In einer Koproduktion mit dem Théâtre du Capitole Toulouse wir derzeit in einer Inszenierung von Vincent Boussard der Maskenball von Verdi aufgeführt. Man führt die vormals zensierte Fassung der Oper auf, bei der der Handlungsort vom schwedischen Königshaus nach Boston in Amerika verlegt wurde. Der Gouverneur Riccardo und sein Freund Renato begehren dabei dieselbe Frau, was letztlich zu einem Showdown im dritten Akt der Oper führt. Vor allem wegen der pompösen Barock- und Rokokoähnlichen Kostüme von Christian Lacroix in der Schlussszene ist dieser Maskenball sehenswert. Die Inszenierung schafft ein weitgehend schwarzes Bühnenbild mit einem leuchtenden, weißen Rahmen, aus dem die Sänger immer wieder hervortreten und am Bühnenrand ihre Arien singen.
Zu Beginn schläft der Gouverneur Riccardo auf einem schwarzen, barocken Polstersofa. Umgeben ist er von dem Chor in dunklen Mänteln, die den Tod des beliebten Regenten planen. Trotz aller Beliebtheit gibt es die Verschwörer Tom und Samuel, die ihm nicht wohl gesonnen sind. Auf der Rückseite der Bühne sieht man ein übergroßes Gemälde von Riccardo mit seiner Puderperücke. Zu seinen Freunden gehört Renato, der ihn vor den Verschwörern warnen will. Aus dem Volk wird die Ausweisung der Wahrsagerin Ulrica gefordert, die mit dem Teufel im Bunde stehe. Auf einem Tablet serviert Oscar, der Diener einen Holzkopf, der bei dem Plan des Gouverneurs in Verkleidung eines Fischers diese Ulrica aufzusuchen, zu Boden fällt. Um 9 Uhr abends will er die Wahrsagerin aufsuchen und nach seinem Schicksal fragen.
Die Wahrsagerin Ulrica (Chariklia Mavropoulou) ist eine wahrhaft furchterregende Gestalt, die mit ihrem Stock den Teufel beschwört. Sie schafft es, vor den Augen des Kinderchores, im hinteren Bühnenteil zu verschwinden und dann gleich wieder rechts vorne aufzutauchen. Einem Matrosen sagt sie eine Beförderung voraus. Belustigt hilft der Riccardo mit einem Brief nach und befördert diesen Mann. Somit hat sich die Weissagung erfüllt. Ulrica lässt nun die Bühne räumen, denn es kommt Amelia, Renatos Frau. Die ist in den besten Freund ihres Mannes, nämlich dem Gouverneur verliebt. Ulrica sagt, am Galgenhügel wachse ein Kraut gegen die Verliebtheit, das sie des Nachts pflücken soll. Jetzt kommen wieder alle herein und Riccardo fordert sie auf, ihr aus der Hand zu lesen. Sie meint, wer so sein Schicksal herausfordert, wird einen frühen Tod sterben, durch den ersten, der zur Tür hereinkommt und die Hand gibt. Es ist Renato. Jetzt verhöhnt Riccardo Ulrica als Scharlatan, sie hätte weder erkannt, dass er der Gouverneur ist, noch hätte sie gewusst, dass sie ausgewiesen werden sollte. Das Volk, das ihn nun erkennt, feiert ihn stürmisch. Nur im Hintergrund hat das Bildnis rote Tränen in den Augen.
Im zweiten Akt kommt Amelia an den Galgenhügel um Mitternacht. Dargestellt nur durch eine kopflose, hängende Puppe. Mit einem Spot wird das Zauberkraut angeleuchtet, das gegen die Verliebtheit helfen soll. Ihr gefolgt ist Riccardo, der sie so lange bedrängt, bis sie ihre Liebe gesteht. Nun erscheint aber auch noch ihr Mann Renato, der Riccardo vor den Verschwörern warnen will. Sie tauschen ihre Mäntel, Amelia verschleiert sich und Riccardo fordert von Renato alle Eide, seine Bekanntschaft verschleiert bis zur Stadt zu bringen. Auf dem Weg wird Renato aber nun von den Verschwörern gestellt. Die wollen die Identität der Frau erfahren und Amelia entschleiert sich. Das wird ein schönes Gerücht in der Stadt geben. Die Verschwörer lachen sich ins Fäustchen und Renato beschließt, die Verschwörer in sein Haus einzuladen.
Im dritten Akt hat sich das Ehepaar auseinandergelebt. Man sitzt Rücken an Rücken auf einer schwarzen Bank und bespricht die Ehekrise. Renato will Amelia umbringen, doch vorher will Amelia sich von ihrem Sohn verabschieden. Das erklärt vielleicht die Idee mit dem roten ferngesteuerten Auto, das in dieser Szene über die Bühne fährt. Die beiden Verschwörer Tom und Samuel erscheinen. Diese haben beide noch offene Rechnungen mit dem Gouverneur, wie eben auch Renato. Man lässt sich einen Kübel Eis bringen, wo man das Eis in der Wohnung verteilt und dann das Los entscheiden lässt, wer Riccardo umbringen soll. Amelia zwingt man dazu, die Lose zu ziehen. Natürlich zieht sie ihren Mann und die Weissagung von Ulrica erfüllt sich. Auf die Verschwörung stoßen die Drei nun an. Amelia will aber ihren Geliebten warnen. Auf dem Maskenball plant man nun das Attentat.
Da tritt nun Riccardo allein vor den Bühnenvorhang. An der Rampe entsagt er nun vor einem Meergemälde mit Mond Amelia und beschließt, Renato und Amelia nach England zurückzusenden. Es hebt sich der Vorhang und man sieht einen riesigen stilisierten Kronleuchter und darunter die Kostüme von Lacroix der Ballbesucher. Trotz der Warnung, dass auf ihn ein Attentat verübt werden soll, geht Riccardo zu dem Ball. Das ist wirklich ein Höhepunkt der Oper, Renato sucht nun, die Verkleidung von Riccardo herauszubekommen. Er bedrängt Oscar, der aber sein Geheimnis nicht preisgeben will. Dieses ‚Saper Vorreste Di Che Si Veste‘ von Oscar ist für mich immer die Lieblingsstelle in der Oper. Die Lage spitzt sich weiter zu und Amelia muss nun ansehen, wie Riccardo von Renato erschossen wird. In einer langen Sterbeszene begründet nun der Graf, dass er Amelia nie berührt hätte und sie weiterhin unschuldig ist. Er vergibt allen, Kraft seines Amtes und stirbt mit dem Schuss in den Rücken.
Auch wenn alle die musikalischen Qualitäten der Aufführung gelobt haben, hat mich das Stück an diesem heißen Sommertag nicht so richtig packen können. Die Regie hält sich schwer zurück und die Sänger singen oft an der Rampe ohne große Aktionen ihre Arien. Ich hätte vorher vielleicht nicht den Fehler machen sollen und eine alte Callas-Aufnahme der Oper hören sollen. Die ist zwar aus dem Jahre 1957 und noch mono, aber irgendwie packender. Jetzt stellt sich natürlich die Frage, ob das Stück durch den Einsatz des Modeschneiders Lacroix zu retten ist. Irgendwie schon, finde ich. Der dritte Akt ist wirklich sehr gut umgesetzt. Der monströse Deckenlüster und die goldenen und weißen Kostüme der Ballbesucher sind ein echter Hingucker. Meine Lieblingsfigur im Stück, der Page Oscar, war mit Csilla Csövari hervorragend besetzt. Und ist nicht im Maskenball, der Ball die Hauptperson?

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In einer Wiederaufnahme zeigt die Bayrische Staatsoper München Verdis ‚La Forza del Destino‘ in einer Regiearbeit von Martin Kušej. Diese Inszenierung überzeugt vor allem sängerisch, die Darsteller sind ganz famos und es ist schwierig, an Karten zu kommen. Kein Wunder: Es singen Jonas Kaufmann und Anja Harteros in den Hauptrollen. Nicht nur das: Beide Sänger geben hier ihr Rollendebüt als Alvaros und als Leonora. So gelingt ein schöner Opernabend in München, für den die Anfahrt durchaus lohnt.
Die Inszenierung beginnt mit einem Abendessen im Hause Calatrava zur Symphonie am Beginn der Oper. Man sieht die gesamte Familie versammelt bei Rotwein und Suppe. Es steht ein silbernes Kreuz am Tisch. Dazu wird Brot gereicht. Am Boden sind Laubblätter verstreut. Die Szenerie versprüht einen Hauch der 70er Jahre. Dominiert wird die Szene durch einen großen Tisch, der sich wie ein roter Faden, in fast jedem Bühnenbild wieder findet. Der Bruder von Leonora ist bei dem Essen noch ein Knabe, der die folgenden Verwicklungen traumatisch erleben wird. Im ersten Akt erwartet Leonora de Vargas ihren Geliebten Alvaro, der indianischer Herkunft ist. In der Rolle des Mestizen Alvaro erlebt man Jonas Kaufmann mit langem Haarteil, wie er sich in den Vorhängen versteckt. Da der Vater nicht mit der Verbindung einverstanden ist, beschließt er, seine Geliebte zu entführen. Sie will sich aber erst noch von ihrem Vater verabschieden. Dieses Zögern führt nun zu der Wendung, dass ihr Vater erscheint und die Festnahme von Alvaro anordnet. In dem Moment ziehen auch die beiden Bodyguards ihre Pistolen, die vier Männer bedrohen sich gegenseitig mit den Pistolen. Schließlich gibt Alvaro doch auf und wirft die Pistole vor dem Marchese auf den Fußboden. Dabei löst sich ein Schuss, der den Marchese von Calatrava tödlich trifft. Sterbend verflucht er seine Tochter, diese fliehen und verlieren sich dabei aus den Augen.
Die nun folgende Schenke im Dorf Hornachuelos in Spanien, sieht eher aus, wie eine Burgruine. Im dortigen Treiben der Leute begegnen sich wieder zufällig der nun erwachsene Don Carlo de Vargas. Er schwört Rache für den Tod an seinem Vater, dessen Schuld er eindeutig bei seiner Schwester und dessen Geliebten vermutet. Seine Schwester ist ebenfalls unter der Menge als Mann mit schwarzem Hut verkleidet. Als sie ihren Bruder erkennt, entfernt sie sich von der Menge. Es erscheint eine junge Zigeunerin, die Freiwillige für den Krieg in Italien sucht. Don Carlo glaubt nun, die Spur seiner Schwester verloren zu haben, und beschließt in den Krieg zu ziehen. Dabei erzählt er, er sei ein Student namens Pereda. Der Schwester gelingt es nun, in der Nacht zu fliehen. Die nun folgende Szene vor dem Franziskanerkloster spielt an einer faltbaren Trennwand. Wieder steht der Tisch auf der Bühne. Links steht ein Gummibaum, vielleicht ein Symbol für die Hoffnung. Leonora ist immer noch als Mann verkleidet und möchte ins Kloster aufgenommen werden. Mit der wunderbaren Arie (Madre, pietosa Vergine) versucht sie in der Einsiedelei von dem Fluch ihres Vaters zu entkommen. Pater Guardian erzählt sie nun ihre Geschichte und sie gibt sich als Frau zu erkennen. Sie möchte nicht in ein Kloster, sondern in der Einsiedelei ihr Heil finden. Dieser weist ihr nun eine Einsiedelei zu, die sie nicht mehr verlassen soll. In dem nun folgenden Einweihungsritual taucht ein Double in ein großes weißes Wasserbecken ein. In einer Art Wiedertäuferritual wird Leonora aufgenommen. Die Mönche sind alle in weißen Anzügen. Pater Guardian befiehlt allen Mönchen, das Geheimnis von Leonora zu bewahren. Er belegt einen weiteren Fluch auf denjenigen, der dieses Geheimnis verraten soll.
Die vorderste Stellung bei Velletri in Italien ist eher ein Schlachthaus mit gekachelten Wänden, in das eine riesige Granate eingeschlagen hat. Hier sinniert Alvaro über seine Geburt nach. Es steht auch ein Verhöropfer mit schwarzer Kutte auf der Bühne. Es geht ziemlich zu, der Krieg scheint eine sehr dreckige Angelegenheit zu sein. Alvaro hat einem Hauptmann, der rein zufällig der Bruder von Leonora war, das Leben gerettet. Beide erkennen sich nicht und schwören sich ewige Freundschaft. Don Carlo war wohl an der linken Schläfe verwundet. Die Schlacht beginnt in rotem Licht und die Soldaten rennen von rechts nach links über die Bühne. Schließlich wird auch Alvaro verwundet. In einer Art Vision sieht er Leonora aus dem Grab aufsteigen und die Bühnenwand hochlaufen. Don Carlo soll ein Päckchen ins Feuer werfen, das die Herkunft von Alvaro preisgeben würde. Fast will er es öffnen, besinnt sich aber auf seinen Schwur, dieses Päckchen ungeöffnet zu verbrennen. Dennoch findet er nach etwas Suchen ein Bild von Leonora. Dann besteht kein Zweifel: Er hat da wirklich den gesuchten Liebhaber seiner Schwester vor sich. Dennoch beschließt er, Alvaro erst gesund zu pflegen, um sich später zu rächen. Die beiden ehemaligen Freunde gehen nach der Genesung auch aufeinander los, nur mit Mühe kann man sie trennen. Alvaro geht daraufhin ins Kloster. Es findet eine wüste Siegesfeier statt, bei der am Ende alle sortiert am Boden liegen. Die Zigeunerin Preziosilla geht zwischen den liegenden Personen durch und singt ihren Kriegsgesang, ein Rataplan.
Fünf Jahre später hat sich Alvaro genau in das Kloster geflüchtet, in der auch Leonora Zuflucht gesucht hat. Hinter der Schiebewand wartet das hungrige Volk auf Essensbehältnisse aus Styropor, die die Mönche verteilen. Aber auch hier ist das Verstecken von Don Carlo zwecklos. Die beiden treffen wieder aufeinander. Alvaro hat auf ein Duell aber keine Lust, er bleibt so lange zurückhaltend, bis ihn Don Carlo eine Ohrfeige gibt und ihn wegen seiner Herkunft beleidigt. Es kommt schließlich zum Kampf. Die nun folgende Arie der Leonora wird etwas zum Suchspiel. Leonora singt ihr (Pace, pace, mio Dio) hinter einem dieser vielen weißen Kreuze, die plötzlich auf der Bühne sind. Sie nimmt auch das Brot von Anfang in die Hand und sagt, dass sie dieses Brot nicht satt macht. Am Ende der Arie schleppt sich Don Carlo durch die Kreuze an den Tisch und stirbt schwer verletzt. Als er seine Schwester sieht, gelingt es ihm noch, die Rache an seinem Vater durchzuziehen und ersticht Leonora. Zurück bleibt ein verstörter Alvaro, dem Pater Guardian einen Ausblick auf ein Wiedersehen im Himmel bieten. Alvaro nimmt das silberne Kreuz vom Tisch und verschwindet in der Ferne.
Was für eine tolle Kombination an Sängern, die hier in der Aufführung auftreten. Lang anhaltender und verdienter Applaus für Jonas Kaufmann und Anja Harteros. Diese Aufführung ist wirklich ein Genuss, bei dem man ins Schwärmen kommt. Der Weg zu den Karten war auch dem entsprechend lange und die Erwartungen dementsprechend hoch. Gerade die beiden Arien der Leonora sind große Klasse. Das Stück in sich soll als Vision von Leonora aufgezogen sein. Wie es bei Visionen so ist, werden nicht alle Fragen in der Inszenierung beantwortet. Es gibt aber tolle Effekte, wie die Szene im dritten Akt, bei der Leonora aus dem Grab steigt und senkrecht an der Bühnenwand hochgeht. Auch die Kriegsszene im gekachelten Schlachthaus ist drastisch umgesetzt. Hingehen lohnt also in jedem Fall.

Im Nürnberger Opernhaus findet derzeit der Ring seine Fortsetzung. Peter Schmiedleitner nimmt den übergroßen Pathos dieses Werks dabei reichlich aufs Korn. Während im Orchestergraben die große Wagnermaschinerie ein Tosen hervorbringt, geht es auf der Bühne teilweise recht prollig zu. Die Endzeitstimmung der beiden ersten Teile findet ihre Fortsetzung. Man erkennt viele Teile der vorherigen Inszenierungen wieder und ist teils entrüstet, teils amüsiert, was der Regisseur mit dem Siegfried so anstellt. Eines ist sicher, es ist dabei alles andere als langweilig auf der Bühne.
So ist denn Siegfrieds Kinderstube bei Mime eine etwas unaufgeräumte Zweier-WG mit Backofen, Kühlschrank, Doppelstockbett und eigener Waschmaschine. Es gibt einen Laufsteg in die weite Welt im linken Bereich. Die Wohnung hat einen grünen Teppich. Im Backofen hat Mime eine Flasche Hochprozentiges versteckt, aus der er immer wieder mal einen Schluck nimmt, aus Kummer, weil er Nothung, das Schwert nicht schmieden kann. Derweil hält er den Haushalt aufrecht und wäscht mit der Waschmaschine die Wäsche von Siegfried. Mit Eiern und Cornflakes bereitet er ihm seinen Brei, damit der groß und stark wird und ihm den Ring und den Tarnhelm von Fafner, dem Wurm bringen kann. Siegfried hat eine rote Schlabberhose an, ein orangefarbenes T-Shirt und rote Hosenträger. Als er von der Jagd kommt, bringt er gleich eine ganze Bärenbande mit, was Mime sehr missfällt. Von den Beobachtungen der Natur angeregt, stellt Siegfried fest, dass Mime nie sein Vater sein kann und bricht noch einmal auf. In der Zwischenzeit taucht Wotan auf. Auch er kommt nicht so richtig als Gott daher, sondern hat eine rote Baseballkappe auf und einen Einkaufstrolley. Darin hat er die Zeitung und liest immer wieder darin. Bei der nun folgenden Rätselszene kommt immer wieder ein Scheinwerfer zum Einsatz, so dass ein weißer Stuhl, quasi wie in einer Quizshow Platz für den Befragten bietet. Als Erstes ist Wotan von Mime mit drei Fragen nach den Bewohnern der Welt dran. Es geht um nichts anderes, als um Wotans Kopf, wenn er die Fragen nicht beantwortet. Als diese richtig beantwortet sind, nimmt Mime auf dem Quizstuhl Platz und Wotan stellt die Fragen. Bei den ersten beiden Fragen ist Mime noch gut dabei. Bei der Beantwortung, wer der Schwert schmieden soll, das im Streit in der Walküre an Wotans Speer zu Bruch ging, scheitert er aber. Da hilft auch kein Publikumsjoker, Mime wird zwar nicht sofort, aber im Laufe der Handlung, seinen Kopf verlieren. Es kehrt Siegfried von der Jagd zurück und Mime hat sich nun ganz auf den Haushalt und das Hochprozentige verlegt. Während der Schmiedeszene, die nun folgt, randaliert Mime stockbetrunken in seiner eigenen Wohnung. In der Zwischenzeit stößt ein Ofen immer wieder richtiges Feuer im Rhythmus zur Musik aus. Siegfried steht bei der Schmiedeszene teilweise auf der Waschmaschine und fächelt mit einem Backblech dem Feuer frische Luft zu. Durch Einschmelzen von Nothung gelingt Siegfried schließlich, das Schwert neu zu schmieden. Mit einem Pyrotechnikeinsatz knallt es ziemlich, als Siegfried schließlich am Ende des Aktes auf die Deckenlampe und den Kühlschrank einschlägt.
Im zweiten Akt begegnen sich der Licht- und der Nachtalb. Wotan und Alberich streiten von der Neidhöhle um den Ring und um die Vorgeschichte, was im Rheingold alles so schief gelaufen sei. Die Szenerie ist eine zerbrochene Autobahn, an deren Rand eine Kinderblechrutsche steht. Beide wollen sie den Ring, der von Fafner bewacht wird. Wotan sagt aber, dass sein Plan schließlich aufgehen wird, denn Siegfried sei mit seinem Bruder Mime unterwegs zur Neidhöhle. Siegfried soll hier von Mime das Fürchten lernen, denn der Schlund des Drachenwurms wäre gar furchterregend. Die beiden Alben können sich aber nicht leiden. In der Diskussion pinkelt Alberich schließlich auf Wotan. Wotan rächt sich etwas später mit einer Spuckattacke. Die beiden gehen weg und machen nun Platz für Siegfried und Mime. Genauer gesagt gibt es einen doppelten Siegfried. Der Hornist aus dem Orchester kommt als Look-a-like von Siegfried auf die Bühne und provoziert den Drachen mit seinen Hornrufen vor der Höhle. Vorher unternimmt er noch eine Fahrt auf der Rutsche. Schließlich wacht Fafner auf, die gesamte Autobahn fängt nun sich an zu bewegen zu den Wagnertuben und wird von unten hinterleuchtet. Fafner kommt nun selbst auf die Bühne und es kommt zum Gerangel zwischen Siegfried und Fafner. Dabei darf der Held kopfüber singend nach dem Schwert greifen und schließlich den Drachen töten. Ein echter Held kann so etwas. In dem Blut des Drachen badet schließlich Siegfried und kann im Anschluss sogar den Waldvogel verstehen. Der kommt in schwarz, mit Luftballons als Flughilfe und auf Krücken daher. Dass die schwarzen Miniflügel für einen Flug in den Bühnenhimmel nicht reichen, ist klar. Da müssen schon die bunten Ballons nachhelfen. Siegfried holt sich also Ring und einen goldene Tarnweste aus dem Schatz des Drachenwurms. Das Drachenblut lässt ihn aber auch Mimes wahre Absichten verstehen. So fliegt Mime nun auf, dass es ihm nur um den Ring geht, er Siegfried nur missbraucht hat und eigentlich gar nicht mag. Als er schließlich Mordabsichten in Form eines Giftanschlags auf Siegfried äußert, rächt sich Siegfried und bringt Mime um. Die beiden liegen dann nun recht plakativ auf dem Autobahn-Ende vor der Neidhöhle. Unterdessen weißt der Waldvogel Siegfried den Weg zum Feuerfelsen von Brünnhilde.
Auf dem Weg zum Walkürenfelsen kommt man schließlich an eine Autobahntoilette vorbei. An der Wand steht das ausgestrichene Siegmund aus der Walküre. Das scheint der ideale Platz für eine Ehediskussion zwischen Erda und Wotan zu sein. Um für seine erste Frau, mit der er die Walküren gezeugt hat, Platz zu machen, muss er erst mal die Männer aus der Toilette rauswerfen. Dann wird eilig ein Picknick mit Klappstühlen improvisiert und Erda aus der Bühnenversenkung gerufen. Die kommt mit elegantem Abendkleid, aber mit blankem Busen zum tete-a-tete mit Wotan. Wotan ist ganz begeistert, dass alles so nach Plan läuft. Den Zahn zieht im Erda aber, als sie meint: Der Held, den du förderst, wird dein Ende einläuten. Die Weissagung von Erda ärgert ihn und er schickt sie zurück mit Augenbinde in die Versenkung. Siegfried in Begleitung des Waldvogels trifft nun auf Wotan. Vorher muss aber auch mal Siegfried kurz für kleine Jungs. Dann nimmt er aber den Kampf mit Wotan auf und bricht schließlich im Kampf dessen Stab. Für Siegfried ist Wotan nur ein lästiger Alter, der ihn vom Weg zum Walkürenfelsen abhalten will. Während des Feuerzaubers steht Siegfried allein vor der geschlossenen Bühne. Auf den weißen Bühnenrahmen werden Flammen projiziert und das Orchester dreht voll auf. Schließlich sieht man einen weißen Stoffhimmel, auf dem Brünnhilde schläft. Von der Walküre kennt man noch den Spruch: Wir rufen Dich, der auf dem Altar liegt, wo Brünnhilde schläft. Es regnet bunte Blüten vom Bühnenhimmel. So recht weiß Siegfried nicht, wie er Brünnhilde wecken soll. Er entschließt sich aber für die klassische Kuss-Variante, da rufen nicht zu helfen scheint. Auf der einen Seite, ist er von dem Anblick einer Frau ziemlich verwirrt und fürchtet sich nun fast. Das Aufstehen ist dabei für Brünnhilde nicht so leicht und braucht drei Anläufe, bis sie wach ist. Auf der anderen Seite ist Brünnhilde erwacht und fällt auf der Bühne gleich über Siegfried her. Schließlich besinnt sie sich ihres Verlustes und zögert etwas. In den Vorhängen des Gemachs wird teilweise Versteck gespielt. Als sie dann doch einwilligt, Siegfrieds Frau zu werden, holt Siegfried die Ledercouch aus dem Rheingold auf die Bühne. Sie machen es sich gemütlich, Nothung dient als Flaschenöffner für zwei Bierflaschen und Brünnhilde holt schnell noch Sekt und Chips. Um es noch heimlicher zu machen, holt Siegfried noch einen Flachbildschirm auf die Bühne. Es fährt zum Finale ein Hochzeitstisch mit Torte aus dem Bühnenboden. Am Rande steht ein Tod auf der Bühne, der im Finale besungen wird. Chips essend endet nun dieser Siegfried.
Wie man auch zu diesem Regieansatz stehen mag, das Orchester und die Sänger liefern einen großartigen musikalischen Rahmen. Markus Bosch dirigiert sehr einfühlsam und lässt den Sängern den Raum, mit ihren Textpassagen durchzudringen. Andererseits versteht er es auch wie im Feuerzauber, voll aufzudrehen, sich aber kurz darauf bei Brünnhildes Erwachen stark zurückzunehmen. Die Punkte gehen diesmal voll auf das Konto der Musik. Am Ende des ersten Aktes ist ein wahrer Aufschrei im Publikum zu hören, der von Begeisterung zeigt. Siegfried hatte das Schicksal, nicht nur gegen den Drachen und die ellenlange Partie, sondern auch mit den Birkenpollen kämpfen zu müssen. Aber selbst eine ausgeruhte Brünnhilde konnte ihn nicht aus der Fassung bringen. Das Rollendebüt für Vincent Wolfsteiner gelingt also trotz der Launen der Natur. In der Presse kam Rachel Tovey als Brünnhilde nicht so gut weg. Dies war in der zweiten Aufführung deutlich besser und weniger schrill scheinbar als in der Premiere. Allerdings habe ich selten so einen schönen Mime wie hier gehört. Die Rolle verlangt eher eine Art Sprechgesang, was hier Peter Galliard sehr melodisch anging. Die Launen der Regie ertrug das Publikum in der zweiten Vorführung aber mit Fassung. So gab es nur ein leises Buh gegen Ende des zweiten Akts. Die Frage ist nun, darf die Regie so etwas machen? Ich war nun auch in einer Bühnenorchesterprobe und habe die Intention des Regisseurs verstanden, gottverlasse Orte am Rande der Zivilisation zu inszenieren, an denen sich kein Gott und kein Mensch mehr aufhalten möchten. Daher auch die Idee mit der kaputten Autobahn und der Raststätte. Es regieren im Rheingold nicht mehr die edlen Götter, sondern eher die prolligen Helden in Schlabberhosen, die ihr Glück darin sehen, Chips essend auf einer Couch beim Fernsehen zu sitzen. Mit dem Siegfried wurde schließlich der Teil des Rings aufgenommen, den ich selbst am öftesten gesehen habe. Ich war in den 5 ¼ Stunden jedenfalls gut unterhalten, was hauptsächlich an der Musik lag, aber auch an den vielen Regieeinfällen.

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Mit ‚König Roger‘ von Karol Szymanowski bringt das Opernhaus Nürnberg in der Reihe slawischer Opernkomponisten, dessen bekanntestes Opernwerk auf die Bühne. Dabei hört man polnisch und ist über die Übertitel dankbar. Lorenzo Fioroni verlegt den Ort der Handlung etwas von Sizilien auf eine der überlaufenen Mittelmeerinseln, vielleicht könnte es Lampedusa sein. Wie und ob man jetzt den Bogen von der Flüchtlingsthematik zu der Religionsthematik des Stück gespannt bekommt, sieht man sich am besten selbst vor Ort an. Mir persönlich war die Brücke (Sizilien als Handlungsort) etwas zu dünn als Bindeglied zwischen der Inszenierung und der eigentlichen Handlung der Oper. Um was es der Regie dabei geht, wird mit Laufband-Texten von Auswanderern von damals und heute verdeutlicht. Die Szenerie spielt sich auf dem Landungssteg an, der mit einem Fresko des Bacchus verziert ist. In der Figur des Königs Roger des II, eines Normannenkönigs, der im 12 Jh. wirklich gelebt hat, findet man den historischen Ankerpunkt der Handlung. Diese Bassrolle wird von Mikolaj Zalasinski sehr gut umgesetzt. Das Auftauchen des Hirten und die Handlung ist dagegen pure Fiktion. Der Komponist lässt hier auch zwei Musikstile aufeinanderprallen: die Harmonien christlich, orthodoxer Gesänge mit den impressionistischen und schillernden Klängen moderner Opernkompositionen. Mit dieser neuen Komposition macht der Hirte dem König schließlich sein Volk abspenstig. In der Tradition eines modernen Rattenfängers entführt er dessen Volk.
Die Oper beginnt mit einem szenischen Vorspiel. Es wird ein Grab für den Vater von König Roger ausgehoben. Schon 20 Minuten vor der eigentlichen Oper finden Aktionen auf der Bühne statt. Es findet sich die königliche Trauergemeinschaft am Landungssteg ein. Den Abschluss bildet ein Kinderchor. Wer jetzt drüber sinniert, ob die Einstimmung des Orchesters schon Teil der Musik ist, dem kann geholfen werden: Sie stimmen sich nur ein. Schließlich beginnt die Trauerfeier für den toten König, in pompöser Weise setzt der gesamte Chor ein und zelebriert eine Totenmesse. Auf dem Landungssteg schneit es zudem. Die Zuschauer hören immer wieder Meergeräusche. Auf dem Steg befinden sich viele Lichtmasten, die zur Lichtregie gehören. Mit großem Getöse wird der neue König ausgerufen. Man berichtet aber gleich von dem ersten Problem, einem rothaarigen, mysteriösen Hirten, der dem einfachen Volk neue Heilsversprechen macht und damit die kirchlich verankerte Macht von König Roger in Frage stellt. Dagegen protestiert der Erzbischof und fordert König Roger zum Handeln auf. Schließlich stimmt auch das Volk ein und ruft nach der Bestrafung des Gotteslästerers. Der Hirte erscheint wirklich auf der Bühne und schildert seinen Gott als schönen, jungen Mann, der allen die Freiheit schenkt. Sofort verfällt die Frau des Königs Roxane dessen schönen Augen und seinem Charme, der sich auch in der Musik des Hirten ausdrückt. Sie übernimmt dessen Gesangsschema und bittet mit Edrisi, seinen Berater, um Milde für den Hirten. Sie wünscht, dass er eine Gerichtsverhandlung bekommt. Der König willigt schließlich ein und gibt dem Hirten die Losung, mit der er die Wache passieren kann. Der Vorhang senkt sich und man bekommt die Zitattexte von Auswanderern nach Amerika zu lesen, die von der Neuen Welt desillusioniert sind. Schließlich beginnt der zweite Akt, der im Palast spielt. Der Hirte war aber schon fleißig und hat es geschafft, das Volk von König Roger zu verführen. König Roger versucht immer noch herauszufinden, woher der Hirte kommt und was ihn bewegt. Der Hirte verliert sich aber in Andeutungen, verweist aber darauf, wie erfolgreich er bei Rogers Volk mit der Werbung war. Mit einer roten Sporttasche betätigt sich der Hirte nun als Schlepper, der dem verführten Volk durch das Ausstellen von Dokumenten zu einem neuen Leben in Freiheit verhelfen will. An einem Tisch nimmt er das Geld und den Schmuck der Bevölkerung entgegen. Roger sieht nun seine Anhänger und seine Frau Roxane dem Hirten nachlaufen. Der König verliert so alle Macht. Dabei steigert sich die Musik in extremes Forte und wird sehr atonal. Wieder fällt der Vorhang und man liest Texte von Auswanderern nach Nürnberg aus dem Jahr 2013, deren Erwartungen sich nicht erfüllt haben. Im dritten Akt ist König Rogers Macht dann komplett verschwunden, Edrisi, sein arabischer Berater, setzt sich einen Schuss, um der Trostlosigkeit der Lage zu entkommen. Nur als Stimme und in der Ferne gibt sich der Hirte nun als Dionysos zu erkennen. Rogers Welt stürzt mit lautem Getöse auf die Bühne, vom Himmel fällt dabei auch seine tote Frau Roxanne. Die Lampen des Landungsstegs kippen alle um, es fällt reichlich Unrat auf die Bühne und die ganze Szenerie wirkt ziemlich unaufgeräumt. Rot leuchtet nun der Landungssteg in der Morgensonne. König Roger schafft es aber am Schluss, sich dem Zauber des Hirten durch ein Opfer zu entziehen und singt seinen Abschlussmonolog nur mit einer Unterhose bekleidet an einem Laternenpfahl.
Die Oper startete an diesem Abend mit einer guten Stunde Verspätung, denn Ekaterina Godovanets war erkrankt. Man musste Ersatz aus Warschau über Zürich einfliegen, weshalb sich die Aufführung verzögerte. Die Zeit überbrückte man mit Freigetränken und einer ausführlichen Einführung in das Werk durch Kai Weßler. Das Problem der ausgefallenen Roxane löste man, in dem an diesem Abend der Ersatz aus der Loge sang. Roxane musste nur auf der Bühne agieren. Jacek Kaspszyk holt wirklich erstaunliche Klänge aus dem Orchestergraben und schafft es, die Musikstile der Oper gut gegeneinander aufzustellen. Manchmal muss man die Solisten bewundern, wie sie sich gegen die Klanggewalt aus dem Orchestergraben durchsetzen müssen. Den Bezug zur Flüchtlingsthematik sieht man auch mit der Flagge ‚Mare Nostrum‘, die eine Operation der italienischen Marine zur Seenotrettung von Flüchtlingen und zur Eindämmung der Schleuserproblematik war. Insgesamt also eine Inszenierung, die in 80 Minuten viele Fragen unbeantwortet lässt.

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Die leichte Muse hat wieder mal das Opernhaus Nürnberg geküsst und bringt die Musical-Adaption des Films ‚Singin‘ in the Rain‘. Melissa King führt mit leichter Hand Regie und bringt mit wenigen Filmrequisiten echtes Hollywood-Flair ins Opernhaus. So werden immer wieder sechs große Plastikpalmen über die Bühne geschoben, eine übergroße Scheinwerferattrappe, Schminkspiegel oder Regiestühle. Die Einführung des Tonfilms in Hollywood scheint die Branche damals sehr getroffen zu haben, so handelt auch dieses Musical vom Umbruch, der damals stattgefunden hat. Im Gegensatz zu Sunset-Boulevard, nimmt hier alles eine gute Wendung, es gibt keine Toten und am Ende kriegen sich die beiden Hauptdarsteller.
Zu Anfang sieht man den Auftrieb zu einer Filmpremiere einer der letzten großen Stummfilme des Traumpaars Don Lockwood und Lina Lamont. Der Reporterin erzählt Don Lockwood von seinen ersten Auftritten als Stepptänzer und man sieht ein Kinderdouble, wo er und sein bester Freund die erste Nummer tanzen. In einer Art Überblendung tanzen dann Cosmo Brown und er im karierten Anzug eine Stepptanz-Geigennummer. Schon jetzt darf aber seine blonde Partnerin Lina nicht ans Mikrofon, man zieht sie immer wieder weg. Man sieht eine Filmeinspielung des Historienstreifens, der soeben gezeigt wurde. Dieser wurde im Hirsvogelsaal gedreht und zeigt neben beeindruckenden Fechtszenen, fränkisch, historisches Fachwerk. Lina entwickelt sich im Lauf der Handlung zu einer echten Giftspritze und hat, neben den blonden Locken, relativ wenig zu bieten. Gerade ihre schrille Stimme versucht man dort, schon zu verheimlichen. Anschließend soll eine große Filmparty steigen, zu der Don aber keine rechte Lust hat. Er schickt seinen Freund Cosmo als Double ins Auto und vertritt sich selbst an einem Boulevard die Beine. Dort wird er von den Verehrerinnen gleich als Star erkannt, er setzt sich aber zu einer Unbekannten und gibt vor, ihr Freund zu sein. Diese Frau ist von den Annäherungsversuchen nicht begeistert und ruft die Polizei. Aber auch die erkennt den Star und lässt Don gewähren. Die Verehrerinnen ist er aber durch die Finte losgeworden. Die Unbekannte gibt sich als Kathy Selden zu erkennen. Sie währe Schauspielerin und hat für die Filmkunst eigentlich nichts übrig. Sie träumt von einer Karriere am Broadway. Dann kehren aber die Verehrerinnen zurück und bedrängen Don erneut. Er flieht schließlich mit einem zerrissenen linken Arm auf die After-Film-Party. Dort zeigt der Studioboss einen Kurzfilm, in dem er die Möglichkeiten des Tonfilms aufzeigt. Die Stars von damals halten den Tonfilm aber für eine Modeerscheinung und sind wenig angetan. Die Party geht dennoch weiter und aus dem Hintergrund wird eine große Torte geschoben. Aus dieser springt nun Kathy im knappen Kostüm. Es folgt eine tolle Stepptanz-Nummer von Kathy und ihren Kolleginnen. Mit den Worten: Ich wusste nicht, dass sie in einer Torte wohnt, macht sich Don über die Nebeneinkünfte von Kathy lustig. Dies ärgert Kathy so, dass sie eine Torte nach Don wirft, die Lina im Gesicht landet. Mit dieser Attacke sind Lina und Kathy nun Feinde und Lina lässt keine Gelegenheit aus, ihrer Rivalin eines auszuwischen. So erfährt Don nun an einem Drehset zu einem Film über die Französische Revolution, dass sie gegen Kathy intrigiert hat und diese aus der Tänzertruppe werfen ließ. Während eines Stummfilmdrehs scheinen solche Unterhaltungen möglich gewesen zu sein. Trotz eines innigen Kusses hasst nun Don Lina dafür und beschließt Kathy zu suchen. Er findet sie auch wieder und gesteht ihr seine Liebe. Nachdem nun Warner mit dem Film Jazzsinger einen durchschlagenden Erfolg hatte, was historisch auch so richtig ist, beschließt der Filmboss, dass das Historiendrama über die Französische Revolution als Tonfilm gedreht worden soll. Als echter Filmer kennt man die Tücken, mit denen die Regie nun zu kämpfen hat. Da ist zum einen Linas schrille Stimme, ihr Talent, nie ins Mikro zu sprechen, Nebengeräusche zu erzeugen. Die Tonregie ist mit den Nerven am Ende am Drehset. Gerade dieses Hadern mit der neuen Technik ist, umwerfen komisch, so hört man Herzklopfen, raschelnde Fächer und sonstige Aussetzer. Nach diesem Debakel also beschließt man, allen Schauspielern Phonetikunterricht zu geben, um die Aussprache zu verbessern. Die Sprachübungen sind Zungenbrecher zuerst in Deutsch, dann aber auch in Englisch. Die Testvorführung des Films ist aber ein Desaster. Der Ton ist schrecklich, nicht synchron zum Bild und Linas Stimme gibt den Rest. Schließlich kommt Cosmo auf die rettende Idee Kathy für Lina sprechen und singen zu lassen. Der Film wird also nach vertont, man sieht immer die Filmeinspielungen mit quäkendem Lina-Ton und später mit Kathys Stimme. Der Film wird schließlich zu einem Musical umfunktioniert. Und weil man auch eine Stepptanznummer drin haben will, schließlich komplett umgeworfen. Von der Aussicht, dass der Film mit diesem Schachzug dennoch ein Erfolg werden wird und dass Don und Kathy ein Paar werden könnten, kommt der große Hit des Musicals. Dabei lassen es die Bühnenarbeiter auf der Bühne mit einer echten Gießkanne regnen. Mit diesem Ohrwurm wird man in die Pause entlassen.
Nach der Pause intrigiert Lina nun weiter und versucht nun Kathy und Don auseinanderzubringen. Ihre beste Freundin hat ihr zugetragen, dass das Tortengirl nun ihre Synchronstimme ist. Die Chancen von Lina, einen Skandal zu verhindern, sinken aber. In einer total schiefen Gesangsnummer beweist Sophie Berner echtes Gesangstalentversagen. Alle Achtung, so schief muss man das erst mal hinbekommen. Schließlich wird der Film mit der Synchronstimme von Kathy ein großer Erfolg. Bei der Premiere will das Publikum aber nun auch Lina zuerst sprechen hören und dann auch noch singen. Man zwingt nun Kathy hinter die Bühne, für Lina zu singen. Schließlich ziehen Don und Cosmo den Vorhang auf und man sieht Kathy. Dann drängt auch Cosmo ans Mikro und brüskiert Lina vollständig. Kathy nimmt Reißaus, wird aber im Rampenlicht noch aufgehalten und von Don als wahre Stimme von Lina präsentiert. Mit einem Filmkuss endet das Musical. Es folgt zum Schluss noch einmal eine Tanznummer mit gelben Regenmänteln zum Hit des Musicals.
Was will man zu einem Paket an purer Lebensfreude und Stepptanznummern anderes sagen als: gut gemacht. Das Orchester klingt nicht zu geschliffen und bringt die Musicalnummern sehr jazzig. Es erklingt das Singin‘ in the rain gleich dreifach, gute Laune Nummern wie ‚Good Morning‘, 'Make 'em Laugh' und viele andere Evergreens von Herb Brown. Die Filmeinspielungen geben dem Stück die nötige Authentizität und wurden mit Filtern nachbearbeitet, sodass man ganz das Gefühl hat, in die Zeit versetzt zu sein. Gerade diese Szenen, in denen die ersten Ansätze des Tonfilms an den technischen Unzulänglichkeiten und den Anfängerfehlern scheitern, sind umwerfend komisch. Eine echte Liebesgeschichte bringt die nötige Portion Herz-Schmerz ins Stück. Dass Cosmo bei dem Spiel immer als Gehilfe von Don, am Ende doch leer ausgeht, nimmt man hin. Die Kostüme sind toll im Stil der 20er Jahre und sehr farbenfroh. Kein Wunder, dass diesmal das Opernhaus voll besetzt war.

Quelle: YouTube | Staatstheater Nürnberg