Carmen und ich, es bleibt kompliziert. Bei einem Besuch in Ungarns Hauptstadt war ich eigentlich mehr am Gebäude der Oper dort interessiert, dass in der ganzen Woche nur Carmen von Bizet lief, nahm ich einfach mal als gegeben hin. Als ich dann laß, dass Calixto Bieito sich über das Werk hermacht, dachte ich mir: das wird sicher interessant. Nur so viel vorweg, am Ende hatte ich eine ganze Litanei Fragen an den Regisseur, die leider unbeantwortet blieben. Musikalisch gab es aber sowohl am Orchester, als auch an den Sängern nichts auszusetzen. Die Untertitel kann man sich in ungarisch, französisch oder englisch einblenden, am Rücksitz des Vordermanns. Wir haben eine 11 Uhr-Vorstellung an einem Sonntag besucht und ich glaube, so früh war ich noch nie in einem Opernhaus gesessen.

Bei weiten Teilen der Ouvertüre gibt es keine Aktionen auf der Bühne. Die Begrüßung des Publikums geschieht auf ungarisch durch einen der Schmuggler. Die Dialoge waren dann aber doch in französischer Sprache. Man befindet sich vor einer Militärwache. Die Zeit vertreibt sich der Sergeant Morales beim Eisessen. Ein Soldat in Unterhosen muss scheinbar mit einem Gewehr Strafrunden laufen, bis er nach mehreren Runden zusammenbricht. Links ist eine Telefonzelle mit einem roten Telefon. Es wird zum Appell eine spanische Flagge gehisst an einem silbernen Fahnenmast. Die Soldaten beobachten die Arbeiterinnen einer Zigarettenfabrik, die rauchend auf der Bühne erscheinen. Unter der mintgrünen Arbeitskutte hat Carmen aber schwarze Dessous an. Derzeit ist sie aber noch in der Telefonzelle beschäftigt, interessant wäre jetzt, wen sie wohl anruft? Dann entdeckt sie aber José, dem sie auch in der Inszenierung eine rote Akazienblume zuwirft. In einem farbenfrohen Aerobic-Dress und mit einem Mantel erscheint nun Micaëla und erinnert José an die kranke Mutter. An der Telefonzelle wird José jetzt leicht übergriffig und drückt Micaëla an die Zelle. Sie machen Fotos mit einer Analogkamera, wobei am Ende der Fotosession mit Blitz, José die Filmrolle herausreißt. Die Generation digital weiß in dem Moment sicher nicht mehr, dass der Film damit belichtet und unbrauchbar ist. Es kommt zu einem massiven Streit in der Fabrik. Den versuchen nun die Soldaten zu schlichten, aber sie erkennen, dass Carmen wohl die Ursache der Rauferei ist. Optisch sind sowohl die Soldaten in lindgrün als auch die Arbeiterinnen. Der Leutnant befiehlt Carmen zu fesseln, was José auch mit einem Gürtel macht. Dennoch überredet ihn Carmen, die Fesseln zu lockern und es gelingt ihr in die Taverne des Lillas Pastias zu fliehen.

Im nächsten Akt spielt zuerst ein Kind mit einer Puppe, dann wird ein alter blauer Mercedes auf die Bühne geschoben. Man kann erahnen, dass man wohl vor der Taverne sein soll. In der Taverne sind auch Zuniga und seine Soldaten. Die Szenerie wird von sechs Fackelträgern beleuchtet und ist in Nebel eingehüllt. Warum der Mercedes nun aber einen künstlichen Weihnachtsbaum am Dach hat und die Person Mercedes eine Tochter, mit der sie nun am linken Bühnenrand den Baum mit spanischen Flaggen und bunten Lichtern schmückt? Ja… kreativ muss man sein. Und wenn man sich erstmal setzen muss, ob des Einfalls stehen ein blau-weißer Klappstuhl und farbig passende Box und eine Kiste Coca-Cola bereit. Carmen erfährt dass José einen Monat in Haft war, aber bald kommt. Sie umgarnt auch Zuniga, der aus ihren schwarzen Pumps trinkt. Der Stierkämpfer Escamillo tritt auf und Carmen ist sofort in den Bass verliebt. José erscheint und Carmen singt und tanzt für ihn. Sie öffnet sogar Josés Hemd. Sie findet aber seine Entscheidung lächerlich, dass er zum Appell wieder in der Kaserne sein soll. Als Zuniga auftritt, kommt es zu Handgreiflichkeiten und Zuniga wird hinter dem Mercedes blutig geschlagen. In der Inszenierung soll er das vermutlich nicht überleben, was aber José den Weg zurück versperrt. Er wird ein Leben als Schmuggler in den Bergen führen.

Nach der Pause im dritten Akt, sieht man im halbdunkel einen leicht bis gar nicht bekleideten Tänzer in fluoreszierender Unterwäsche. Was der nun in der Schmugglergruppe zu suchen hat? Wieder so eine Frage. Die Schmuggler sind vermutlich Autoschieber, da sie in dieser Inszenierung sechs Mercedes auf die Bühne schieben. Auf dem Motorraumdeckel legen Mercedes und Frasquita die Karten, die aber nur auf Carmens nahen Tod hinweisen. José packt eine Gepardendecke aus dem Auto aus und zwei rote Kissen, die Damen sollen die Kontrolleure verführen. Micaëla kommt wieder, um José und seine Mutter zusammen zu bringen, versteckt sich aber in einem der Autos. Vor einem dieser Autos öffnen José und Escamillo Dosenbier, was zunächst versöhnlich scheint, endet in einer Auseinandersetzung. Carmen kann schlimmeres verhindern und der gerettete Escamillo lädt sie und alle Gefährten in die Stierarena ein. Im Hintergrund der Bühne ist ein großer Stier zu sehen. Die Schmuggler schieben aber nicht nur Autos, sondern haben auch Pappkisten mit Panasonic, Sony und Mercedes-Logos parat. Vom Warensortiment ist man breit aufgestellt, aber es fehlen auch rot/weiße Marlboro-Schachteln aus der Zigarettenfabrik nicht. Micaëla wird in ihrem Versteck entdeckt und erklärt José, dass seine Mutter im Sterben liegt. José beschließt mit Micaëla mitzugehen.
Der Pappstier kippt nun um und gibt den Blick auf eine Gruppe halb nackter Sportler frei. Die simulieren mit dem Kopf des Stieres einen Kampf. Einer der Schmuggler zieht nun mit einer Fußballmarkierung einen Kreidekreis um die Zuschauer der Arena. Wie nun die blonde Sonnenanbeterin mit Sonnenbrille in die Arena kommt, die sich im roten Bikini vor der Menge eincremt, bleibt ein Rätsel, jedoch erfüllt angenehmer Cremeduft den Zuschauerraum. Der Einmarsch der verschiedenen Personen, die für einen Stierkampf nötig sind, bleibt angedeutet. Die Masse wird hinter einem Seil im Zaum gehalten. Jedoch imponiert der goldene Torero mit den rosa Strümpfen. Carmen im rosa Kleid mit roter Tasche und farblich passenden Pumps flirtet mit ihm und will von José nichts mehr wissen. José wird nun zudringlich und versucht sie zu vergewaltigen. Sie wirft ihm den Ring vor die Füße, wobei er ihr das Messer an die Kehle hält. Das Blut spritzt ziemlich aus der geöffneten Halsschlagader und José gesteht den Mord. Am Ende ist die Bühne gänzlich leer.

Eigentlich finde ich Bizet ja sehr schön, nur die Carmen ist für mich aus persönlichen Gründen problematisch. Der Dirigent Péter Halász macht im Orchester aber eine sehr gute Figur und bekam gegen Ende rhythmischen Applaus. Trotz der frühen Stunde gab Viktória Mester als Carmen viel Temperament in diese Mezzo-Sopran-Rolle. Für mich war die Wahl von Carmen nachvollziehbar, dass sie sich für den Bass Csaba Sándor als Escamillo entschieden hat. Woher Frasquita aber die Cowboy-Stiefel hat, bleibt ein Rätsel, so wie vieles in der Regie. Also Herr Bieito: Wir haben Fragen. Unterhaltsam fand ich es allemal. Ein wahres Fest für die Augen ist aber die wunderschöne Oper in Budapest, wie dieses Bild zeigt.

Zur letzten der drei Aufführungen des „Fliegenden Holländers“ von Richard Wagner zog es uns ins ferne Wunsiedel zu den Luisenburg-Festspielen. Es musizierte dort die Elbland Philharmonie Sachsen aus Radebeul unter der Leitung von Tim Fluch. Für das Stück, das an Norwegens Küste spielt, konnte ich mir den felsigen Bühnenhintergrund mit dem Wald gut vorstellen. Wenn der Jäger Erik seine Arie „Auf hohem Felsen lag ich träumend“ singt, ist das in der szenischen Umsetzung auf dem Felsen kaum zu überbieten. Dazu kam Kunstnebel zum Einsatz, und ein grimmiger Holländer, der seine Schlussarie hoch oben singt, als er nach drei Akten endlich seinen Namen verrät, ist ebenfalls kaum zu überbieten. Mit anderen Worten: Alle, die dabei waren, hatten ihren Spaß an der Aufführung, auch wenn das Theater mit seinen 1900 Plätzen nicht ganz voll war. Natürlich gab es etwas Regietheater von Kai Anne Schuhmacher, und die große, offene Bühne erforderte den Einsatz von Mikrofonen für die Sänger. Das tat der Begeisterung dennoch keinen Abbruch.

So beginnt das Stück auch schon mit der Ouvertüre. Auf der Bühne stapeln sich Fischkästen in Blau und Gelb für den Fang, den die Seeleute einholen. Es sind kleine, silbrige Stofffische, die immer wieder in die Kästen geworfen werden. Auf der Bühne stehen die Holzreste eines Schiffswracks. Man erlebt eine Art Vorgeschichte, in der Senta die Sage vom Fliegenden Holländer aus einem Buch vorliest. Die zwei Quallen und die Seetiere, einschließlich eines Quallenpriesters mit Kreuz, führen während des Vorspiels eine Hochzeit durch. Mary entschwindet dabei mit dem Holländer – scheinbar gab es sieben Jahre vorher eine Verbindung zwischen der Amme Mary und dem Holländer, was durchaus Sinn ergibt. Ist es nicht sie, die Senta die Arie vom Holländer beigebracht hat? Der Holländer wird bei seinen Auftritten stets von elf Seeleuten in identischen Mänteln mit Bärten begleitet.

Während des ersten Akts ist Senta ständig auf der Bühne. Sie liest immer wieder aus Büchern und scheint vom Inhalt eines blauen Buches total fasziniert. Zusammen mit dem Steuermann liest sie sich durch die Bücher und ist voller Begeisterung. Dieser schläft jedoch über der Lektüre ein, als er für Daland Wache halten soll. Der Fliegende Holländer landet während seines Schlafs und singt seine Auftrittsarie, in der er sein Los beschreibt: Alle sieben Jahre geht er an Land und muss eine Frau finden, die ihn erlöst. Daland erscheint wieder und rüffelt den eingeschlafenen Steuermann, nachdem er kurz an einen Baum im Wald gepinkelt hat. Er versucht nun, die Herkunft des Holländers zu ergründen. Dieser umwirbt ihn mit den tanzenden Seetieren, die mit Aktenkoffern voller Geld den Kapitän Daland umtanzen. So verwirrt von den vielen Geldscheinen verspricht Daland dem Holländer seine Tochter. Das Geschäft ist abgemacht, und ein seltsamer Wind setzt ein, der das Schiff und die Mannschaft nach Hause trägt.

Statt einer Spinnereiszene hat man die Szene kurzerhand in eine Fischfabrik verlegt. Statt zu spinnen, verpacken die Damen die Fische und etikettieren Kartons. Scheinbar ist gerade keine Saison zum Wolle spinnen, und die Damen müssen sich in der Fischfabrik mit blutigen Gummistiefeln ihr Geld verdienen. Senta hat kein Bild vom Holländer, sondern ein Buch, in dem die Arie vom Holländer steht. Sie steigt auf die Fischkästen und singt ihre große Arie vom Holländer. Es gibt auch einen Konkurrenten: den schwarz gekleideten Jäger Erik mit Flinte und Tätowierung, der den Holländer optisch locker aussticht. Er hat geträumt, dass ein Fremder mit Sentas Vater kommt, der seine Senta aufs Meer entführt. Er versucht, die Seiten aus dem Buch zu reißen, in denen die Ballade steht, und überreicht ihr sogar eine silberne Schachtel mit Ringen. Doch die Ballade sollte sich bewahrheiten. Senta hat es mit einer Art doppeltem Holländer zu tun: Einerseits gibt es den Holländer aus ihren Träumen, in Wirklichkeit scheint dieser jedoch ein ständig telefonierender Geschäftsmann im blauen Anzug zu sein, der sich nur marginal für Senta interessiert. Beim ersten Aufeinandertreffen von Daland, Senta und dem Holländer kredenzt man drei Fischstäbchenplatten. Der Holländer versucht es jedoch mit einer Art Fruchtteller als Nachtisch. Kaum hat man 12 Minuten geflirtet, ist man auch schon so weit, dass die Fischentourage zur Hochzeit kommen kann. Es findet eine geträumte Hochzeit statt. Entgegen der gängigen Aufführungspraxis ist nach dem zweiten Akt eine Pause für den Bühnenumbau.

Im dritten Akt findet auf Bierbänken das Fest zur Rückkehr der Seeleute statt. Mit Schleifen im Haar haben sich die Damen hübsch gemacht. Es gibt Muschelballons und Plastikflitter. Man schießt sogar Konfettikanonen ab, und das ganze Dorf ist in Feierlaune. Der Steuermann gibt sich mit Bierflaschen die Kante und tanzt auf dem Tisch. Schließlich hat er zu viel getrunken und übergibt sich am Bühnenrand. In ihrem Rausch fangen die Seeleute an, das Nachbarschiff und dessen Mannschaft zu provozieren. Das rächt sich schließlich: Die Geister erscheinen auf dem Felsen und beenden das Fest. Senta versucht, sich mit einem Messer zu verteidigen. Als die Geister verschwunden sind, ist Senta am Ende mit ihren Nerven und versucht, sich die Pulsadern aufzuschneiden. Erik platzt nochmals herein und erinnert Senta daran, dass sie ihm die Treue schon geschworen hatte. Der Holländer hört dies und sagt, dass Sentas einzige Rettung jetzt ist, dass sie ihre Treue noch nicht vor Gott geschworen hat. Die Schlussarie auf dem hohen Felsen ist einfach großartig. Nachdem der Holländer seine wahre Herkunft enthüllt und sein Schicksal geklärt hat, verwandelt er sich wieder in den Geschäftsmann. Senta zerschlägt eine Flasche und schneidet sich damit die Kehle auf. Die Dorfbewohner stürzen im Pulk auf sie ein. Der telefonierende Geschäftsmann kommt zu spät, um Senta zu retten.

Natürlich klingt das alles ein wenig nach Regietheater, doch die Bühne trägt solche Ideen problemlos. Auch den Einfall mit der Fischentourage lässt man durchgehen – es soll das Werk etwas auflockern. Mich hat dieser „Holländer“ auf jeden Fall mehr begeistert als die letzten Aufführungen in Berlin und Bayreuth. Die hohen Felsen und der Nebel – dagegen kommt kein Regietheater an. Das ist einfach zu gut in Szene gesetzt durch die Naturbühne. Auch musikalisch war es sehr schön: Menna Cazel als Senta und der slowenische Tenor Aljaž Vesel wären sicher ein gutes Paar geworden, wenn es Do-Heon Kim als den bösen Holländer nicht gegeben hätte. Obwohl das Orchester etwas kleiner besetzt war, beeindruckte die Elbland Philharmonie aus Radebeul dennoch. Mehrfach jagte einem dieses Werk von Richard Wagner Schauer über den Rücken. Eine wirklich packende Aufführung in Wunsiedel – den Regietheatereinfällen zum Trotz.

Mit der derzeitigen Premiere in Bayreuth von Tristan und Isolde, war die Presse nicht besonders gnädig. Das lag zum einen am etwas getragenen Dirigat von Seymon Bychkow und zum anderen an der Inszenierung. Diese stellt Tristan als depressiv dar, was natürlich weniger gut ankommt. Dabei ist gerade diese Interpretation das, was mir den Tristan bisher gut erklärt. Richard Wagner schrieb diese Oper über die Liebe in nur einem Jahr und neun Monaten. Dies geschah angeblich nach einer unglücklichen Liebesaffäre mit Mathilde Wesendonck. Viele Wagner-Fans halten den Tristan für den Gipfel seines Schaffens, was ich nicht teilen konnte. Kein Regisseur konnte mir eine schlüssige Erklärung für die Musik geben, bis auf Thorleifur Örn Arnarsson. Der Ansatz mit der depressiven Verstimmung von Tristan war für mich der Schlüssel zum Werk. Ich hatte die Oper bisher als Liebesoper verstanden, aber diese Liebe wird als unendliche Qual dargestellt und ist als Interpretation nicht griffig. Eine Isolde, die sich an einem mental gefangenen Tristan aufreibt, passt schon eher zu dem, was ich in der Musik bisher gehört habe. Dabei war das Krankheitsbild Depression zu Wagners Zeiten noch nicht definiert.

Isolde sitzt zu Beginn in einem übermächtigen Brautkleid. Mit einer großen Feder schreibt sie Worte auf das weiße Kleid aus der Tristan Partitur. Anfangs ist auch beim Auftritt von Kurwenal, der Platz weit links ungünstig. Die Inszenierung selbst bildet über die Szenerie einen Zusammenhang mit Schiffseilen und einem Schiffsrumpf, der sich zum Ende immer mehr auflöst. Das goldene Licht der Natrium-Dampflampen soll das Nachtlicht symbolisieren, nämlich die Nacht, in die Tristan und Isolde im Laufe der Oper absteigen. Der Einsatz des Lichts ist leider nicht ganz blendefrei für das Publikum. Tristan soll Isolde für König Marke werben und die irische Tochter nach Cornwall zu bringen. Es gab aber eine Vorgeschichte der Oper, in der Tristan den ehemaligen Verlobten von Isolde erschlagen hat. Verwundet wurde er damals von Isolde gepflegt, obwohl sie ihn eigentlich umbringen wollte. Sie hatte sich sogar verliebt in den ehemaligen Feind. Nun treffen sie erneut aufeinander in diesem ersten Akt. Für diese Werbungaktion, die Isolde als Schmach empfindet, will sie sich mit einem Todestrank rächen. Dabei hat die Dienerin den Todestrank gegen einen Liebestrank getauscht, den man in dieser Inszenierung nicht sieht. Stattdessen wird der Todestrank zum zentralen Element. Ganz nach einem depressiven Muster nimmt Tristan diesen am Ende des zweiten Aktes, wo es eigentlich niemand vermutet. In der Musik ist der Liebestrank dennoch auskomponiert und am Ende des Liebestranks sehen die beiden in ein Loch in der Bühne in einen Abgrund. Isoldes Hochzeitshaube bietet ein paarmal den Anlass für ein ungewolltes Stolpern von Tristan. Zum Ende des ersten Akts sehen Tristan und Isolde in den Abgrund, in dem Dinge aus der Tagwelt aufgehäuft sind.

Im zweiten Aufzug hat man die konsequente Fortsetzung des Bühnenbilds. Man befindet sich am anderen Ende des Lochs in einem großen Schiffsbug. Dieser ist gefüllt mit glorreichen Errungenschaften der Tagwelt und der Welteroberung, wie ausgestopfte Tiere, griechische Büsten, Globen, Weltempfänger. Tristan zerpflügt eine Tageszeitung. Diese Szenerie wirkt wie eine Rumpelkammer des Ruhms, dem Tristan abschwört. Auch verdunkelt er die Lichter. Die Verabredung im Park ist also eine Verabredung in der Rumpelkammer des Tagwerks. Auch das Brautkleid hat es in einer Kiste in die Szene geschafft. Brangäne löscht das rote Neonlicht, es beginnt die Nacht der Liebe mit einer Ohrfeige von Isolde für Tristan. Scheinbar möchte sie ihn damit aus seiner Depression reißen, damit er mit ihr die Nacht der Liebe erleben kann. Während sie anfangs noch umeinander herum singen, nähern sie sich zum Duett immer mehr an, bis sie endlich zum Duett kommen. Der Schiffsrumpf leuchtet dabei in gelbem Licht. Tristan und Isolde wünschen sich dort die Vereinigung im Tod, bis sie von Melot unterbrochen werden. Der ist bestürzt von Tristans Treuebruch, denn Tristan sollte Isolde ja für König Marke werben. Er hat einen finsteren, schwarzen König Marke im Gefolge, der einer Game of Thrones-Folge entsprungen sein könnte. Tristan zerschlägt einen Spiegel und es kommt hauptsächlich zum musikalischen Kampf. Auch das ist wieder schwierig, weil hier die Musik anderes vermittelt, als das was auf der Bühne passiert. Stattdessen nimmt Tristan nun den Todestrank und stürzt zu Boden. Auch das ist typisch Depression, der Tod tritt dann ein, wenn man es am wenigsten erwartet.

Im letzten Aufzug ist es schwer Tristan liegen im Gerümpel des Tagwerks zu entdecken. Der Schiffsbug hat sich aufgelöst und mit den Seilen des ersten Akts vereinigt. Auf einer Ansammlung von Gegenständen liegt schwer verwundet Tristan. Andreas Schager schafft es in den nun folgenden 50 Minuten die Gefühlsausbrüche von Tristan gut zu vermitteln und die Wahnvorstellungen, dass immer wieder ein Schiff kommt. Dabei wird der Publikumsraum in gleißendes Licht getaucht. Als Isolde dann wirklich endlich kommt, ist er schon nicht mehr richtig bei Bewusstsein und stirbt. Wieder sieht man das Brautkleid und die weiße Hochzeitshaube. Als Tristan gestorben ist, trinkt Isolde nun den Todestrank und folgt Tristan. Es kommt ein zweites Schiff mit König Marke. Nach einem wundervollen Liebestod von Isolde stehen die Angehörigen erschüttert vor den Toten.

Am Ende war das Publikum in Bayreuth begeistert von der Aufführung. Allein der Dirigent bekam einige Buh-Rufe ab, vermutlich weil einige das Dirigat als zu langsam empfunden haben. Ein Blick auf die Uhr verrät, dass es tatsächlich etwas länger gedauert hat, was ich selbst als nicht störend empfunden habe. Die Sänger waren wie immer hervorragend, wenn auch die Damen etwas textverständlicher hätten sein können. Tristan und Isolde sind einfach Kraftpartien, die ihres gleich suchen. Sowohl Andreas Schager, als auch Camilla Nylund wurden diesen beiden Partien gerecht.

In der Inszenierung von Thorleifur Örn Arnarsson habe ich endlich mal Tristan verstanden. Es mag im Ansatz ja Regietheater sein. Tristan hat in der Inszenierung eine Form von Depression. Das hat mir noch nie jemals in Zusammenhang mit Tristan gesagt. Für mich erklärt das aber die Musik ziemlich gut, oder zumindest das was ich in der Musik höre. Die Streicher produzieren immer wieder einen Klangteppich unter den Motiven. Dieses ganze Verdrehte im zweiten Akt macht plötzlich Sinn für mich. Tristan ist in seiner eigenen Welt gefangen und gibt sich die Schuld für den Tod der Mutter und des Vaters. Isolde versucht ihn auch musikalisch immer aus dieser autistischen Haltung zu befreien. In der Inszenierung gelingt ihr der zweite Akt nur, weil sie ihm vorher eine schallende Ohrfeige gibt. Das holt ihn für den Liebesakt zurück in die Welt von Isolde. Während er im dritten Akt wieder ganz in die Depression versinkt. Unter dem Aspekt hatte ich das noch nie betrachtet, aber die Oper war für mich immer irgendwie bedrückend. Ich konnte die Begeisterung über den Tristan nie wirklich teilen, weil ich die Musik nicht deuten konnte. Ich hatte am Vortag einen 50-minütigen Vortrag, was sich der Regisseur dabei gedacht hat. Und so hat mir den Tristan noch nie jemand erklärt, aber ich erkenne in den Klangmustern und Wiederholungen durchaus den Ansatz, was diese Deutung gut erklärt. Am besten fand und finde ich immer noch das Ende mit Isoldes Liebestod. Da lösen sich diese Verdrehungen und Disharmonien, mit den man fast vier Stunden traktiert wird endlich auf. Besser spät als nie.

Eine Fortsetzung zum Thema Herrentoilette und Sieglinde gibt es auch. Auf Nachfrage wurde mir bescheinigt, dass die Toilettenfrau Sieglinde jetzt wirklich ihre verdiente Rente genießt. Auch ihre Bonbons wurden durch die schnöden Böhme Frucht Karamellen ersetzt. Ob die nur Tagwerk sind und wirklich gegen einen Hustenanfall bei Brünnhildes Erweckung helfen, da habe ich meine Zweifel.

Durch Zufall war ich in der 46. Vorstellung in der Comödie vom „Im Weißen Rössl“. Es handelte sich bei der Inszenierung um eine Übernahme aus Bad Kissingen. Jetzt hat Bad Kissingen aber andere Platzverhältnisse, als die Comödie in Fürth. Daher musste das Bühnenbild verkleinert werden. Zudem verzichtet man auf ein Live-Orchester. Die Toneinspielungen kommen vom Band, was aber verblüffend gut funktioniert. Auch auf einen Kinderchor muss man leider verzichten. Dennoch spielen die 16 Protagonisten im Stück + zwei Statistinnen für eine steppende Plüschkuh im ersten Akt hervorragend, jedoch wünschte man sich an der ein oder anderen Stelle schon Übertitel. Dennoch, das Zusammenspiel in der Musik klappte in der Nachmittagsvorstellung hervorragend. An der Handlung hat man etwas gedreht, wenn man das Original kennt. Zudem hat man aus den drei Akten einen Zwei-Akter gemacht und lässt die Stücke teilweise in anderer Reihenfolge ablaufen.

Zu Beginn der Operette von Ralph Benatzky dreht der Zahlkellner Leopold an der Preisschraube und erhöht den Preis für das Paprikahuhn von 3 auf 8 EUR. Die ankommenden zahlungskräftigen Touristen unter Zeitdruck scheint das nicht zu stören. Der Zahlkellner Leopold ist natürlich besetzt mit Volker Heißmann, der diese Rolle schon im Opernhaus Nürnberg übernommen hat. Klar, ist es eine Comödien-Vorstellung und der etwas brachiale Humor ist hier Programm. So bekommt der Zahlkellner eine deftige Backpfeife von seiner Chefin Josepha Vogelhuber, als er ihr ein Liebesmenü auf die Speisekarte setzt. Denn sie ist eigentlich verliebt in einen rollschuhfahrenden Rechtsanwalt aus Berlin, den Dr. Otto Siedler. Der trifft dieses Jahr aber verspätet ein und Josepha hält ihm extra das Balkonzimmer frei. Es kommt der Fabrikant Gieseke mit seiner Tochter Ottilie auf die Bühne. Pikanterweise ist Dr. Siedler der Anwalt der Gegenseite in einem Patentstreit um knöpfbare Unterwäsche. Um Dr. Siedler eines auszuwischen vergibt er das Balkonzimmer an Gieseke. Das ständige hin und her der Koffer treibt Piccolo in den Wahnsinn. Gieske ist von der Gegend um den See nicht sehr begeistert, denn das Essen schmeckt ihm nicht. Etwas Grünen-Bashing ist auch dabei als der Zahlkellner von seinen Kurgästen auf Diät erzählt und der Name von Ricarda Lang fällt. Die servierten Beuscherl erkennt Gieseke als saure Lunge, also serviert man auch ihm künstliches Paprikahuhn. Es tritt Martin Rassau als Christel von der Post auf und hat sofort alle Lacher auf seiner Seite. In gelben Strümpfen und im gelben Post Outfit ist er eine Karikatur eine Drag Queen. Der ältliche Piccolo ist gut zwei Köpfe kleiner und reicht der Christel gerade bis an den Busen. Zudem beweist sich diese Christel als sehr trinkfest und trinkt unter dem Applaus des Publikums, eine Maß Bier in einem Zug. Ottilie und Dr. Siedler treffen aufeinander und Dr. Siedler ist schlagartig in Ottilie verliebt. Um Dr. Siedler eines auszuwischen, der Konkurrent des Zahlkellner Leopolds ist, arrangiert Leopold ein Champagner-Tête-à-Tête im Kuhstall inklusive steppender Kuh. Interessanterweise hat die Kuh die besungenen himmelblauen Augen. Im Hintergrund spielt Piccolo den Liebesboten Amor inklusive Engelsflügeln. Der schöne Sigismund ist der Sohn des Konkurrenten Sülzheimer von Gieske, wieder gespielt von Martin Rassau, galoppiert mit den Kellnerinnen auf die Bühne. Es tritt die Konditorgehilfin Klärchen auf und deren Torte landet im Gesicht von dem schönen Sigismund. Den Kommentar ‚Schön‘ der Sigismund daraufhin entfleucht, kennt man aus Dick und Doof. Dieser hat eine Atze-Schröder-Perücke auf und man erkennt sofort, dass das eine Perücke ist. Darunter kommt die Glatze von Martin Rassau zum Vorschein. Klärchen und Siegismund verlieben sich. Es kommt zur Entlassung von Leopold wegen seiner Aufdringlichkeit gegenüber Josepha Vogelhuber. Er kann einfach nicht zusehen, wie sich Josepha und Dr. Siedler vermutlich näherkommen. Er kündigt mitten in der Saison. Als er mit den gepackten Koffern gehen will, fragt er geknickt wohin. Das Publikum ruft: nach Fürth! Worauf Heißmann gekonnt pariert und als Gast zurück ins Hotel geht. Zusehen ist nun ein bezaubernde Revue-Szene mit rosa Fächern.

Ottilie und Dr. Siedler machen im zweiten Akt eine Berg-Tour. Als Ottilie die Blumen vermisst, entfaltet Dr. Siedler einen grünen Kunstrasen mit Plastikblumen. Auch Gieseke ist auf einer Bergtour mit Piccolo, als er meint: er wäre keine Gämse, ist kurz eine ausgestopfte Gämse zu sehen. Es kommt zu einer wahren Skandal Nummer im Dritten Reich, der Badeszene. Während es sich die Damen auf den Liegestühlen gemütlich machen. Machen sich die Herren frei und verstecken ihre Blöße hinter roten Handtüchern. Jetzt hat man 2024 natürlich bei der Handtuch Nummer, bei der meist zwei Männer tanzen und die Handtücher so geschickt führen, dass man nie genau weiß, ob sie nackt sind. Ein dunkelhäutiger Kellner hat aber einen interessanten Stringtanga mit Kleeblatt an. Der Skandal ist perfekt. Herr Gieseke hat inzwischen den lästigen Hahn erschossen. Es wird nochmal turbulent, als sich der Kaiser höchstpersönlich zum Schützenfest angekündigt hat. Jetzt ist der aber im Bahnstreik bei Ischgl stecken geblieben und in Maske erscheint als Kaiser Franz-Josef, der Leopold selbst. Als Volker Heißmann als Kaiser auf die Bühne kommt, ist das Publikum gefragt. Man ist dazu angehalten die Winkelemente im Zuschauerraum zu nutzen, aufzustehen und dem falschen Kaiser lautstark die Nationalhymne entgegen zu schmettern. Das Publikum macht da auch wirklich mit. Der Kaiser tröstet Josepha sich damit abzufinden, dass Dr. Siedler eine andere hat. Dann gibt es sich als Leopold zu erkennen. Erst jetzt kommt eine Hommage an den Regen am Wolfgangsee, das sich mit einem LED-Gewitter ankündigt. Mit roten und weißen Schirmen gibt es zu der Melodie „Wenn es hier mal richtig regnet“. Wer einmal in einer Regenfront am Wolfgangsee war, wie ich 2023, weiß, dass hier viel Wahrheit rein getextet ist. Natürlich darf auch hier ein Frankenwappen nicht fehlen. Als Leopold nun endgültig gehen will, fordert er ein Zeugnis von Josepha. Diese schreibt in sein Buch: "Entlassen als Zahlkellner, aber engagiert auf Lebensdauer als Ehemann".

Die Musik von Ralph Benatzky macht Lust, sich wieder mal durch die Operette zu hören. Es sind wirklich viele, schöne bekannte Stücke drin, die alle so in den 30er Jahren und der Swing-Ära verortet sind. Der vermeintliche ‚judenbezug‘ der Komponisten und die Skandalszene mit dem Bad führten zu einem Aufführungsverbot im Dritten Reich. Natürlich zünden die Komiker Heißmann/Rassau ein Gag Feuerwerk, das hier im Detail sicher den Blogbeitrag sprengen würde. Ich war im besten Sinne unterhalten bei dieser Variante der Operette. Ich frage mich natürlich, wo der Spoiler Alarm bleibt, dass hier unsittliche Gags gestartet werden und man ein Frauenbild verbreitet, das nicht mehr ganz in Ordnung ist, nach heutiger Deutung. Aber man ist mit einer Drag-Christel, einem farbigen Kellner und dem Männer-Handtuch-Ballett wunderbar divers aufgestellt, sodass man in diesem Fall gerne Nachsicht walten lässt.

(Bild: Sandra Ott)

Die Deutsche Oper in Berlin hat die gesammelten Werke von Richard Wagners Bayreuth-Zyklus auf dem Programm. In diesem Kanon der Werke sahen wir die erste Wiederaufnahme von Wagners Fliegenden Holländers. Der Veranstaltung war gut gebucht und die Deutung von Christian Spuk, dass die gesamte Geschichte ein Alptraum von Sentas Freund Erik ist, wurde gut aufgenommen. Das Bühnenbild von Rufus Didwiszus verzichtet dabei fast vollständig auf Farbe und ist im Wesentlichen in Schwarz gehalten. Man freut sich schon über kleine bunte Bänder des Chors. Zudem plätschert im Hintergrund vor den zwei großen blauen Türen eine große Pfütze mit Wasser und die Darsteller müssen sich immer wieder mit Gummistiefeln den Weg durch die Pfütze bahnen. Das Plätschern fand ich etwas irritierend in der Musik, viele andere fanden das aber authentisch. Für eine CD-Aufnahme wäre das definitiv nichts. Das Stück wird, wie inzwischen üblich, ohne Unterbrechung gespielt.

Dabei gibt Ivan Repusic in der Ouvertüre ziemlich Tempo, was sich aber schnell wieder normalisiert. Man sieht einen traumatisierten Erik mit einem Schiff dort sitzen. Robert Watson als Erik ist immer mit seinen schauspielerischen Fähigkeiten gefragt, der den verzweifelten Zuschauer der düsteren Handlung mimen muss. So zertrümmert er in der Ouvertüre schon ein Modell-Segelschiffchen. Tobias Kehrer als blonder Daland ist anfangs stimmlich noch etwas zurückhalten. Als aber der Holländer mit sechs Begleitern im besungenen schwarzen Wams auf die Bühne kommt, schwindet das. Egils Silins ist eine Mischung aus Vampir und Mönch und ist wirklich eine bedrohliche Figur. Als der Holländer seine erste Arie singt, laufen die Begleiter als endloser Zug von Untoten rechts durch die Türen. Es kommt zur Verhandlung zwischen Daland und dem Holländer. Der Holländer bietet Daland Schätze in Form eines goldenen Schiffchens, worauf Daland seine Tochter verspricht. Als der Männerchor stimmgewaltig einsetzt, geht die Fahrt für beide in Richtung Sandwike weiter. Die abgedeckten Gegenstände, die eben noch als eine Art Felsen dienten, entpuppen sich als Nähmaschinen. Ein großes Tuch wird aufgespannt und es entsteht ein etwas zeltartiger Raum, in dem der Damenchor das Spinnlied singt. Jetzt wird eigentlich das Spinnen besungen und nicht das Nähen, aber die alten Nähmaschinen haben ja auch Rädchen, die sich drehen. Senta läuft mit einem Bild des Fliegenden Holländers über die Bühne und ist durch ein Lied der Amme völlig vernarrt in das Bild. Sie singt die Arie des Fliegenden Holländers, ein dreiteiliges Lied, das leider in der dritten Strophe von einem Handyklingeln gestört wurde. Erik versucht noch mit einem Blumenstrauß einzugreifen und Senta für sich zu gewinnen. Er hat in einem Alptraum gesehen, dass das Zusammentreffen von Senta mit einem fremden Seefahrer kein gutes Ende nimmt. Dies sollte sich auch am Ende der Oper erfüllen. Als Erik verschwindet, kommt Daland mit dem Holländer in die Nähstube und will die beiden zusammenbringen. Senta bietet Daland einen Stuhl an. Bei ihrem Duett finden die beiden zueinander und stehen dann erhöht auf den Nähmaschinen und dem Stuhl, was einen guten akustischen Effekt gibt. Das Stoffzelt wird eingeholt und gegen ein schwarzes Segel ersetzt, Rot wäre da die bessere Wahl. Es folgt die Verlobungsfeier, bei der die Bewohner Sandwikes die untote Mannschaft des Holländers mit kessen Sprüchen solange provozieren, bis diese schließlich mit gruseliger Stimme sich melden und dem fröhlichen Treiben ein Ende bereiten. Dabei gibt es viel Nebel. Allerspätestens jetzt merkt man, dass mit Christian Spuk ein Mann des Balletts am Werk ist. Er hat sich zur Musik passende Bewegungen des Chors ausgedacht. Die Nähmaschinen werden auf die Seite gezogen und es folgt der Showdown. Erik wirft sich nochmal dazwischen und erinnert Senta daran, dass sie selbst schon mal ihm die Treue geschworen hat. Das ruft mit viel Bühnennebel den Holländer auf den Plan. Senta wäre gerettet, weil sie die Treue dem Holländer noch nicht ehelich versprochen hatte. Statt dem aufbrechenden Holländer hinterher zu springen, ersticht sich Senta. Am Ende sitzt Erik verloren, wie am Anfang auf der Bühne mit einem Modellschiff. Er konnte Senta auch dieses Mal nicht retten.

Während Robert Watson als Erik eher durch seine schauspielerischen Fähigkeiten glänzte, konnten mich der Holländer und Elisabeth Teige als Senta überzeugen. Ab der Mitte des zweiten Aktes war die Darbietung eine runde und überzeugende Sache. Auch wenn man das in Bayreuth nicht gerne hören wird, die Darbietung in Berlin fand ich schlüssiger, musikalisch überzeugender und am Ende packender, als der Holländer 2021 in Bayreuth. Die Inszenierung ersäuft leider etwas in dem finsteren und schwarzen Bühnenbild. Wie das Stück so auf den Selbstmord Sentas zu rast, ist für mich immer wieder spannend. Selten gibt es also Vorstellungen des Holländers, die mich ganz unberührt lassen. Der Chor leistet in diesem Stück dabei einen wesentlichen Beitrag. Dieser Holländer ist sehens- und hörenswert, auch wenn er sich mit dem Plätschern nicht zur CD pressen lässt.

Quelle: YouTube | DeutscheOperBerlin