie toll der Einfall der betrunkenen Königin der Nacht doch war, die aus der Après-Skibar kommt. Bei Montero muss ich nur sagen: Gott! Welch' Dunkel.

An der Bayrischen Staatsoper in München hatten wir die Chance auf eine Aufführung der Oper Rheingold von Richard Wagner in einer Inszenierung von Tobias Kratzer. Im Vorfeld gab es ja reichlich Diskussionen, zur Premiere auch Buhs für die Regie. Vladimir Jurowskis Tempo in der Musik wurde als zu langsam und schwelgerisch kritisiert. Klar gab es die ein oder andere Stelle, vor allem in den Erzählungen von Loge, die ich mir etwas schneller gewünscht hätte, jedoch war an diesem Abend der Erzählfluss sehr flüssig und rundum gelungen. Jetzt legt die Regie natürlich eine wahre Achterbahn an Einfällen über die Erzählung und zwar so viele, dass es mich aus den Kritiken zweifeln ließ, ob der Bogen diesmal nicht deutlich überspannt wurde. Allein die positive Erfahrung mit dem Tannhäuser in Bayreuth, ließ mich dann doch zugreifen bei der Vorstellung und landete damit einen Volltreffer. Warum funktioniert das Rheingold in dieser Version dennoch? Die Regie hat wichtige Details in der Inszenierung anders verpackt präsentiert, die für die Oper essenziell sind. Klar ist es eindeutig Regietheater, denn Walhalla als gotische Kirche darzustellen, kann man jetzt als blasphemisch darstellen, was es letztlich aber doch nicht ist.

Anfangs versucht sich ein Alberich in der Ouvertüre mit einer silbernen Pistole umzubringen. Vorher hat er in einer kurzen Tarnhose und einem Hoodie bekleidet noch „Gott ist tot!“ an die Wand gesprayt. Die Wand gehört zur Vertäfelung einer Kirche. Als er die Rheintöchter vor einer erleuchteten Luke das Rheingold besingen hört, überlegt er sich, die Waffe aber zur Erbeutung des Schatzes einzusetzen. Aus der Luke kommen bisweilen kleine, goldene Raketen. Die drei Rheintöchter sind dabei drei Gen-Z-Girls für die das allgemeine Fotografierverbot in der Staatsoper während der Vorführung nicht gilt. Sie fotografieren mit ihren Handys, haben scheinbar magische Kräfte wie Telekinese und agieren gänzlich unbekümmert, als sie das Geheimnis des Rheingoldes ausplaudern. Zudem können sie ihre Gestalt ändern, so verwandelt sich Wellgunde in ein junges Mädchen, eine andere in eine alte Frau und die Dritte wird gar unsichtbar. Wer jetzt gut aufpasst, sieht auch eine Zwergziege über die Bühne huschen, was nicht der einzige, tierische Einfall ist. Alberich wird gewalttätig und schießt Wellgunde ins Bein und hebt den leuchtenden Schatz aus der Luke. Die Drehbühne kommt zum Einsatz und man sieht ein großes Baugerüst an der Rückseite der Kathedrale. Der Göttervater Wotan liegt in fast Wagnerischem Kostüm auf einer Matratze. Die Stimmung im Hause ist schlecht, da Wotan den Bauleuten der Kathedrale Fasolt und Fafner die Schwägerin Freia versprochen hat. Diese hat aber eine zentrale Funktion bei der Lebenserhaltung der Götter und ist eigentlich systemrelevant mit ihren goldenen Äpfeln. Als Pfarrer kommen die beiden Riesen daher und bringen Wotan eine Marketing-Botschaft mit. Mit schwarzen Rollkoffern entrollen sie ein Plakat, auf dem steht: Dein Wotan, Dein Walhall. Ganz im Sinne einer Freikirche sollen da Mitglieder geworben werden. Zudem gibt es Wotan auch als Tonfigur für Zuhause. Aber Fasolt und Fafner sind unterwürfig und machen immer wieder Kotaus vor Wotan. Wotan steckt nun aber in der Klemme mit seinem Versprechen, was Loge auf den Plan ruft. Loge als ständig kettenrauchender Gott des Feuers im schwarzen Rollkragenpullover sammelt die Götterschar um eine brennende Tonne. Walhalla soll mit dem Gold der Rheintöchter bezahlt werden, das Alberich geraubt hat. Als Reiseproviant holt Loge den letzten goldenen Apfel aus der Kühlbox und schneidet ihn als Proviant für die Fahrt durch die Schwefelschlucht nach Nibelheim für Wotan. Den geschnittenen Apfel legt er in eine Glas Dose. Loge selbst, braucht diese Äpfel nur in geringer Dosis, da er von Freia immer kurzgehalten wurde. Nun startet eine 2,5-minütige Videoeinblendung, in der Wotan und Loge durch die Straßen einer deutschen Großstadt im Autoverkehr wandeln. Sie besteigen einen Flieger und fliegen vermutlich nach Übersee. In dem Langstreckenflug nach Nibelheim ist Wotan der linke Fluggast mit einem blauen Nackenhörnchen ziemlich lästig. Sie kommen in einer brennenden Großstadt im Stile von New York oder Los Angeles an, wandern aber weiter, bis sie schließlich zu einer Vorstadtgarage kommen. Da werden doch Assoziationen an die Startups in Silicon Valley wach, der großen Techfirmen. In der Garage sitzt kein geringerer als Alberich vor Überwachungsmonitoren. Er scheint ein Waffengewerbe zu haben, denn an der Wand hängen viele Maschinengewehre und Koffer, in denen vermutlich Festplatten enthalten sind. Mime sein Bruder sitzt mit einem Hund am Nebentisch. Der Hund lässt den künstlichen Nebel über sich ergehen und wird immer wieder mit Leckerlis gefüttert. Mime hat einen schwarzen Tarnhelm gefertigt, dessen Funktion er nicht kennt. Alberich prahlt mit seinem Gold und mit dem Tarnhelm. Er hat der Liebe vielleicht entsagt, will aber Pornohefte und den Ring einsetzen, um doch noch zu seinem Vergnügen zu kommen. Loge stachelt nun mit Wotan Alberich an, er solle sich verwandeln. Die Garagentür schließt sich und hinter der Garage scheint ein Riesenwurm zu toben, der die Garage verwüstet hat, als die Tür wieder aufgeht. Das Hemd von Alberich ist zerrissen. Erstes Opfer ist der Hund, der als Stofftier die Sache nicht überlebt hat. Nun fordern Loge und Wotan weiter, Alberich solle sich in etwas ganz kleines Verwandeln wie eine Kröte. Als er dies tut, wird er von Wotan in die Glasbox gesperrt und abtransportiert. Es geht den ganzen Weg zurück und sie sitzen wieder im Flieger. Wotan zeigt die lebende Kröte in der Dose stolze dem Fluggast neben ihm, der sich angewidert abwendet. Jetzt schein die Einfuhr von lebenden Tieren in Walhalla aber verboten zu sein. Jedenfalls werden sie an der Einreise gefilzt, wegen der Einfuhr von Wildtieren. Loge zündelt daraufhin im Securitybereich und lenkt die Kontrollen ab, sodass Wotan mit der Kröte durchkommt. In der Kirche angekommen ist Alberich der Glasdose entlassen, aber nun nackt in der gotischen Kirche. Loge und Wotan verhören ihn, wo der Schatz ist. Dank des Rings will Alberich aber den Nibelungenschatz herbei beschwören. Mime kommt schließlich mit den Errungenschaften aus der Garage an und türmt mit einer Sackkarre den Schatz auf. Als nun noch Helm und Ring gefordert wird, weigert sich Alberich. Dass er in dieser Situation, nackt und vor 2000 Zuschauern nicht mehr ganz textsicher ist, kann man ihm nicht verübeln. Das muss man erstmal hinbekommen. Zudem wird ihm noch der Finger mit dem Ring abgeschnitten. Er wird entlassen und verflucht den Ring. Zudem pinkelt er an den Pfeiler der Kirche, was man als Zeichen der tiefen Verachtung durchaus gelten lassen kann. Nun kommen die Riesen wieder und fordern das Gold. An dem Baugerüst lassen sie Freia fast erhängen und fordern einen Koffer mit Festplatten nach dem anderen, der unter die Füße von Freia gestellt wird. Auch den Tarnhelm gibt Wotan ab, nur beim Ring zögert er solange, bis Freia in Slow Motion fast erhängt wird. Ich habe selten so ein organisches Einsetzen von Erda gesehen, die den Ring begutachtet und Wotan zur Einsicht mahnt. Sie ist zwar erblindet, kann aber scheinbar doch den Ring in der Hand halten und dreht in begutachtend. In einer Vorahnung sieht man Feuer in den Bänken der Kirche, was die Götterdämmerung andeutet. Wotan entschließt sich doch den Ring abzugeben, worauf ein gelbliches Licht die Szene mit Freia rückspult und Freia dann am Ende doch den Riesen entkommen kann. Zumindest Fasolt bekommt das Gold schlecht und er wird von einer Kalaschnikow durch Fafner erschossen, als sie sich um den Ring streiten. Die Götter schöpfen durch Freia wieder Kraft. Donner ruft zum Gang nach Walhalla, wobei Miljan Silvanow zu neuer Höchstform aufläuft. Auch Froh enthüllt nun einen Altar. Dahinter fällt die Abendsonne durch ein gotisches Fenster. Die Rheintöchter kommen nochmal auf die Bühne und beklagen den Verlust des Goldes, wobei die angeschossene Wellgunde auf Krücken läuft. Zu den Schlussakkorden nehmen die Götter im Altar Platz. Wotan hat sogar die zwei Raben über sich im Altar. Das Volk füllt die Kirche, sodass das Werben von Fasolt und Fafner erfolgreich war.

Ich hätte mir nie vorstellen können, dass das Erzählstück Rheingold so spannend erzählt werden kann. Kratzers Ansatz zeigt das Stück als eine kraftvolle Allegorie auf moderne gesellschaftliche Themen wie Kapitalismus, Gier, Macht und die menschliche Natur. Er schafft es, dass man von Anfang bis Ende am Stück dranbleibt. So fällt einem auf, dass der Ring mal als gelb, mal als rot beschrieben wird und auch das Loge nicht total abhängig von den goldenen Äpfeln ist. Wer sich nach den ganzen Details, die teilweise etwas merkwürdig klingen, fragt, ob das funktioniert. Ja! Das tut es in einer wunderbaren, unaufdringlichen Weise, sodass man echt gespannt ist, wie die Geschichte weitererzählt werden wird. Nicholas Brownlee gibt einen spielfreudigen Wotan. Es fehlen vielleicht in der Besetzungsliste die ganz großen Namen, die vielleicht bei einer parallel-Veranstaltung in Mailand sind. Die bessere Show läuft derzeit aber in München, dank Tobias Kratzer.

Quelle: YouTube | Bayrische Staatsoper

Lang war die Premiere von „Dear Evan Hansen“ in Deutschland erwartet worden. Gemeinsam mit dem Musical Frühling in Gmunden fand im Stadttheater Fürth die deutsche Erstaufführung statt. Wer jetzt Parallelen zu „Next to Normal“ entdeckt, ist sicher nicht falsch aufgestellt. Auch dieses Musical behandelt eine Thematik, die man eigentlich im Musical nicht vermutet. Hier ist es eine Angststörung der Hauptperson Evan Hansen, einem Highschool-Absolventen, der unter einer Angststörung leidet, die ihn zum Außenseiter macht. Seine Mutter arbeitet als Krankenschwester und lässt sich zur Rechtsanwaltsgehilfin ausbilden in Abendkursen. Dass ihr einziger Sohn da zu kurz kommt und sich komplett hinter seinen Laptop verkriecht, ist nur verständlich. So muss er sich immer wieder selbst Pizza bestellen, was er nicht tut. Er nimmt Tabletten gegen die Störung und sein Psychologe empfiehlt ihm, einen Brief an sich selbst zu schreiben, in der erklärt, warum der Tag wunderbar war. Evan ist ein Meister im Geschichtenerzählen. In seinem Brief erfindet er eine Begegnung mit einer Jazzsängerin, die er sich endlich traut anzusprechen. Seine Mutter fragt ihn immer wieder nach diesem Brief, den er seinem Psychologen senden soll. In der Schule scheint es auch nicht gut zu laufen. Der Sohn eines befreundeten Paares der Mutter ist nur so halb sein Freund. Evans Mutter empfiehlt, die Mitschüler auf dem Gipsarm von Evan unterschreiben zu lassen. So richtig findet Evan aber niemanden in der Klasse. Aus Erbarmen unterschreibt Connor Murphy als einziger, so als Beweis, dass er doch einen Freund hat. Der Brief wird noch wichtig, er den Brief in der Schule ausdruckt, gerät der in die Hände Connor Murphy, der ein schwieriger Charakter ist und die Herkunftsfamilie terrorisiert. Connor Murphy ist drogenabhängig in derselben Klasse wie Evan. Die Jazzsängerin ist nur die Schwester von Connor Murphy und der ist außer sich über den Inhalt des Briefs. Er nimmt den Brief an sich und drei Tage später ist Connor Murphy tot. Das Einzige, was er hat, ist der Brief von Evan an sich selbst. Die Eltern von Connor Murphy halten ihn für den Beweis, dass Evan und Connor Freunde waren und wollen jetzt mehr Details über die Beziehung zwischen den beiden „Freunden“ wissen. Evan ist sehr verlegen deswegen und fabuliert eine Freundschaftsbeziehung, die es so nie gegeben hat. Der Mitschüler Jared Kleinmann legt daraufhin ein Fake-Account an und erfindet einen Mailverkehr zwischen dem toten Connor und Evan. Als Connor nach der ersten Betroffenheit der Mitschüler nach drei Tagen fast in Vergessenheit geraten ist, beschließt Alana Beck Gedenkbuttons zu verkaufen. Alana ist auch eine Außenseiterin in der Klasse und macht sich mit der Geschichte dann wichtig. Sie ist in sozialen Netzwerken bewandert und es beginnt eine Internet-Blase um Connor Murphy, die Evan zusehends überfordert. Evans Mutter bekommt erst Wind von der Geschichte, als sie eine Rede von Evan auf Facebook hört, wo er über die angebliche Freundschaftsbeziehung spricht. In einer rasanten Achterbahnfahrt befeuert Alana nun das soziale Netzwerk. Sie stachelt Evan an, immer mehr Details über die Freundschaft mit Connor preiszugeben, die Evan zusehends erfindet. Am Ende gibt es einen Turm von Fakenews, wo auch der Sturz vom Baum auf eine Apfelplantage eingebaut wird in die Geschichte. Mit den positiven News über ihren Bruder gewinnt er aber das Vertrauen von Zoe Murphy. Evan bekommt Einblicke in die Familie und am Ende des ersten Akts bedankt sich Zoe bei Evan, dass sie endlich mit ihrem Bruder versöhnt sein. Sie habe über Evan Seiten ihres Bruders kennengelernt, die ihr verborgen waren. Dass das alles nur ein Lügengebäude ist, das im zweiten Akt dann enttarnt wird, ist klar. Man sammelt Geld für eine stillgelegte Apfelplantage in der Connor gerne gewesen ist. Für den Kritiker in der NN wurde vor allem im zweiten Akt zu viel der moralische Zeigefinger gehoben. Zoe lädt Evans Mutter zu den Murphys ein. Larry Murphy bietet der Mutter einen Job an, die außer sich ist. Zudem kommt heraus, wo ihr Sohn die Abende immer war. Sie fühlt sich gedemütigt, spricht aber über Evans traumatisches Erlebnis als Siebenjähriger, als sein Vater zu einer neuen Familie gezogen ist. Alana bekommt nun den Brief in die Hand und befeuert die Socialmediabubble weiter. Darauf gehen Drohanrufe bei den Murphys ein. Evan klärt schließlich alles selbst auf, was zum Bruch mit Zoe führt. Letztlich haben die Lügen um Connor die Familie Murphy aber wieder zusammengebracht. Richtig geplatzt ist die Bubble dann aber nicht, eine echte Aufarbeitung findet nicht statt und scheint auch nicht gewünscht am Ende.

Die acht Musiker zaubern einen etwas amerikanischen Musical-Sound ins Stadttheater. Ein großes Highlight ist das fernsteuerbare Kinderzimmerbett mit Regal, das immer wieder für Evans Zimmer eingefahren wird. Zudem bat man, die Mobiltelefone auszuschalten, da sie auf der Bühne selbst mit verschieden Handys und der Videoeinblendung von Calls arbeiten und die anderen Handys da potentiell stören würden. Letztlich hat man auch etwas schweißnasse Hände, wie sich Evan immer weiter in das Fakenews-Gestrüpp geschubst wird. Ihm ist es peinlich, nein zu sagen. Auch von Jared kommt immer wieder die Aufforderung zu allem „Ja“ zu sagen. Letztlich ist Evan ein Spielball der anderen Personen, die ihn immer wieder dazu drängen, neue Details über die Freundschaft mit Connor zu erfinden. Sie fordern Beweise und erzeugen damit so ein Lügengerüst, das am Ende ‚too big to fail‘ ist. Die Lügen haben zwar keine kurzen Beine, aber sie führen dazu, dass die Familie Murphy wieder miteinander redet und zu sich findet. Daher scheint das Platzen am Ende der Geschichte als nahezu unmöglich. Vielleicht haben sie ja erkannt, dass sie einen nicht unwesentlichen Anteil an der Geschichte beigetragen hat. Mir hat das Stück sehr gut gefallen, denn Denis Riffel spielt einen überzeugenden Evan in seiner verzweifelten Angststörung, aber auch Zoe gibt alles. Dass die Rolle von Heidi Hansen vielleicht etwas rührselig und tragisch angelegt ist, mag man als Kitsch empfinden. Aber auch Vanessa Heinz als die Socialmediabeauftragte ist großartig. Ich hatte äußerst unterhaltsame 3h im Stadttheater, die nie langweilig wurden. Die Musik ist amerikanischer Mainstream-Rock, der aber gut hörbar ist und zum Stück einen wesentlichen Beitrag bringt. Ob es so einen durchschlagenden Erfolg haben wird, wie ‚Next to Normal‘ bleibt abzuwarten.

Quelle: YouTube | Stadttheater Fürth

Zu einem vielgelobten Don Carlos zog es uns nach Thüringen ins Meininger Staatstheater. Dass der Abend überhaupt trotz der Erkältungswelle stattfand, verdankte man einem sensationellen Derrick Ballard aus Mainz, der gleich zwei Bass-Rollen an diesem Abend übernehmen musste. So war sowohl die Besetzung des Philipp II., als auch der Großinquisitor erkrankt. Auch im Chor und Extra-Chor hatte die Erkältungswelle gewütet und ihn etwas dezimiert. Jetzt kannte Derrick Ballard, aber nur die italienische Form des Don Carlos, während die fünfaktige Fontainebleu-Fassung auf Französisch gespielt wurde. Der GMD kündigte die Form der Aufführung als ‚maccheronisch‘ an, war aber sichtlich froh, den Abend gerettet zu haben. In der Folge musste man natürlich das Duett zwischen dem Großinquisitor und Philipp II. streichen. Über die Aufführung selbst kann man geteilter Meinung sein, wenn es um die Umsetzung durch den Künstler Achim Freyer geht. So setzt der ganz auf Personenregie und fährt die Anzahl an Bühnenrequisiten enorm zurück. Zudem vergibt er an die Hauptpersonen einzelne Bewegungsmuster, die sich während der Arien immer wiederholen. Ich hatte diese Gesten als das rituelle spanische Hofzeremoniell verstanden. Der Ansatz führt aber dazu, dass die Bühnenfiguren nicht ausreichend miteinander agieren, sondern immer in denselben Bewegungsmustern erstarren. Ganz so, als ob eine rituelle Bewegungsmustervorgabe alle Interaktion verbietet. Das Bühnenbild ist sehr in schwarz/weiß gehalten. Von der Decke fahren immer wieder schwarze, längliche Holzlatten über die Bühne. Den Bühnenraum erweitern Spiegel. Die Bühne ist nach hinten ansteigend. Auch bei den Kostümen meint man sich manchmal ein einer Art Schulaufführung zu befinden. Wenn man es positiv formuliert, erinnern die steifen Kunststoffgewänder an Musik-Videos der Petshop-Boys aus den 80er Jahren oder an schnell dahingeworfene Supermann-Kostüme. Sie geben aber zusammen mit den Bewegungen manchmal ein etwas lächerliches Bild der Personen ab, zum Beispiel im Duett Don Carlos/ Roderigue, wenn sie ein schwarzes Pappschwert hochhalten. Gegeben wurde in Meiningen eine etwas gekürzte Fassung mit dem Fontainebleu-Akt, den ich für die Handlung des Stückes aber wichtig erachte. Die Oper behandelt die Beilegung des Krieges zwischen Spanien und Frankreich durch die Heirat der historischen Person Elisabeth von Valois mit Philipp II. Damit sollte der Frieden zwischen den beiden Nationen im Jahr 1559 hergestellt werden. Der Stoff wurde von Shakespeare ganz in der Nähe von Meinigen im Asyl in Bauerbach erstellt und stellt einen Bezug zum Aufführungsort dar.

In dem ersten Akt treffen Elisabeth von Valois und Don Carlos aufeinander. Don Carlos hat ein weißes, geometrisches Kostüm an. Ein Teil des Gesichts ist mit einem Gaze-Stoff verdeckt und er hat eine Sonnenbrille auf, in der es nur ein dunkles Glas gibt. Auch Elisabeth hat ein rot-weißes Kostüm an. Das Bemerkenswerte ist, dass immer, wenn es um die Liebe geht, die beiden Personen den roten Stoff kurz zeigen, aber dann auch wieder verschwinden lassen, wenn Sie ihre Gefühle verstecken müssen. Als Zeichen der Liebe überreicht Don Carlos Elisabeth eine rote Stoffrose an einem langen Band. Im Hintergrund beleuchtet ein LED-Balken die Szene. In einer Holzschatulle mit Herz bewahrt Elisabeth einen Schattenschnitt von Don Carlos auf, die in den folgenden Akten noch wichtig werden soll. Es ertönen die Kanonen und kündigen an, dass Philipp der II. sich mit Elisabeth vermählen muss. Jetzt ist Don Carlos natürlich plötzlich in die eigene Stiefmutter verliebt, was ihre Liebe unmöglich macht. Nach langem Kampf gibt Elisabeth ihrer Bestimmung nach. Don Carlos bleibt verzweifelt zurück.

Im Kloster, in das auch Don Carlos eintreten will, sieht man als schwarzen Schachkönig einen Mönch, der später für Karl V gehalten wird. Im Hintergrund sieht man den Zug der Schattenmänner aus Flandern. Don Carlos erfährt von Roderigue die Situation in den spanisch besetzten Flandern. Don Carlos gesteht ihm seine Liebe zu Elisabeth. Roderigue bittet Don Carlos, sich der Bevölkerung Flanders anzunehmen. Roderigue wirkt aber mit seinen zwei verschiedenen Schuhen schon sehr als Karikatur eines Footballers. Sie schwören sich aber mit einen schwarzen Pappschwert die gegenseitige Treue und es erklingt zum ersten mal das Freundschaftsduett. An einem heiteren Ort findet ein Maskenball statt, bei dem die Personen mit Pappschildern unkenntlich gemacht werden. Roderigue wird nun von der neuen Königin empfangen. Wieder gestehen sie sich ihre Liebe durch Zeigen der roten Teile ihrer Kleidung, die sie aber schnell wieder verbergen, denn Elisabeth will ganz ihrer Pflicht dienen. Philipp II. erscheint nun als gelber Sonnenkönig. Da er an diesem Abend selbst nicht singt und eigentlich erkrankt ist, hat er eine schwarze FFP2-Maske auf. An seinen fiebrigen Augen aus der dritten Reihe erkennt man, dass das Bett eigentlich der bessere Ort für den Monarchen gewesen wäre, der aber die szenische Umsetzung seiner Roller dennoch durchführte. Roderigue gewinnt trotz seiner konträren Meinung in der Sache um Flandern, das Vertrauen von Philipp II. Er bittet Roderigue über seinen Sohn zu wachen.

Don Carlos erwartet im nächtlichen Garten Elisabeth. Der Grund war ein Papierflieger mit einer Nachricht, die eigentlich von Prinzessin Eboli stammt. In der Meinung nun auf die Königin zu treffen, gesteht Don Carlos fälschlicherweise Eboli seine Liebe. Diese hat nun alle Mittel in der Hand gegen Don Carlos. Roderigue fordert von Don Carlos alle Dokumente über Flandern, damit er den Verdacht des Rebellen auf sich lenken kann. Ein schwarz-geometrisch gekleidetes Volk versammelt sich zum Autodafé, dort sollen drei Gesandte aus Flandern verbrannt werden. Die Szenerie ist in schauriges, rotes Licht getaucht. Dass nun einer aus dem Volk über eines der wenigen Requisiten stolpert, nämlich den Hocker, auf dem Philipp II. steht, entbehrt nicht einer gewissen Komik. Zur Zeit der Handlung konvertierte ein Teil Flanderns zum Protestantismus, was eine schlimme Gegenreaktion der Kirche mit dem Einsetzen eines Großinquisitors und Ketzer Verbrennungen zur Folge hatte. Die Gesandten bekommen eine Art Schandmaske auf und werden vom König abgeführt. Es erscheint ein stilisierter Engel mit weißen Flügeln. Mit dem Pappschwert in der Hand fordert Don Carlos nun Freiheit für Flandern, wird aber von Roderigue entwaffnet und wird wegen der Leistung zum Herzog ernannt.

Nach der Pause zeigt nun der eingesprungene Sänger des Philipp II. was er eigentlich an profundem Bass draufhat. Eine Kerze brennt rechts oben und die Bass-Arie: „Sie hat mich nie geliebt“ gelingt in der Aufführung, zwar auf italienisch, zu einem Glanzstück mit üppigem Applaus am Ende. Philipp II. gibt seiner Verzweiflung freien Lauf, dass in Elisabeth nie geliebt hat. Dass nun das Duett zwischen dem Großinquisitor und Philipp II. aus Fachkräftemangel entfallen muss, ist verschmerzbar. Elisabeth tritt mit verbundenen Augen auf. Unterdessen hat die Prinzessin Eboli die Schatulle aus dem ersten Akt dem König zugespielt. Dort ist der Schattenschnitt von Don Carlos enthalten. Der König beschuldigt daraufhin Elisabeth des Ehebruchs, worauf diese zusammenbricht. Eboli, die mit ihrem Kostüm eine Art Drachen am Rücken hat, gesteht ihre Intrige und muss daraufhin ins Kloster oder in die Verbannung. Roderigue besucht nun Don Carlos im Gefängnis. Er ist beim König in Ungnade gefallen und wird durch einen Hinterhalt erschossen, da man ihn für den Anführer des Aufruhrs in Flandern hält. Auf seiner Kleidung zeigt sich ein roter Fleck in der Herzgegend. Der König gibt Don Carlos sein Schwert wieder, da er ihn für unschuldig hält. Es kommt zum Aufruhr unter dem Volk, das Plakate mit Freiheit hochhält. Der Großinquisitor mit einem neonfarbenen Rollator erscheint und bringt das Volk zum schweigen. Don Carlos kann sich retten.

Es kommt zu einem letzten Aufeinandertreffen von Don Carlos und Elisabeth. Sie treffen sich im Kloster von San Yuste und nehmen für immer Abschied. Der König und der Großinquisitor überraschen die beiden. Es erscheint wieder der alte Mönch, den alle für Karl V halten.

Das mit den Bewegungsmustern nimmt bei einem Herold fast krankhafte Züge an, auch die etwas abwehrenden Gesten von Elisabeth bleiben gut in Erinnerung. Wer sich jetzt an die Walldorftanzpädagogik erinnert fühlt, muss vielleicht schmunzeln. Für mich verdeutlichen die ritualisierten Bewegungen, das überkommene spanische Hofzeremoniell. Die Staatskapelle Meinigen liefert und Killian Farrell ein musikalisches Highlight ab. Dass man auch flexibel auf die Infektiösen Gegebenheiten in der Besetzung reagiert hat, erklärte der GMD selbst in einer charmanten Ansage. Dara Hobbs singt sich zunehmend frei. Die wirkliche Überraschung war der italienischsingende Mainzer Bass Derrick Ballard, der von einem Notenpult dem erkrankten Selcuk Hakan Tiraşoğlu zur Seite stand. Matthew Vickers als Don Carlos startete stark, hatte aber mit der Stücklänge ein Problem. Auch die Prinzessin Eboli gesungen von Marianne Schechtel zeigte vollen Einsatz. Achim Freyer setzt ganz auf die Personenregie und die Gesten. Was mancher irritierend fand, lieferte Diskussionsstoff für die Hotelbar hinterher.

Carmen und ich, es bleibt kompliziert. Bei einem Besuch in Ungarns Hauptstadt war ich eigentlich mehr am Gebäude der Oper dort interessiert, dass in der ganzen Woche nur Carmen von Bizet lief, nahm ich einfach mal als gegeben hin. Als ich dann laß, dass Calixto Bieito sich über das Werk hermacht, dachte ich mir: das wird sicher interessant. Nur so viel vorweg, am Ende hatte ich eine ganze Litanei Fragen an den Regisseur, die leider unbeantwortet blieben. Musikalisch gab es aber sowohl am Orchester, als auch an den Sängern nichts auszusetzen. Die Untertitel kann man sich in ungarisch, französisch oder englisch einblenden, am Rücksitz des Vordermanns. Wir haben eine 11 Uhr-Vorstellung an einem Sonntag besucht und ich glaube, so früh war ich noch nie in einem Opernhaus gesessen.

Bei weiten Teilen der Ouvertüre gibt es keine Aktionen auf der Bühne. Die Begrüßung des Publikums geschieht auf ungarisch durch einen der Schmuggler. Die Dialoge waren dann aber doch in französischer Sprache. Man befindet sich vor einer Militärwache. Die Zeit vertreibt sich der Sergeant Morales beim Eisessen. Ein Soldat in Unterhosen muss scheinbar mit einem Gewehr Strafrunden laufen, bis er nach mehreren Runden zusammenbricht. Links ist eine Telefonzelle mit einem roten Telefon. Es wird zum Appell eine spanische Flagge gehisst an einem silbernen Fahnenmast. Die Soldaten beobachten die Arbeiterinnen einer Zigarettenfabrik, die rauchend auf der Bühne erscheinen. Unter der mintgrünen Arbeitskutte hat Carmen aber schwarze Dessous an. Derzeit ist sie aber noch in der Telefonzelle beschäftigt, interessant wäre jetzt, wen sie wohl anruft? Dann entdeckt sie aber José, dem sie auch in der Inszenierung eine rote Akazienblume zuwirft. In einem farbenfrohen Aerobic-Dress und mit einem Mantel erscheint nun Micaëla und erinnert José an die kranke Mutter. An der Telefonzelle wird José jetzt leicht übergriffig und drückt Micaëla an die Zelle. Sie machen Fotos mit einer Analogkamera, wobei am Ende der Fotosession mit Blitz, José die Filmrolle herausreißt. Die Generation digital weiß in dem Moment sicher nicht mehr, dass der Film damit belichtet und unbrauchbar ist. Es kommt zu einem massiven Streit in der Fabrik. Den versuchen nun die Soldaten zu schlichten, aber sie erkennen, dass Carmen wohl die Ursache der Rauferei ist. Optisch sind sowohl die Soldaten in lindgrün als auch die Arbeiterinnen. Der Leutnant befiehlt Carmen zu fesseln, was José auch mit einem Gürtel macht. Dennoch überredet ihn Carmen, die Fesseln zu lockern und es gelingt ihr in die Taverne des Lillas Pastias zu fliehen.

Im nächsten Akt spielt zuerst ein Kind mit einer Puppe, dann wird ein alter blauer Mercedes auf die Bühne geschoben. Man kann erahnen, dass man wohl vor der Taverne sein soll. In der Taverne sind auch Zuniga und seine Soldaten. Die Szenerie wird von sechs Fackelträgern beleuchtet und ist in Nebel eingehüllt. Warum der Mercedes nun aber einen künstlichen Weihnachtsbaum am Dach hat und die Person Mercedes eine Tochter, mit der sie nun am linken Bühnenrand den Baum mit spanischen Flaggen und bunten Lichtern schmückt? Ja… kreativ muss man sein. Und wenn man sich erstmal setzen muss, ob des Einfalls stehen ein blau-weißer Klappstuhl und farbig passende Box und eine Kiste Coca-Cola bereit. Carmen erfährt dass José einen Monat in Haft war, aber bald kommt. Sie umgarnt auch Zuniga, der aus ihren schwarzen Pumps trinkt. Der Stierkämpfer Escamillo tritt auf und Carmen ist sofort in den Bass verliebt. José erscheint und Carmen singt und tanzt für ihn. Sie öffnet sogar Josés Hemd. Sie findet aber seine Entscheidung lächerlich, dass er zum Appell wieder in der Kaserne sein soll. Als Zuniga auftritt, kommt es zu Handgreiflichkeiten und Zuniga wird hinter dem Mercedes blutig geschlagen. In der Inszenierung soll er das vermutlich nicht überleben, was aber José den Weg zurück versperrt. Er wird ein Leben als Schmuggler in den Bergen führen.

Nach der Pause im dritten Akt, sieht man im halbdunkel einen leicht bis gar nicht bekleideten Tänzer in fluoreszierender Unterwäsche. Was der nun in der Schmugglergruppe zu suchen hat? Wieder so eine Frage. Die Schmuggler sind vermutlich Autoschieber, da sie in dieser Inszenierung sechs Mercedes auf die Bühne schieben. Auf dem Motorraumdeckel legen Mercedes und Frasquita die Karten, die aber nur auf Carmens nahen Tod hinweisen. José packt eine Gepardendecke aus dem Auto aus und zwei rote Kissen, die Damen sollen die Kontrolleure verführen. Micaëla kommt wieder, um José und seine Mutter zusammen zu bringen, versteckt sich aber in einem der Autos. Vor einem dieser Autos öffnen José und Escamillo Dosenbier, was zunächst versöhnlich scheint, endet in einer Auseinandersetzung. Carmen kann schlimmeres verhindern und der gerettete Escamillo lädt sie und alle Gefährten in die Stierarena ein. Im Hintergrund der Bühne ist ein großer Stier zu sehen. Die Schmuggler schieben aber nicht nur Autos, sondern haben auch Pappkisten mit Panasonic, Sony und Mercedes-Logos parat. Vom Warensortiment ist man breit aufgestellt, aber es fehlen auch rot/weiße Marlboro-Schachteln aus der Zigarettenfabrik nicht. Micaëla wird in ihrem Versteck entdeckt und erklärt José, dass seine Mutter im Sterben liegt. José beschließt mit Micaëla mitzugehen.
Der Pappstier kippt nun um und gibt den Blick auf eine Gruppe halb nackter Sportler frei. Die simulieren mit dem Kopf des Stieres einen Kampf. Einer der Schmuggler zieht nun mit einer Fußballmarkierung einen Kreidekreis um die Zuschauer der Arena. Wie nun die blonde Sonnenanbeterin mit Sonnenbrille in die Arena kommt, die sich im roten Bikini vor der Menge eincremt, bleibt ein Rätsel, jedoch erfüllt angenehmer Cremeduft den Zuschauerraum. Der Einmarsch der verschiedenen Personen, die für einen Stierkampf nötig sind, bleibt angedeutet. Die Masse wird hinter einem Seil im Zaum gehalten. Jedoch imponiert der goldene Torero mit den rosa Strümpfen. Carmen im rosa Kleid mit roter Tasche und farblich passenden Pumps flirtet mit ihm und will von José nichts mehr wissen. José wird nun zudringlich und versucht sie zu vergewaltigen. Sie wirft ihm den Ring vor die Füße, wobei er ihr das Messer an die Kehle hält. Das Blut spritzt ziemlich aus der geöffneten Halsschlagader und José gesteht den Mord. Am Ende ist die Bühne gänzlich leer.

Eigentlich finde ich Bizet ja sehr schön, nur die Carmen ist für mich aus persönlichen Gründen problematisch. Der Dirigent Péter Halász macht im Orchester aber eine sehr gute Figur und bekam gegen Ende rhythmischen Applaus. Trotz der frühen Stunde gab Viktória Mester als Carmen viel Temperament in diese Mezzo-Sopran-Rolle. Für mich war die Wahl von Carmen nachvollziehbar, dass sie sich für den Bass Csaba Sándor als Escamillo entschieden hat. Woher Frasquita aber die Cowboy-Stiefel hat, bleibt ein Rätsel, so wie vieles in der Regie. Also Herr Bieito: Wir haben Fragen. Unterhaltsam fand ich es allemal. Ein wahres Fest für die Augen ist aber die wunderschöne Oper in Budapest, wie dieses Bild zeigt.