Zu einem vielgelobten Don Carlos zog es uns nach Thüringen ins Meininger Staatstheater. Dass der Abend überhaupt trotz der Erkältungswelle stattfand, verdankte man einem sensationellen Derrick Ballard aus Mainz, der gleich zwei Bass-Rollen an diesem Abend übernehmen musste. So war sowohl die Besetzung des Philipp II., als auch der Großinquisitor erkrankt. Auch im Chor und Extra-Chor hatte die Erkältungswelle gewütet und ihn etwas dezimiert. Jetzt kannte Derrick Ballard, aber nur die italienische Form des Don Carlos, während die fünfaktige Fontainebleu-Fassung auf Französisch gespielt wurde. Der GMD kündigte die Form der Aufführung als ‚maccheronisch‘ an, war aber sichtlich froh, den Abend gerettet zu haben. In der Folge musste man natürlich das Duett zwischen dem Großinquisitor und Philipp II. streichen. Über die Aufführung selbst kann man geteilter Meinung sein, wenn es um die Umsetzung durch den Künstler Achim Freyer geht. So setzt der ganz auf Personenregie und fährt die Anzahl an Bühnenrequisiten enorm zurück. Zudem vergibt er an die Hauptpersonen einzelne Bewegungsmuster, die sich während der Arien immer wiederholen. Ich hatte diese Gesten als das rituelle spanische Hofzeremoniell verstanden. Der Ansatz führt aber dazu, dass die Bühnenfiguren nicht ausreichend miteinander agieren, sondern immer in denselben Bewegungsmustern erstarren. Ganz so, als ob eine rituelle Bewegungsmustervorgabe alle Interaktion verbietet. Das Bühnenbild ist sehr in schwarz/weiß gehalten. Von der Decke fahren immer wieder schwarze, längliche Holzlatten über die Bühne. Den Bühnenraum erweitern Spiegel. Die Bühne ist nach hinten ansteigend. Auch bei den Kostümen meint man sich manchmal ein einer Art Schulaufführung zu befinden. Wenn man es positiv formuliert, erinnern die steifen Kunststoffgewänder an Musik-Videos der Petshop-Boys aus den 80er Jahren oder an schnell dahingeworfene Supermann-Kostüme. Sie geben aber zusammen mit den Bewegungen manchmal ein etwas lächerliches Bild der Personen ab, zum Beispiel im Duett Don Carlos/ Roderigue, wenn sie ein schwarzes Pappschwert hochhalten. Gegeben wurde in Meiningen eine etwas gekürzte Fassung mit dem Fontainebleu-Akt, den ich für die Handlung des Stückes aber wichtig erachte. Die Oper behandelt die Beilegung des Krieges zwischen Spanien und Frankreich durch die Heirat der historischen Person Elisabeth von Valois mit Philipp II. Damit sollte der Frieden zwischen den beiden Nationen im Jahr 1559 hergestellt werden. Der Stoff wurde von Shakespeare ganz in der Nähe von Meinigen im Asyl in Bauerbach erstellt und stellt einen Bezug zum Aufführungsort dar.

In dem ersten Akt treffen Elisabeth von Valois und Don Carlos aufeinander. Don Carlos hat ein weißes, geometrisches Kostüm an. Ein Teil des Gesichts ist mit einem Gaze-Stoff verdeckt und er hat eine Sonnenbrille auf, in der es nur ein dunkles Glas gibt. Auch Elisabeth hat ein rot-weißes Kostüm an. Das Bemerkenswerte ist, dass immer, wenn es um die Liebe geht, die beiden Personen den roten Stoff kurz zeigen, aber dann auch wieder verschwinden lassen, wenn Sie ihre Gefühle verstecken müssen. Als Zeichen der Liebe überreicht Don Carlos Elisabeth eine rote Stoffrose an einem langen Band. Im Hintergrund beleuchtet ein LED-Balken die Szene. In einer Holzschatulle mit Herz bewahrt Elisabeth einen Schattenschnitt von Don Carlos auf, die in den folgenden Akten noch wichtig werden soll. Es ertönen die Kanonen und kündigen an, dass Philipp der II. sich mit Elisabeth vermählen muss. Jetzt ist Don Carlos natürlich plötzlich in die eigene Stiefmutter verliebt, was ihre Liebe unmöglich macht. Nach langem Kampf gibt Elisabeth ihrer Bestimmung nach. Don Carlos bleibt verzweifelt zurück.

Im Kloster, in das auch Don Carlos eintreten will, sieht man als schwarzen Schachkönig einen Mönch, der später für Karl V gehalten wird. Im Hintergrund sieht man den Zug der Schattenmänner aus Flandern. Don Carlos erfährt von Roderigue die Situation in den spanisch besetzten Flandern. Don Carlos gesteht ihm seine Liebe zu Elisabeth. Roderigue bittet Don Carlos, sich der Bevölkerung Flanders anzunehmen. Roderigue wirkt aber mit seinen zwei verschiedenen Schuhen schon sehr als Karikatur eines Footballers. Sie schwören sich aber mit einen schwarzen Pappschwert die gegenseitige Treue und es erklingt zum ersten mal das Freundschaftsduett. An einem heiteren Ort findet ein Maskenball statt, bei dem die Personen mit Pappschildern unkenntlich gemacht werden. Roderigue wird nun von der neuen Königin empfangen. Wieder gestehen sie sich ihre Liebe durch Zeigen der roten Teile ihrer Kleidung, die sie aber schnell wieder verbergen, denn Elisabeth will ganz ihrer Pflicht dienen. Philipp II. erscheint nun als gelber Sonnenkönig. Da er an diesem Abend selbst nicht singt und eigentlich erkrankt ist, hat er eine schwarze FFP2-Maske auf. An seinen fiebrigen Augen aus der dritten Reihe erkennt man, dass das Bett eigentlich der bessere Ort für den Monarchen gewesen wäre, der aber die szenische Umsetzung seiner Roller dennoch durchführte. Roderigue gewinnt trotz seiner konträren Meinung in der Sache um Flandern, das Vertrauen von Philipp II. Er bittet Roderigue über seinen Sohn zu wachen.

Don Carlos erwartet im nächtlichen Garten Elisabeth. Der Grund war ein Papierflieger mit einer Nachricht, die eigentlich von Prinzessin Eboli stammt. In der Meinung nun auf die Königin zu treffen, gesteht Don Carlos fälschlicherweise Eboli seine Liebe. Diese hat nun alle Mittel in der Hand gegen Don Carlos. Roderigue fordert von Don Carlos alle Dokumente über Flandern, damit er den Verdacht des Rebellen auf sich lenken kann. Ein schwarz-geometrisch gekleidetes Volk versammelt sich zum Autodafé, dort sollen drei Gesandte aus Flandern verbrannt werden. Die Szenerie ist in schauriges, rotes Licht getaucht. Dass nun einer aus dem Volk über eines der wenigen Requisiten stolpert, nämlich den Hocker, auf dem Philipp II. steht, entbehrt nicht einer gewissen Komik. Zur Zeit der Handlung konvertierte ein Teil Flanderns zum Protestantismus, was eine schlimme Gegenreaktion der Kirche mit dem Einsetzen eines Großinquisitors und Ketzer Verbrennungen zur Folge hatte. Die Gesandten bekommen eine Art Schandmaske auf und werden vom König abgeführt. Es erscheint ein stilisierter Engel mit weißen Flügeln. Mit dem Pappschwert in der Hand fordert Don Carlos nun Freiheit für Flandern, wird aber von Roderigue entwaffnet und wird wegen der Leistung zum Herzog ernannt.

Nach der Pause zeigt nun der eingesprungene Sänger des Philipp II. was er eigentlich an profundem Bass draufhat. Eine Kerze brennt rechts oben und die Bass-Arie: „Sie hat mich nie geliebt“ gelingt in der Aufführung, zwar auf italienisch, zu einem Glanzstück mit üppigem Applaus am Ende. Philipp II. gibt seiner Verzweiflung freien Lauf, dass in Elisabeth nie geliebt hat. Dass nun das Duett zwischen dem Großinquisitor und Philipp II. aus Fachkräftemangel entfallen muss, ist verschmerzbar. Elisabeth tritt mit verbundenen Augen auf. Unterdessen hat die Prinzessin Eboli die Schatulle aus dem ersten Akt dem König zugespielt. Dort ist der Schattenschnitt von Don Carlos enthalten. Der König beschuldigt daraufhin Elisabeth des Ehebruchs, worauf diese zusammenbricht. Eboli, die mit ihrem Kostüm eine Art Drachen am Rücken hat, gesteht ihre Intrige und muss daraufhin ins Kloster oder in die Verbannung. Roderigue besucht nun Don Carlos im Gefängnis. Er ist beim König in Ungnade gefallen und wird durch einen Hinterhalt erschossen, da man ihn für den Anführer des Aufruhrs in Flandern hält. Auf seiner Kleidung zeigt sich ein roter Fleck in der Herzgegend. Der König gibt Don Carlos sein Schwert wieder, da er ihn für unschuldig hält. Es kommt zum Aufruhr unter dem Volk, das Plakate mit Freiheit hochhält. Der Großinquisitor mit einem neonfarbenen Rollator erscheint und bringt das Volk zum schweigen. Don Carlos kann sich retten.

Es kommt zu einem letzten Aufeinandertreffen von Don Carlos und Elisabeth. Sie treffen sich im Kloster von San Yuste und nehmen für immer Abschied. Der König und der Großinquisitor überraschen die beiden. Es erscheint wieder der alte Mönch, den alle für Karl V halten.

Das mit den Bewegungsmustern nimmt bei einem Herold fast krankhafte Züge an, auch die etwas abwehrenden Gesten von Elisabeth bleiben gut in Erinnerung. Wer sich jetzt an die Walldorftanzpädagogik erinnert fühlt, muss vielleicht schmunzeln. Für mich verdeutlichen die ritualisierten Bewegungen, das überkommene spanische Hofzeremoniell. Die Staatskapelle Meinigen liefert und Killian Farrell ein musikalisches Highlight ab. Dass man auch flexibel auf die Infektiösen Gegebenheiten in der Besetzung reagiert hat, erklärte der GMD selbst in einer charmanten Ansage. Dara Hobbs singt sich zunehmend frei. Die wirkliche Überraschung war der italienischsingende Mainzer Bass Derrick Ballard, der von einem Notenpult dem erkrankten Selcuk Hakan Tiraşoğlu zur Seite stand. Matthew Vickers als Don Carlos startete stark, hatte aber mit der Stücklänge ein Problem. Auch die Prinzessin Eboli gesungen von Marianne Schechtel zeigte vollen Einsatz. Achim Freyer setzt ganz auf die Personenregie und die Gesten. Was mancher irritierend fand, lieferte Diskussionsstoff für die Hotelbar hinterher.

Zur letzten der drei Aufführungen des „Fliegenden Holländers“ von Richard Wagner zog es uns ins ferne Wunsiedel zu den Luisenburg-Festspielen. Es musizierte dort die Elbland Philharmonie Sachsen aus Radebeul unter der Leitung von Tim Fluch. Für das Stück, das an Norwegens Küste spielt, konnte ich mir den felsigen Bühnenhintergrund mit dem Wald gut vorstellen. Wenn der Jäger Erik seine Arie „Auf hohem Felsen lag ich träumend“ singt, ist das in der szenischen Umsetzung auf dem Felsen kaum zu überbieten. Dazu kam Kunstnebel zum Einsatz, und ein grimmiger Holländer, der seine Schlussarie hoch oben singt, als er nach drei Akten endlich seinen Namen verrät, ist ebenfalls kaum zu überbieten. Mit anderen Worten: Alle, die dabei waren, hatten ihren Spaß an der Aufführung, auch wenn das Theater mit seinen 1900 Plätzen nicht ganz voll war. Natürlich gab es etwas Regietheater von Kai Anne Schuhmacher, und die große, offene Bühne erforderte den Einsatz von Mikrofonen für die Sänger. Das tat der Begeisterung dennoch keinen Abbruch.

So beginnt das Stück auch schon mit der Ouvertüre. Auf der Bühne stapeln sich Fischkästen in Blau und Gelb für den Fang, den die Seeleute einholen. Es sind kleine, silbrige Stofffische, die immer wieder in die Kästen geworfen werden. Auf der Bühne stehen die Holzreste eines Schiffswracks. Man erlebt eine Art Vorgeschichte, in der Senta die Sage vom Fliegenden Holländer aus einem Buch vorliest. Die zwei Quallen und die Seetiere, einschließlich eines Quallenpriesters mit Kreuz, führen während des Vorspiels eine Hochzeit durch. Mary entschwindet dabei mit dem Holländer – scheinbar gab es sieben Jahre vorher eine Verbindung zwischen der Amme Mary und dem Holländer, was durchaus Sinn ergibt. Ist es nicht sie, die Senta die Arie vom Holländer beigebracht hat? Der Holländer wird bei seinen Auftritten stets von elf Seeleuten in identischen Mänteln mit Bärten begleitet.

Während des ersten Akts ist Senta ständig auf der Bühne. Sie liest immer wieder aus Büchern und scheint vom Inhalt eines blauen Buches total fasziniert. Zusammen mit dem Steuermann liest sie sich durch die Bücher und ist voller Begeisterung. Dieser schläft jedoch über der Lektüre ein, als er für Daland Wache halten soll. Der Fliegende Holländer landet während seines Schlafs und singt seine Auftrittsarie, in der er sein Los beschreibt: Alle sieben Jahre geht er an Land und muss eine Frau finden, die ihn erlöst. Daland erscheint wieder und rüffelt den eingeschlafenen Steuermann, nachdem er kurz an einen Baum im Wald gepinkelt hat. Er versucht nun, die Herkunft des Holländers zu ergründen. Dieser umwirbt ihn mit den tanzenden Seetieren, die mit Aktenkoffern voller Geld den Kapitän Daland umtanzen. So verwirrt von den vielen Geldscheinen verspricht Daland dem Holländer seine Tochter. Das Geschäft ist abgemacht, und ein seltsamer Wind setzt ein, der das Schiff und die Mannschaft nach Hause trägt.

Statt einer Spinnereiszene hat man die Szene kurzerhand in eine Fischfabrik verlegt. Statt zu spinnen, verpacken die Damen die Fische und etikettieren Kartons. Scheinbar ist gerade keine Saison zum Wolle spinnen, und die Damen müssen sich in der Fischfabrik mit blutigen Gummistiefeln ihr Geld verdienen. Senta hat kein Bild vom Holländer, sondern ein Buch, in dem die Arie vom Holländer steht. Sie steigt auf die Fischkästen und singt ihre große Arie vom Holländer. Es gibt auch einen Konkurrenten: den schwarz gekleideten Jäger Erik mit Flinte und Tätowierung, der den Holländer optisch locker aussticht. Er hat geträumt, dass ein Fremder mit Sentas Vater kommt, der seine Senta aufs Meer entführt. Er versucht, die Seiten aus dem Buch zu reißen, in denen die Ballade steht, und überreicht ihr sogar eine silberne Schachtel mit Ringen. Doch die Ballade sollte sich bewahrheiten. Senta hat es mit einer Art doppeltem Holländer zu tun: Einerseits gibt es den Holländer aus ihren Träumen, in Wirklichkeit scheint dieser jedoch ein ständig telefonierender Geschäftsmann im blauen Anzug zu sein, der sich nur marginal für Senta interessiert. Beim ersten Aufeinandertreffen von Daland, Senta und dem Holländer kredenzt man drei Fischstäbchenplatten. Der Holländer versucht es jedoch mit einer Art Fruchtteller als Nachtisch. Kaum hat man 12 Minuten geflirtet, ist man auch schon so weit, dass die Fischentourage zur Hochzeit kommen kann. Es findet eine geträumte Hochzeit statt. Entgegen der gängigen Aufführungspraxis ist nach dem zweiten Akt eine Pause für den Bühnenumbau.

Im dritten Akt findet auf Bierbänken das Fest zur Rückkehr der Seeleute statt. Mit Schleifen im Haar haben sich die Damen hübsch gemacht. Es gibt Muschelballons und Plastikflitter. Man schießt sogar Konfettikanonen ab, und das ganze Dorf ist in Feierlaune. Der Steuermann gibt sich mit Bierflaschen die Kante und tanzt auf dem Tisch. Schließlich hat er zu viel getrunken und übergibt sich am Bühnenrand. In ihrem Rausch fangen die Seeleute an, das Nachbarschiff und dessen Mannschaft zu provozieren. Das rächt sich schließlich: Die Geister erscheinen auf dem Felsen und beenden das Fest. Senta versucht, sich mit einem Messer zu verteidigen. Als die Geister verschwunden sind, ist Senta am Ende mit ihren Nerven und versucht, sich die Pulsadern aufzuschneiden. Erik platzt nochmals herein und erinnert Senta daran, dass sie ihm die Treue schon geschworen hatte. Der Holländer hört dies und sagt, dass Sentas einzige Rettung jetzt ist, dass sie ihre Treue noch nicht vor Gott geschworen hat. Die Schlussarie auf dem hohen Felsen ist einfach großartig. Nachdem der Holländer seine wahre Herkunft enthüllt und sein Schicksal geklärt hat, verwandelt er sich wieder in den Geschäftsmann. Senta zerschlägt eine Flasche und schneidet sich damit die Kehle auf. Die Dorfbewohner stürzen im Pulk auf sie ein. Der telefonierende Geschäftsmann kommt zu spät, um Senta zu retten.

Natürlich klingt das alles ein wenig nach Regietheater, doch die Bühne trägt solche Ideen problemlos. Auch den Einfall mit der Fischentourage lässt man durchgehen – es soll das Werk etwas auflockern. Mich hat dieser „Holländer“ auf jeden Fall mehr begeistert als die letzten Aufführungen in Berlin und Bayreuth. Die hohen Felsen und der Nebel – dagegen kommt kein Regietheater an. Das ist einfach zu gut in Szene gesetzt durch die Naturbühne. Auch musikalisch war es sehr schön: Menna Cazel als Senta und der slowenische Tenor Aljaž Vesel wären sicher ein gutes Paar geworden, wenn es Do-Heon Kim als den bösen Holländer nicht gegeben hätte. Obwohl das Orchester etwas kleiner besetzt war, beeindruckte die Elbland Philharmonie aus Radebeul dennoch. Mehrfach jagte einem dieses Werk von Richard Wagner Schauer über den Rücken. Eine wirklich packende Aufführung in Wunsiedel – den Regietheatereinfällen zum Trotz.

Mit der derzeitigen Premiere in Bayreuth von Tristan und Isolde, war die Presse nicht besonders gnädig. Das lag zum einen am etwas getragenen Dirigat von Seymon Bychkow und zum anderen an der Inszenierung. Diese stellt Tristan als depressiv dar, was natürlich weniger gut ankommt. Dabei ist gerade diese Interpretation das, was mir den Tristan bisher gut erklärt. Richard Wagner schrieb diese Oper über die Liebe in nur einem Jahr und neun Monaten. Dies geschah angeblich nach einer unglücklichen Liebesaffäre mit Mathilde Wesendonck. Viele Wagner-Fans halten den Tristan für den Gipfel seines Schaffens, was ich nicht teilen konnte. Kein Regisseur konnte mir eine schlüssige Erklärung für die Musik geben, bis auf Thorleifur Örn Arnarsson. Der Ansatz mit der depressiven Verstimmung von Tristan war für mich der Schlüssel zum Werk. Ich hatte die Oper bisher als Liebesoper verstanden, aber diese Liebe wird als unendliche Qual dargestellt und ist als Interpretation nicht griffig. Eine Isolde, die sich an einem mental gefangenen Tristan aufreibt, passt schon eher zu dem, was ich in der Musik bisher gehört habe. Dabei war das Krankheitsbild Depression zu Wagners Zeiten noch nicht definiert.

Isolde sitzt zu Beginn in einem übermächtigen Brautkleid. Mit einer großen Feder schreibt sie Worte auf das weiße Kleid aus der Tristan Partitur. Anfangs ist auch beim Auftritt von Kurwenal, der Platz weit links ungünstig. Die Inszenierung selbst bildet über die Szenerie einen Zusammenhang mit Schiffseilen und einem Schiffsrumpf, der sich zum Ende immer mehr auflöst. Das goldene Licht der Natrium-Dampflampen soll das Nachtlicht symbolisieren, nämlich die Nacht, in die Tristan und Isolde im Laufe der Oper absteigen. Der Einsatz des Lichts ist leider nicht ganz blendefrei für das Publikum. Tristan soll Isolde für König Marke werben und die irische Tochter nach Cornwall zu bringen. Es gab aber eine Vorgeschichte der Oper, in der Tristan den ehemaligen Verlobten von Isolde erschlagen hat. Verwundet wurde er damals von Isolde gepflegt, obwohl sie ihn eigentlich umbringen wollte. Sie hatte sich sogar verliebt in den ehemaligen Feind. Nun treffen sie erneut aufeinander in diesem ersten Akt. Für diese Werbungaktion, die Isolde als Schmach empfindet, will sie sich mit einem Todestrank rächen. Dabei hat die Dienerin den Todestrank gegen einen Liebestrank getauscht, den man in dieser Inszenierung nicht sieht. Stattdessen wird der Todestrank zum zentralen Element. Ganz nach einem depressiven Muster nimmt Tristan diesen am Ende des zweiten Aktes, wo es eigentlich niemand vermutet. In der Musik ist der Liebestrank dennoch auskomponiert und am Ende des Liebestranks sehen die beiden in ein Loch in der Bühne in einen Abgrund. Isoldes Hochzeitshaube bietet ein paarmal den Anlass für ein ungewolltes Stolpern von Tristan. Zum Ende des ersten Akts sehen Tristan und Isolde in den Abgrund, in dem Dinge aus der Tagwelt aufgehäuft sind.

Im zweiten Aufzug hat man die konsequente Fortsetzung des Bühnenbilds. Man befindet sich am anderen Ende des Lochs in einem großen Schiffsbug. Dieser ist gefüllt mit glorreichen Errungenschaften der Tagwelt und der Welteroberung, wie ausgestopfte Tiere, griechische Büsten, Globen, Weltempfänger. Tristan zerpflügt eine Tageszeitung. Diese Szenerie wirkt wie eine Rumpelkammer des Ruhms, dem Tristan abschwört. Auch verdunkelt er die Lichter. Die Verabredung im Park ist also eine Verabredung in der Rumpelkammer des Tagwerks. Auch das Brautkleid hat es in einer Kiste in die Szene geschafft. Brangäne löscht das rote Neonlicht, es beginnt die Nacht der Liebe mit einer Ohrfeige von Isolde für Tristan. Scheinbar möchte sie ihn damit aus seiner Depression reißen, damit er mit ihr die Nacht der Liebe erleben kann. Während sie anfangs noch umeinander herum singen, nähern sie sich zum Duett immer mehr an, bis sie endlich zum Duett kommen. Der Schiffsrumpf leuchtet dabei in gelbem Licht. Tristan und Isolde wünschen sich dort die Vereinigung im Tod, bis sie von Melot unterbrochen werden. Der ist bestürzt von Tristans Treuebruch, denn Tristan sollte Isolde ja für König Marke werben. Er hat einen finsteren, schwarzen König Marke im Gefolge, der einer Game of Thrones-Folge entsprungen sein könnte. Tristan zerschlägt einen Spiegel und es kommt hauptsächlich zum musikalischen Kampf. Auch das ist wieder schwierig, weil hier die Musik anderes vermittelt, als das was auf der Bühne passiert. Stattdessen nimmt Tristan nun den Todestrank und stürzt zu Boden. Auch das ist typisch Depression, der Tod tritt dann ein, wenn man es am wenigsten erwartet.

Im letzten Aufzug ist es schwer Tristan liegen im Gerümpel des Tagwerks zu entdecken. Der Schiffsbug hat sich aufgelöst und mit den Seilen des ersten Akts vereinigt. Auf einer Ansammlung von Gegenständen liegt schwer verwundet Tristan. Andreas Schager schafft es in den nun folgenden 50 Minuten die Gefühlsausbrüche von Tristan gut zu vermitteln und die Wahnvorstellungen, dass immer wieder ein Schiff kommt. Dabei wird der Publikumsraum in gleißendes Licht getaucht. Als Isolde dann wirklich endlich kommt, ist er schon nicht mehr richtig bei Bewusstsein und stirbt. Wieder sieht man das Brautkleid und die weiße Hochzeitshaube. Als Tristan gestorben ist, trinkt Isolde nun den Todestrank und folgt Tristan. Es kommt ein zweites Schiff mit König Marke. Nach einem wundervollen Liebestod von Isolde stehen die Angehörigen erschüttert vor den Toten.

Am Ende war das Publikum in Bayreuth begeistert von der Aufführung. Allein der Dirigent bekam einige Buh-Rufe ab, vermutlich weil einige das Dirigat als zu langsam empfunden haben. Ein Blick auf die Uhr verrät, dass es tatsächlich etwas länger gedauert hat, was ich selbst als nicht störend empfunden habe. Die Sänger waren wie immer hervorragend, wenn auch die Damen etwas textverständlicher hätten sein können. Tristan und Isolde sind einfach Kraftpartien, die ihres gleich suchen. Sowohl Andreas Schager, als auch Camilla Nylund wurden diesen beiden Partien gerecht.

In der Inszenierung von Thorleifur Örn Arnarsson habe ich endlich mal Tristan verstanden. Es mag im Ansatz ja Regietheater sein. Tristan hat in der Inszenierung eine Form von Depression. Das hat mir noch nie jemals in Zusammenhang mit Tristan gesagt. Für mich erklärt das aber die Musik ziemlich gut, oder zumindest das was ich in der Musik höre. Die Streicher produzieren immer wieder einen Klangteppich unter den Motiven. Dieses ganze Verdrehte im zweiten Akt macht plötzlich Sinn für mich. Tristan ist in seiner eigenen Welt gefangen und gibt sich die Schuld für den Tod der Mutter und des Vaters. Isolde versucht ihn auch musikalisch immer aus dieser autistischen Haltung zu befreien. In der Inszenierung gelingt ihr der zweite Akt nur, weil sie ihm vorher eine schallende Ohrfeige gibt. Das holt ihn für den Liebesakt zurück in die Welt von Isolde. Während er im dritten Akt wieder ganz in die Depression versinkt. Unter dem Aspekt hatte ich das noch nie betrachtet, aber die Oper war für mich immer irgendwie bedrückend. Ich konnte die Begeisterung über den Tristan nie wirklich teilen, weil ich die Musik nicht deuten konnte. Ich hatte am Vortag einen 50-minütigen Vortrag, was sich der Regisseur dabei gedacht hat. Und so hat mir den Tristan noch nie jemand erklärt, aber ich erkenne in den Klangmustern und Wiederholungen durchaus den Ansatz, was diese Deutung gut erklärt. Am besten fand und finde ich immer noch das Ende mit Isoldes Liebestod. Da lösen sich diese Verdrehungen und Disharmonien, mit den man fast vier Stunden traktiert wird endlich auf. Besser spät als nie.

Eine Fortsetzung zum Thema Herrentoilette und Sieglinde gibt es auch. Auf Nachfrage wurde mir bescheinigt, dass die Toilettenfrau Sieglinde jetzt wirklich ihre verdiente Rente genießt. Auch ihre Bonbons wurden durch die schnöden Böhme Frucht Karamellen ersetzt. Ob die nur Tagwerk sind und wirklich gegen einen Hustenanfall bei Brünnhildes Erweckung helfen, da habe ich meine Zweifel.

Da es mit der Aufführung letztes Jahr nicht geklappt hat, war ich bei der Wiederaufnahme der Oper Madame Butterfly in Nürnberg. Tatsächlich war diese Oper in der Inszenierung von Tina Lanik für mich neu, die das Stück in einen braun/goldenen diagonalen Raum mit schwarzen Schiebeelementen verlegt hat. Natürlich beleuchtet man den Raum immer wieder unterschiedlich, dennoch bleibt das Bühnenbild über die drei Akte konsistent. Vor dem Raum steht ein schwarz/blaues Sofa mit dem Rücken zum Publikum. Mit den Kostümen ist man etwas in die Neuzeit gegangen. Roland Böer lässt anfangs die Muskeln des Orchesters spielen, nimmt sich aber nach der Pause deutlich zurück. Sehr informativ war die Stückeinführung, die auf die Besonderheit des Hafens von Nagasaki hinweist, die Öffnung von Japan und auch das Konstrukt der Ehe auf Zeit beleuchtet. Angeblich beruht die Geschichte der Geisha auf einer wahren Begebenheit mit einem schottischen Unternehmer und einer Teehaus Geisha. Im 19. Jhd. war Japan nach der Öffnung in Europa sehr in Mode. Puccini hatte ein erfolgreiches Schauspiel als Vorlage seiner Oper ausgewählt. Auch wenn die Oper anfangs ein Fiasko war, hat sie sich nach der einer Überarbeitung durchgesetzt. Pinkerton war in der Urfassung von 1904 zu unsympathisch.

Pinkerton, ein amerikanischer Marineleutnant, beschließt ein Haus in Nagasaki für 999 Jahre zu kaufen, einschließlich der Geisha Cio-Cio-San, genannt Madame Butterfly. Schon zu Anfang macht er klar, dass die Japanerin nicht seine erste Wahl sein wird und er auf eine amerikanische Frau hofft. Man hat Pinkerton einen ziemlich unförmigen Wohlstandbauch angeschnallt, der wohl seinen satten Wohlstand andeuten soll. Vom Sofa aus beobachtet er bisweilen das Geschehen im ersten Akt. Der Zuhälter Goro trägt immer wieder mal einen Gummi-Leguan als Haustier über die Bühne. Zudem sieht er mit Halbglatze, Hosenträger und Sonnenbrille mit T-Shirt sehr neuzeitlich aus. Die Bedienstete Suzuki ist ganz in schwarz gekleidet und kahlgeschoren. Cio-Cio-San ist anfangs mit den orange-roten Kimonos nur schwer auszumachen. Es soll die Vermählung der Geisha mit Pinkerton stattfinden. In einem Schrank bewahrt sie ihre wertvollen Gegenstände, wie Ahnenpuppen und einen Dolch auf. Mit diesem Dolch wird angedeutet, habe sich ihr Vater auf Befehl umgebracht. Es kommt die ganze Verwandtschaft zur Hochzeit, ein betrunkener Cousin, ein fotografierender Onkel. Sie legt das traditionelle Kleid ab und zeigt sich in Jeans und T-Shirt als moderne Frau. Cio-Cio-San möchte auch den Glauben wechseln, was einen erzürnten, weiß-geschminkten Priester einen Fluch auf die Braut aussprechen lässt. Man erlebt die Hochzeitsnacht, wie das Paar endlich allein ist. Das Schlussduett im ersten Akt, wird auf dem Sofa am Bühnenrand gesungen. Am Ende sieht man ein Mädchen mit Seemannsmütze, die das dreijährige Kind von Cio-Cio-San im zweiten und dritten Akt spielt. Mit einem großen Schlussapplaus wird er Chor verabschiedet.

Im zweiten Akt warten Suzuki, Cio-Cio-San und ihr Kind, das in etwa acht sein könnte auf die Ankunft der Lincoln, des Schiffs von Pinkerton. Die Zusage, dass Pinkerton wieder kommt, wenn die Rotkehlchen ihr Nest bauen, hat er nicht eingehalten. Auf der Kommode stehen dann drei Blumensträuße und ein Bild. Der Konsul schleudert Pinkertons Bild gegen die Wand. Vom Konsul wird sie gefragt, was sie tun wird, wenn Pinkerton nicht zurückkommt. Sie würde wieder singen und tanzen als Geisha. Aber Pinkerton lässt auf sich warten. Man versucht sie aber erneut zu vermählen mit einem Geschäftsmann. Suzuki macht die Fenster auf, als Kanonen die Ankunft des Schiffs im Hafen ankündigen. Cio-Cio-San schmückt den Raum mit Rosenblättern, es soll Frühling sein. Sie möchte Pinkerton im Brautgewand empfangen, das aber dessen Kind anzieht. Er erscheint kurz, verschwindet aber wieder. Sein Wohlstandsbauch ist jetzt aber verschwunden. Im Summchor lässt die Regie nun das Kind mit den Blättern der Rosen spielen und tanzen. Auf einer Schiefertafel steht: a ship will come. Aber Pinkerton kneift, er erscheint während Butterfly schläft, schickt aber den Konsul vor und die Frau von Pinkerton. Die Frau von Pinkerton ist eine echte Influencerin von der Erscheinung her, ganz in einem rosa Anzug und mit einer Zigarette. Sie soll die Sache mit dem Kind regeln. Cio-Cio-San wünscht ihr alles Gute und verschwindet hinter der Wand und bringt sich vor ihrer Tochter um.

Letztlich siegt über die etwas trockene Inszenierung die Musik von Puccini. Cio-Cio-San hat viel zu singen und die Partie ist schwer und sicher nicht für 15-jährige konzipiert. Puccini drehte die Vorlage geschickt um, die in der Urfassung eigentlich von Pinkerton handelt. Carlos Cardoso hat an dem künstlichen Bauch schwer zu tragen im ersten Akt. Wie es zur Gewichtsabnahme im dritten Akt kommt, bleibt rätselhaft. Almerija Delic kann als Dienerin Suzuki der Butterfly überzeugen. Wie plausibel Emily Newton eine 15-jährige Geisha verkörpert, sei dahingestellt. Emily Newton gelingen diesmal auch sanfte Töne im zweiten Akt und stemmt sich gerade am Ende des ersten Akts gut gegen das Orchester. Während Roland Böer am Anfang sehr auftrumpft, nimmt er sich die nächsten zwei Akte dann eher zurück. Es war doch ein sehr erfreulicher Abend im Staatstheater Nürnberg.

Quelle: YouTube | Staatstheater Nürnberg

Shakespeare hat die Geschichte des Falstaffs geschrieben, der in der Oper gleich mehrfach vertont wurde. Aber weder Verdis Falstaff, noch der Don Pasquale von Donizetti konnten mich überzeugen, nur die Fassung von Otto Nicolai fand ich stimmig. Auch wenn mancher Kritiker der Meinung ist, romantische Märchenoper bräuchte es nicht auf den Spielplänen, kann mich dieses Werk doch immer wieder begeistern. Brigitte Fassbaender hat dieses Werk in einer wirklich schönen Inszenierung, ohne große Doppelbödigkeiten am Gärtnerplatztheater aufgelegt und lässt es weitgehend in der Märchenwelt. Jetzt hat man bei Dreiaktern immer das Problem mit der Pause. Man lässt sich aber auf keine Kompromisse ein und macht die Pause erst nach dem zweiten Akt.

Schon eine Ankündigung lässt das Publikum im Saal aufhören. Am Abend der Vorführung wurden Tonaufnahmen gemacht, weshalb die Sänger mit Mikrofonen ausgestattet waren, die aber nur zur Abnahme des Tons dienten. Erleichterung machte sich breit, dass es keine Umbesetzungen bei den Sängern gab.

Während der Ouvertüre wird man in einen blau-grauen Zauberwald entführt, in dem Hirsche in den Mond blicken. Man kann also richtig eintauchen, in die Märchenwald Welt des Stücks. Vor allem die Ouvertüre greift viele Motive des dritten Akts auf, der für mich der musikalische Höhepunkt in dem Stück ist. Weist dort die Musik von Nicolai doch weit in die Zukunft in Richtung Richard Wagner und Jacques Offenbach. Was kann also schon schief gehen, wenn die Strippenzieher des Stücks, Shakespeare, Nicolai und des Librettist Mosenthal auf die Bühne projiziert werden. Eine angedeutete Spanische Halskrause hat das Bühnenbild inspiriert. Sie ist ein teilbarer Ring. Nun aber zur Handlung.

Frau Fluth und Frau Reich bekommen grüne Briefe von dem dicklichen Ritter Falstaff. Dass die beiden identische Schreiben erhalten haben mit Avancen und sich gegenseitig austauschen, über diese Frechheit, damit hat er nicht gerechnet. Der Ritter ist in Geldnot und hofft auf eine gute Partie, die seine klamme Kasse aufbessern kann. Sehr witzig ist die Akteurin der Muhme, die als Ritter Falstaff-Ersatz herhalten muss und schon mal ins Dekolleté von Frau Fluth gedrückt wird. Schon etwas als Karikatur, aber galant in Rot, kommt der Ritter Falstaff nun zu Frau Fluth. Scheinbar ist gerade ein Waschtag. Frau Fluth hat eine Rechnung mit ihrem eifersüchtigen Ehemann offen und will mit einer Finte, dem Ritter und ihrem Ehemann eines auswischen. Der Ehemann soll also Wind von dem Eintreffen von Falstaff bekommen. Dass der nun in der muffeligen Wäsche in einem Korb landet und später in der Themse, ist die erste Schlappe für den Ritter. Zumindest entkommt er auf diese Weise dem rasenden Herrn Fluth. Frau Reich hat eine Tochter Anna, die zwei Bewerber hat. Einen französischen Dr. Cajus mit zwei verschiedenfarbigen Stiefeln, den Annas Mutter favorisiert und Junker Spärlich, der immer „Süße Anna“-säuselnd über die Bühne schwebt. Die Männer kommen also bei dem Stück nicht gut weg, was man in der Inszenierung aber auch als Mann gut wegstecken kann. Herr Fluth misstraut der Sache aber doch und kommt als Herr Bach mit Perücke und Sonnenbrille zum durchnässten Ritter. Von ihm erfährt er nach zwei zünftigen Maßen, dass er doch bei Frau Fluth war, was den Ehemann dazu anstachelt, Falstaff ein weiteres Mal zu seiner Frau zu schicken. Auch diesmal will Fluth seine Frau inflagranti erwischen. Leider entwischt der Ritter ein weiteres Mal in Frauenkleider, die er mit der Muhme getauscht hat. Auf diese Muhme von Frau Fluth hat Herr Fluth absolut keinen Nerv. Anna hat inzwischen mit ihrem geliebten Fenton ein Tête-à-Tête bei einer Schachtel Pralinen. Man will im Wald von Windsor dem Ritter ein drittes Mal reinlegen. Ihr Vater instruiert sie, als grüne Elfe zu erscheinen, ihre Mutter dagegen als rote Elfe. Mit dem Codewort Schnipp-Schnapp, will man sich zu erkennen geben. Vergnügt tanzt man schon eine Polonaise.

Im dritten Akt hört man ein lautes Blubbern. Mit Strohhalmen blubbern Herr Fluth und Herr Reich. Sie werden von den Gattinnen ins Bild gesetzt, wie der Ritter ihnen nachstellt. Nun folgt die Erzählung des Ritter Herne, der als Geisterjäger durch den Wald ziehen muss, weil er einem Hirsch nachgestellt hat. Diese Erzählung steht einer Erzählung Sentas aus dem Fliegenden Holländern in nichts nach. Anna und Fenton wollen in der Waldkapelle heiraten. Es versammeln sich die Bewohner von Windsor in weißen Feenkostümen im Wald. Zu der Arie „O süßer Mond!“ sieht man die Glatze Shakespeares aufziehen, was zu einigen Lachern führt. Das Rondell ist in der Mitte geteilt. Es kommt ein Sologeiger auf die Bühne zu Fenton und Anna und begleitet das Paar. Der Ritter Falstaff kommt mit einer grünen Matratze mit Hirschgeweih als Jäger Herne in den Wald. Herr Reich kommt als echter Jäger Herne mit Horn auf die Bühne, das prompt versagt, da ein Mensch, nämlich Falstaff, im Wald ist. In einer traumhaften Szene begegnen sich nun Fenton und Anna in Weiß. Frau Fluth und Frau Reich umschmeicheln nun beide den Ritter. Junker Spärlich und Cajus rufen sich die Codeworte zu und werden prompt in der Waldkapelle verheiratet. Jetzt setzen die Bewohner eines drauf und piesacken mit Neonstangen den Falstaff. Am Ende kommt es zu Küssen zwischen Cajus und Spärlich und Fenton und Anna. Am Ende streckt die große Shakespeare-Attrappe die Zunge raus und zwinkert mit den Augen.

Ich finde die Oper eine willkommene Abwechslung zu den vielen Wagner Ringen, die überall gespielt werden. Dass man eine Märchenoper durchaus noch spielen kann, beweist im Sommer Bregenz, das erstmalig der Freischütz aufs Programm gesetzt hat. Hier in der Inszenierung sind es eine Muhme durch Angelika Sedlmeier, die mit guter Mimik lustige Akzente in die Oper bringt. Levente Páll spielt keinen wirklich dümmlichen Falstaff, sondern eher einen, der sein eigenes Alter nicht wahrhaben will. Ganz hervorragend dabei war Jennifer O’Loughlin als Frau Fluth, die wunderbaren Koloraturen singen durfte. Die Inszenierung von Brigitte Fassbaender ist wirklich wunderschön von den Kostümen und von den Bühnenelementen. Es muss also nicht immer Wagner sein, der sich scheinbar in seinem Fliegenden Holländer hier schamlos bedient hat. Erkenne also das Original.

Video: YouTube | Gärtnerplatztheater