Ein Musical aus den 90er Jahren, nämlich Miss Saigon, hat mich nach Köln verschlagen. Dort hat man das Stück für drei Monate in einer überarbeiteten Version von 2013 wieder ins Programm genommen. Die Dialoge wurden etwas verändert, es gibt ein paar neue Sequenzen und ein neues Lied für Ellen. Dieses Musical war eine Art Schlüsselerlebnis, bei dem die Leidenschaft für Oper entstanden ist. So hat dieses Musical eben kaum Sprechpassagen und in den 155 Minuten wird viel gesungen, auf Englisch mit roten Seiteneinblendungen. Man hat aber die Szenen, die mich damals beeindruckt hatten, wie der Hubschrauberstart an der Botschaft in Saigon und die Szene mit dem Cadillac kurz vor Schluss trotz der Einschränkungen des Musicaldomes unverändert gelassen. So war das ein sehr würdevoller Trip in die Vergangenheit des Opernblogs. Die Handlung ist an Puccinis Madame Butterfly angelehnt. Der Offizier Chris hat von einer Nacht mit der Vietnamesin Kim ein Mischlingskind. Die Handlung springt dabei immer etwas und erzählt dann teilweise in Rückblenden, wie es zu der Trennung in Saigon kam und warum Chris in Amerika wieder geheiratet hat. Das Musical endet tragisch, als Kim die Hoffnung hat, mit Chris nach Amerika gehen zu können. Sie muss aber erkennen, dass er inzwischen verheiratet ist und nur sein Kind holen will. Sie erschießt sich am Ende.

Die Handlung startet in einem Nachtklub von Saigon. Die 17-jährige Kim flüchtet vor den Kriegswirren in die Stadt, es herrscht Endzeitstimmung. Der sogenannte Engineer, eine Art Zuhälter, organisiert die Wahl der Miss Saigon. Eine Gruppe Gis darunter Chris kommen in die Bar. Die ist drehbar und vielseitig verwendbar. Links neben der Bar gibt es eine bunte Musikbox. Chris ist vom schüchternen Auftreten Kims fasziniert. Kim und Chris kommen sich beim Tanz zu Saxofonklängen näher. Sie verschwinden in ein Zimmer in der rechten Bühnenhälfte. Chris verliebt sich so kurz vor Kriegsende tatsächlich in Kim und löst sie aus. Die schönste Szene in dem Stück ist für mich immer noch die Hochzeitszeremonie, die dann stattfindet. Dort singen die Damen der Bar ein vietnamesisches Lied. Drei Jahre später ist die Zeit vorangeschritten. Die roten Soldaten von Ho Chi Minh haben die Macht übernommen und marschieren martialisch auf. Ein roter Glücksdrache mit echtem Rauch eröffnet die Szene. Die roten Horden legen ein Ballett mit Gewehren und dreieckigen Hüten hin. Im Hintergrund ist eine überlebensgroße Büste von Ho Chi Minh. Der Ex-Verlobte von Kim ist ein Kommissar und bittet seine Verlobte zurückzukommen. Sie lebt in einem Flüchtlingslager. Unterdessen träumt Chris immer noch von Kim in Amerika bei seiner neuen Frau Ellen. Kim kann nicht zurück zu dem Kommissar, da sie ein Kind von Chris hat. Als dieser den Sohn beseitigen will, erschießt sie ihren Ex-Verlobten. Der Engineer, der Kim im Flüchtlingslager ausfindig gemacht hat, erkennt die Chance des Sohnes eines GIs und gibt sich als Kims Bruder aus. Er hat sogar noch Juwelen aus den besseren Zeiten von Saigon aufgehoben. Sie schließen sich dem Flüchtlingsstrom an und verlassen Vietnam.

Den zweiten Akt eröffnet eine Einblendung von Mischlingskindern. Chris setzt sich für die sogenannten Bui-Doi ein, die in einem Programm nach Amerika geholt werden sollen. Die Mischlingskinder leben unter erbärmlichen Umständen in Heimen. Chris erfährt, dass er selbst einen Sohn hat, der mit Kim inzwischen in Bangkok lebt. Chris beschließt, mit Ellen nach Bangkok zu fahren. Er landet in der roten Halbwelt von Bangkok. Unter roter Reklame vertickt der Engineer billige Frauen an Sextouristen. Aber der Engineer ist nicht mehr der Chef und selbst Flüchtling. Kim wird von dem Mord an ihrem Verlobten von Albträumen geplagt, die Erinnerungen an Chris und ihren Ex-Verlobten vermischen sich. In Bangkok holen Chris die Kriegserinnerungen an den Fall von Saigon ein, als es selbst unter dramatischen Umständen aus der Botschaft fliehen muss. In dieser Szene sieht man zuerst eine Laserprojektion, dann eine 3,5 Tonnen schwere Hubschrauberattrappe, die mit lautem Geknatter von der Botschaft abhebt. Am Zaun der Botschaft hofft unter den chaotischen Umständen Kim vergeblich, mitreisen zu können. Man landet wieder in der Gegenwart und Kim trifft auf Ellen im Hotelzimmer. Hier trifft Kim dann unvorbereitet auf Ellen, die nur den Sohn ihres Ehemanns holen will. Inzwischen träumt der Engineer bereits von Amerika. In dieser Szene ist der Cadillac dann weiß und nicht rosa, wie 1995. Eine leichte Dame in weißem Pelz und mit blonder Perücke fährt ein. Der Engineer sagt, dass sein Geschäft mit der Liebe überall auf der Welt funktionieren wird. 7 Tänzerinnen und 14 Tänzer setzen den Traum von Amerika vor eine Freiheitsstatue als weiße Gittermaske gekonnt mit einer Revuenummer um. Kim packt die Sachen für ihren Sohn. Der Engineer bringt Kims Sohn Tam zu Chris. Abschließend schießt sich Kim aus Verzweiflung hinter dem Vorhang.

Ob die Tänzerinnen wirklich die beschriebenen 1kg Perlen in den leichten Kostümen hatten und ob Kim wirklich alles sieben verschiedenen Frisuren ohne Perücke bestritten hat, lässt sich aus der 22. Reihe nicht mehr sagen. Es ist und bleibt eines der Mega-Musicals der 90er Jahre, das in der neuen Fassung auf keinen Fall angestaubt ist. Die Eindringlichkeit, mit der die Folgen des Krieges in Vietnam geschildert werden, ist beeindruckend. Die Szene mit dem Hubschrauber und dem Chaos an der Botschaft beim Fall Saigons einfach großartig. Ein Besuch der Neuauflage lohnt sich in jedem Fall. Aus heutiger Sicht ein Meilenstein der Musicalgeschichte. Das Bild an einem Flughafen mit einem Mischlingskind, das sich von seiner Mutter verabschiedet, als es nach Amerika reist zum Vater, ist der Ausgangspunkt.

Auch in Nürnberg hat man den ‚Ball im Savoy‘ auf den Spielplan gesetzt. Diese Jazzoperette von Paul Abraham belebt die Handlung der Fledermaus von Johann Strauß wieder. Eine Madeleine de Faublas ist hier die betrogene Ehefrau, die öffentlich ihren Mann betrügt. Bei dem schrägen Cross-Dressing-Event spielen Männer Frauen und Frauen Männer. Die Geschwister Pfister übernehmen in der Aufführung in Nürnberg diesen Part. Aufgepeppt wird das noch durch ein achtköpfiges Männerballett, das auf keinen Fall mit einer Faschingseinlage zu verwechseln ist.

Zu Beginn der Aufführung ist der Orchestergraben mit künstlichen Palmen besetzt und grün angestrahlt. Wir befinden uns in Nizza und der Graben ist der Vorgarten der Faublas in der Villa. Von dort aus kommen auch die Darsteller auf die Bühne. Wo das Orchester bleibt, erkennt man erst im nach der Pause im 2. Akt beim Ball im Savoy. Die einjährige Hochzeitsreise der Faublas sieht man mit Bildereinblendungen von einer Europareise. Eine Videomontage gibt es von einer Gondelfahrt in Venedig. Man ist aber nach den 12 Monaten nun glücklich in der Villa Faublas angekommen. Getrübt wird die Wiedersehensfreude allerdings durch ein verdächtiges Telegramm eines ‚Präfekten von Nancy‘. Aristide de Faublas verheimlicht seiner Frau etwas. Gleichzeitig trifft die Cousine von Madeleine aus Amerika ein. Sie ist eine erfolgreiche Tanzlehrerin und stellt den Modetanz Kangaroo-Hopp vor, für dessen Erfindung sie eine Auszeichnung bekommen hat. Sie ist natürlich eigentlich ein er und hat ein Pseudonym erfinden müssen, nämlich José Pasodoble, um auch als Komponist erfolgreich zu sein. Wenn sie nicht in einem Jahr erfolgreich gewesen wäre, hätte sie in Amerika den Mann heiraten müssen, den ihr Vater ausgesucht hat. Beim jährlichen Ball im Savoy will sie ihr Pseudonym aufgeben. Aristide will aber auch zu dem Ball. Der Präfekt von Nancy ist eine Frau, nämlich die heißblütige Spanierin Tangolita. Tangolita ist Aristides verflossene Freundin, die ihn ebenfalls zum Ball im Savoy bittet. Sowohl Madeleine als auch Aristide hatten aber versprochen, den ersten Abend gemeinsam zu Hause zu verbringen. Jetzt suchen beide eine Ausrede, wie sie zum Ball kommen können. Aristide bemüht seinen türkischen Freund Mustapha Bei. Der erfindet eine offensichtliche Lüge, dass Pasodoble durch den Einsatz von Musik, Aristides Leben in einer Stierkampfarena gerettet hätte. Von der offensichtlichen Lüge ist Madeleine entsetzt, während Daisy Parker die Geschichte eher lustig findet. Aber Madeleine ist nicht untätig, sie bestellt eine Schneiderin ein und lässt sich ein goldenes Kleid für den Ball nähen, wo sie ihrem untreuen Mann auflauern will.

Tangolita tritt nun auf, umschwärmt von den Ballettmännern. Sie zerreißt vor den Augen von Aristide scheinbar den Gutschein für ein Souper. Unterdessen tritt die verkleidete Madeleine auf und erweckt Aristides Aufmerksamkeit. In einer Bar warten unterdessen die sechs verflossenen Frauen von Mustapha Bei. Seine Frauen sind international aufgestellt, besonders witzig war die letzte Frau, eine waschechte Fränkin. Da Daisy Parker mit einem Ehevertrag dazu einwilligen soll, Ehefrau Nummer sieben zu werden, bittet sie den Bei, dass er ihr Pasodoble vorstellen möge. Madeleine und Tangolita ziehen sich für eine Stunde in das Separee 8 zurück. Ein Kellner wird von Madeleine bestochen, die Geschehnisse im Separee brühwarm weiter zu erzählen. Sie nimmt mit einem Justizangestellten derweil Platz im Separee 9. Sie bestellt sich dasselbe Menü wie ihr Mann und ist fest entschlossen, ihren Mann mit dem Angestellten zu betrügen. Der Rechtsgelehrte ist zwar einerseits kurzsichtig, erkennt aber in Madeleine eine edle Dame. Er möchte aber auch ein Abenteuer im Savoy erleben.

Mit einer Live-Übertragung des Balls im Savoy erreichen die Verwicklungen ihren Höhepunkt. Jetzt wird auch klar, wo das Orchester sitzt. Daisy Parker tritt als Marlene-Dietrich-Verschnitt auf und lüftet ihr Pseudonym. Sie spricht durch das Mikrofon zu ihrem Vater, dass sie ein erfolgreicher Komponist wäre und nun den Mann ihrer Wahl heiratet dürfe, nämlich Mustapha Bei. Madeleine kommt nun aus dem Separee und sagt öffentlich am Mikrofon, dass sie ihren Mann betrogen hat.

Der Skandal im dritten Akt ist perfekt. Ein Rechtsanwalt soll nach Willen von Aristide die Scheidung durchführen. Derweil treffen Blumensträuße und Glückwünsche aus Nizza ein. Der Rechtsgelehrte, der die Scheidung durchführen soll, ist zufälligerweise der Mann aus dem Separee 9. Jetzt bekommt Aristide Wind von der Sache und bestürmt ihn mit Fragen zur Nacht im Savoy. Doch der Angestellte macht nur vage Andeutungen. Die Scheidung scheint gesetzt zu sein. Da greift nochmals Daisy Parker ein. Sie redet mit Madeleine unter vier Augen und sagt, dass der Angestellte indiskret war und sogar die Farbe der Dessous verraten hätte. Darauf ist Madeleine außer sich und sagt, dass sie gar keine solche Unterwäsche trägt und dass er gelogen haben muss. Aristide ist jetzt überzeugt, dass seine Frau unschuldig ist und die Geschichte nimmt ein Happy End.

Stefan Huber hat wirklich eine frische Form der Operette auf die Bühne gestellt. Der Geschlechtertausch gelingt sehr gut, ohne in den Klamauk von Charlys Tante abzurutschen. Dass hier die Rollenbilder auf den Kopf gestellt werden und die betrogene Ehefrau am Ende mit einem langen Monolog zurückschlägt, passte den Machthabern in den 30er Jahren sicher nicht, weshalb die Operette kurz nach Erscheinen wieder verschwand. So ist man sich bis zum Schluss nicht sicher, ob es ein Happy End geben wird, denn zu tief erscheint der Graben zwischen den Eheleuten. In der Art-Deko-Bühnenausstattung hat man diesmal wirklich nicht gespart und lässt einen wundervollen Hotelraum aufleuchten. Die Lampen des Ballsaals können dabei ganz modern eingefärbt werden. Die Geschwister Pfister bringen sehr gute schauspielerische Leistungen in den drei Rollen des Aristide, der Daisy Parker und des Mustapha Bei. Auch bei den Kostümen hat man an nichts gespart. Der Auftritt von Daisy Parker im weißen Smoking beim Ball ist wirklich klasse und lässt die späten 20er wiederauferstehen. Nach fast 3 Stunden geht man mit einem beschwingten ‚Toujours l’amour‘ oder mit einem ‚Es ist so schön am Abend bummeln zu gehen‘ die Oper.

Quelle: YouTube|Staatstheater Nürnberg

HTML

Quelle: Soundcloud|Staatstheater Nürnberg

In einer Wiederaufnahme ist der Fidelio von Ludwig van Beethoven im Münchner Nationaltheater zu sehen. Calixto Bieito hatte im Jahre 2010 einen philosophischen Ansatz verfolgt und lässt die Darsteller durch ein dreiteiliges, drei Etagen hohes Plexiglaslabyrinth laufen. Deutlich ist immer wieder das Klicken der Sicherheitshaken zu hören. Das Labyrinth ist hier ein gedankliches Gefängnis von Rocco, in dem die Figuren bis zum Schluss herumirren. Es soll die aussichtslose Suche nach einem Ideal verkörpern. Von den Texten hat man fast alle Sprechpassagen gestrichen und gegen Gedichte von Jorge Luis Borges oder Cormac McCarthy getauscht. Das führt dazu, dass die einzelnen Nummern der Oper relativ flüssig hintereinander folgen. Beethovens einzige Oper setzt dabei die Stimmen sehr instrumental ein, was für die Sänger eine Herausforderung ist. Auf Atmung und Pausen, die eine Stimme benötigt, werden vor allem bei der Partie der Leonore, wenig Rücksicht genommen. Die Vorlage ist ein Roman der „Leonore“, die auf einer angeblich wahren Begebenheit in der Touraine basiert. Pikanterweise war er während der Französischen Revolution selbst ein Mitglied der Justiz. Für die Figur des Don Pizarro war wohl der skrupellose Konventskommissar Carrier das Vorbild, der 1793 in der Vendée Angst und Schrecken verbreitete.

Zu Beginn der Oper kommen die Gefangenen aus dem Orchestergraben. Während der Ouvertüre Leonore 3 erklimmen die Sänger, mithilfe der Sicherheitshaken, das Plexiglaslabyrinth. Zu sehen ist auch ein Double von Florestan, der ebenfalls durch das Gestänge irrt. Leider bringt das planlose Laufen im Labyrinth etwas Unruhe in die Musik, die mit 14 Minuten eine eigene Symphonie ist. Leonore verwandelt sich in Fidelio, indem sie sich vor dem Publikum ihre Brust mit Toilettenpapier bindet. Als junger Mann Fidelio erhofft sie, sich Zugang ins Gefängnis von Rocco zu erlangen. Marzelline verliebt sich sofort in diesen jungen Mann und lässt ihren Jaquino dafür stehen. Der Kerkermeister Rocco heißt nach etwas hin und her, die neue Verbindung seiner Tochter gut. Mit Haken aneinandergekettet singen sie die ersten Arien. Der Vater als Banker verkleidet, meint aber, dass es auch noch etwas ‚Gold‘ für eine glückliche Beziehung braucht, und plündert einen Geldkoffer mit Dollarscheinen. Rocco macht aber zur Auflage, dass ich Fidelio einem gewissen Gefangenen nicht nähern darf. Jetzt erscheint Don Pizarro, der Gouverneur des Gefängnisses. Der Hass gegen alle Menschen entlädt sich in Selbstverletzung und er ritzt sich bei der Arie "Ha, welch ein Augenblick!" selbst in Arme, Kopf und Brust. Er kann Florestan nicht am Leben lassen, da sein Freund der Minister Don Fernando, ihn begnadigen würde. Die Aufforderung, Florestan umzubringen kann Rocco abwehren, allerdings muss er für Florestan ein Grab schaufeln. Fidelio hat bei der Aktion einen halb leeren Kanister mit blauer Säure dabei. Fidelio bitte nun Rocco, dass die Gefangenen ans Tageslicht dürfen. Ein Gefangener singt stehend am Abgrund einer Arie, während sich ein Zweiter wenig später im Hintergrund mit dem Karabinerhaken erhängt. Die Gefangenen sind dabei in Anzügen gekleidet, müssen aber wenig später wieder zurück in den Kerker. Fidelio hat unter ihnen ihren Mann nicht entdecken können.

Im zweiten Akt ist das Opernhaus von einem dunklen Grollen erfüllt. Das Labyrinth kippt langsam. Gefangene schweben dabei an Seile gesichert über dem gekippten Aufbau. Fidelio hat eine Flasche Hochprozentiges dabei und bringt Florestan etwas Brot mit. Florestan liegt dabei im Fieber am Bühnenrand und wird von Fidelio und Rocco über die Bühne geschleift. Der Text macht da eine uncharmante Anspielung auf Florestans Gewicht. Don Pizarro wird von Florestan zur Rede gestellt. Fidelio greift ein und zerschlägt zuerst eine Flasche auf Pizarros Kopf. Dann überschüttet er ihn mit Säure. Unterdessen scheint sich Florestan mit dem Messer selbst zu richten. Fidelio und Florestan ziehen sich auf offener Bühne um. Es folgt eine Erlösungsszene bei der vier Streicher in Gitterkäfigen aus dem Bühnenhimmel herabschweben und das Streichquartett Opus 132 in Auszügen zum Besten geben. Dieser ‚Heilige Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit‘ bildet einen spirituellen Einschub, sodass man nicht weiß, ob Fidelio seine eigene Befreiung wirklich noch erleben durfte. Es folgt die Befreiungssequenz durch den Minister Don Fernando. Dieser tritt als Batman-Joker-Verschnitt mit einem weißen Anzug auf. Unterstützt wird er durch die Anwesenheit von Eva Wagner-Pasquier in der Loge. Trompetenschall kündigt die Befreiung der Gefangenen an. Der Minister erkennt seinen Freund. Aber der Joker, wäre nicht er, wenn er nicht zum Schluss noch eine Überraschung parat hätte und mit einer Pistole Florestan ein weiteres Mal tötet. Über der ganzen Szene schweben Akrobaten. Aber keine Angst, Florestan steht wieder auf. Genauso wie das Labyrinth hinter ihm.

Man mag von Bieitos Fidelio-Deutung halten, was man mag, musikalisch gab es an dem Abend nichts auszusetzen. Anja Kampe als Leonore war an diesem Abend sehr gut und man hatte den Eindruck, dass sie seit 2010 besser mit der Partie umgehen kann. Günther Groissböck verlieh dem Rocco eine sympathische Note. Auch Jonas Kaufmann als Florestan war sehr gut. Das alles wäre nichts ohne die Glanzleistung des Bayerischen Staatsorchesters unter der Leitung von Kirill Petrenko, für den der Jubel an diesem Abend nicht enden wollte.

Quelle: YouTube | BayerischeStaatsoper

Seit 1995 stand schon keine Händel-Oper mehr am Programm des Staatstheaters. Zusammen mit der französischen Künstlergruppe le lab hat man den Xerxes vom Hellespont an den Nürnberger Kornmarkt verlegt. Die Künstlergruppe verknüpft historische Werke mit der Stadt, in der sie aufgeführt werden. In Nürnberg waren es die Skater am Kornmarkt, die es ihnen angetan hatten. Jetzt mag man zunächst keinen Bezug zwischen Skatern und der Hochkultur des Staatstheaters sehen. Xerxes selbst ist auch bei Händels Vorlage nur ein Ankerpunkt und hat mit dem historischen Xerxes wenig zu tun. Allerdings greift der Komponist zwei Anekdoten aus Xerxes Leben auf. So soll er sich in eine Platane verliebt, diese geschmückt haben und mit Wächtern bewacht. Die zweite Anekdote ist, dass er das Meer auspeitschen ließ mit 300 Soldaten, da es seine Penton-Brücke über den Hellespont zerstört hat. Irgendwann in der Inszenierung, als in der zweiten Hälfte Tücher über die Halfpipe gespannt sind, dämmert es einem. Die Halfpipe ist in Wahrheit der stilisierte Hellespont, also die Meerenge zwischen Griechenland und der Türkei, mit türkischer und griechischer Flagge, an der die Oper eigentlich spielt. In dieser Halfpipe tummeln sich drei Skater vom Kornmarkt und zeigen ihre Tricks.
Jetzt hat man mit der Oper das Problem, dass der eigentliche Hit, das ‚Ombra mai fù‘ gleich am Anfang des ersten Aktes kommt. Dieses wohl, als Händels Largo, bekannteste Stück der Oper ist eigentlich ein Larghetto und wird in der Oper schneller gesungen. Es kommt hier auch als Ode an ein Stück Holz auf die Bühne. Besungen wird von Xerxes statt einer Platane aber ein Skateboard. Dann nimmt eine ziemlich verwickelte Handlung Fahrt auf, die an eine Vorform von ‚Così fan tutte‘ erinnert. Es geht in der Oper fast drei lange Stunden darum, wer wen liebt oder auch nicht. Als nicht Händel-affiner ist man da oft geneigt, auf die Uhr zu sehen. Auch wenn auf hervorragendem Niveau musiziert wird, es bleiben doch lange Barock-Da-Capo-Arien.

Xerxes liebt zuerst die Platane, dann die Stimme von Romilda, dann Romilda selbst. Diese wiederum ist die Geliebte seines Bruders Arsamene. Arsamene ist ein blonder Countertenor mit gelben Strümpfen, grüner Jogginghose und Sandalen. Dazu trägt er eine himmelblaue Jacke. Es gibt aber noch Atalanta, die ebenfalls Arsamene liebt und darauf baut, dass Xerxes endlich Romilda bekommt. Atalanta und Romilda sind die ungleichen Schwestern. Während die eine rothaarig mit Sonnenbrille und türkiser Jogginghose mit ‚R‘ daherkommt, hat die Zweite Hotpants an und eine Schirmmütze auf. Atalantas Auftritt wird von einer Selfie-Einlage mit den Skatern eröffnet. Zwischen den beiden Schwestern bricht ein wahrhafter Zickenkrieg aus, wutentbrannt legen die ihre Roller gegeneinander und singen sich heftig an. Atalanta behauptet nämlich Arsamene hätte eine neue Geliebte.

Im zweiten Akt bringt der Diener Elviro noch mehr Verwirrung in die Szene. Der eigentlich angetrauten Amastre erzählt er von der geplanten Hochzeit zwischen Xerxes und Romilda. Er soll einen Brief in Form einer langen Karte übergeben, der eigentlich von Arsamene ist und von der Liebe zu Romilda zeugt. Atalanta behauptet Romilda hätte sich wirklich in Xerxes verliebt und als Xerxes den Brief findet, sagt Atalanta einfach, der wäre an sie gegangen.
Nach der Pause sieht man Tücher über die Halfpipe gespannt. Das ist also die Szene am Hellespont. Richtig erklären tut sich eigentlich erst jetzt, was das mit der Halfpipe soll, nämlich als Elviro vom kalten Wasser singt und den Fuß in die Halfpipe hängt. Die gespannten Tücher symbolisieren die Penton-Brücke, mit der der Hellespont überquert wird. Es folgt wieder einer dieser Videoeinspielungen vom Kornmarkt mit den Skatern. Darin geht es um Skater und Romantik.

Im dritten Akt nun nimmt nun endlich etwas Fahrt auf, als Ariodate sich in die Verwirrrungen eingreift und Xerxes die Einheirat seiner Tochter Romilda in Xerxes Familie verspricht. Dabei bringt Ariodate in Wirklichkeit Romilda und Arsamene zusammen. Als Xerxes nun dies erfährt, tobt er vor Wut. Dabei wechselt er häufig zwischen Sprechstimme und Singstimme, was der Entrüstung noch mehr Nachdruck verleiht. Er besteht darauf, dass der Liebesverrat von Romilda an ihm durch seinen Bruder gerächt werden soll. Jetzt fragt Armastre nach, ob es Xerxes mit der Forderung wirklich ernst ist. Eigentlich hätte Xerxes ja sie betrogen. In einem großen Finale finden dann Romilda/Arsamene und Xerxes/Amastre zueinander.

Von der Kostümierung haben die meisten Sänger Streetwear und Jogginghosen an, wobei ich nicht so weit gehen würde, dass diese Menschen die Kontrolle über ihr Leben verloren hätten, wie Karl Lagerfeld zu sagen pflegt. Im Gewusel der Beziehungen fällt es nicht leicht, den Überblick zu behalten, wer jetzt wen liebt und wen gerade nicht. Eine Grafik im Programmheft soll dies veranschaulichen. Was die Oper meiner Meinung nach eindeutig rettet, sind die Inszenierungseinfälle. Le lab hat hier wirklich eine interessante Arbeit abgeliefert und ich finde auch, man darf Händel durchaus so auf die Bühnen bringen. Im Fieber der Hormone ist die Handlung zeitlos und nicht fix an 453 v. Chr. zu verorten. Ob man an langen Händelarien über drei Stunden gefallen findet, ist Geschmackssache. Die Handlung zwischen den einzelnen Arien ist doch recht übersichtlich. So vermutet man ein frühes Libretto im 17. Jhd oder Händel selbst als Librettist. Zvi Emanuel-Marial ist für einen Countertenor relativ durchschlagsstark, auch Andromahi Raptis als Atalanta weiß zu gefallen. Im Orchester sitzt ein ungewohnter Mix aus alten und neuen Instrumenten, einigen Lauten und Schlagwerk inbegriffen. Die Klänge erinnern noch etwas an die vergangene Renaissanceepoche, es gibt aber durchaus Verweise in die modernere Musik. Durch Videoeinspielungen mit O-Ton vom Kornmarkt wird die Inszenierung aufgelockert. Ob man das eher überheblich sieht, oder eher ungewollt komisch, ist auch wieder Geschmackssache. Die Sänger tragen jedenfalls ihr Skateboard mit Stolz über die Bühne und bilden sogar damit ein Spalier als Arsamene und Romilda ein Paar sind. Mit Trick-Bikes und Skateboards gibt es immer wieder Einlagen zu instrumentalen Zwischenstücken.

Quelle: YouTube | Staatstheater Nürnberg

HTML

Quelle: Soundcloud | Staatstheater Nürnberg

Amélie Niermeyer verlegt den Otello aus dem 15. Jahrhundert hinein in eine klassizistische „Schöner-Wohnen“-Oase in Grau mit hohen Türen. Dass die Vorstellung im Münchner Nationaltheater seit Langem ausverkauft ist, liegt nicht an der Regie, sondern eher an der stolzen Besetzungsliste. Geben sich doch Jonas Kaufmann, Anja Harteros und Gerald Finley die Ehre dort unter der Leitung von Kirill Petrenko zu singen. Hier macht der Cast die Oper zu einer Pflichtveranstaltung. Vor allem Petrenko versteht es, einen feurigen, glutvollen Otello zu dirigieren und geht schon in der Anfangsszene mit dem Tempo ins Volle. Man konnte die Premiere schon auf BR-Klassik hören und die Oper wurde später auch als Livestream im Internet angeboten. Wer keine der Möglichkeiten ergriffen hat, hat zu den Festspielen im Juli noch einmal die Gelegenheit.

Bei der Sturmszene zu Beginn des Otello läuft eine verängstige Desdemona in ihrem Zimmer auf und ab. Das Licht ist ganz auf das weiße Zimmer gerichtet, in der Dämmerung singt unter ihr der Chor. Die Anlandung von Otellos Schiff im Sturm lässt sich nur durch die Obertitel erahnen. Als er dann gerettet wird und seinen Auftritt mit den Esultate-Rufen hat, wirkt das im Zimmer von Desdemona etwas deplatziert. Otello verschwindet auch relativ schnell wieder, während Desdemona Feuer im Kamin macht. Jetzt wird das Zimmer weggefahren und es kommt die Hafenszene zum Vorschein. Dort sitzt ebenfalls ein Desdemona-Double, das Feuer macht. Bei genauerem Hinsehen ist das aber eine Stuntfrau, die zweimal an den Armen Feuer fängt und im Bühnenhintergrund verschwindet. Unterdessen beraten Roderigo und Jago, wie sie Otello, den berühmten Mohren, zu Fall bringen könnten. Dass der Bösewicht Jago dabei ein legeres T-Shirt trägt und Turnschuhe, macht einen etwas schäbigen Eindruck. Schon jetzt steht von der Regie ein Bett auf der Bühne, wie das allerdings zur Hafenszene passt? Nun gut. Dieselbe Frage stellt man sich kurz später noch einmal bei der Trinkliedszene, als Rodrigo und Jago, Cassio in einem Nietenledersessel mit vielen Flaschen Wein abfüllen. Es kommt zum Streit zwischen Roderigo und Cassio. Montano geht dazwischen und trennt die Kämpfenden, wird dabei aber verletzt. Nun taucht Otello wieder auf und stellt die Ruhe wieder her, indem er Cassio degradiert. Dann kommt auch das Bett zum Einsatz, als Desdemona und Otello ihrer Liebe gedenken. Dass Desdemona da Otello an der Krawatte ins Bett zieht, ist auch etwas unpassend.

Im zweiten Akt fragt man sich dann, warum Desdemona im Bühnenhintergrund zu sehen ist. Eigentlich haben nur Cassio und Jago das Sagen. Jago rät Cassio, bei Desdemona um Unterstützung für seine Rehabilitation zu bitten. Dabei rechnet er mit der Eifersucht Otellos, der in Cassio sicher einen Nebenbuhler sieht. Jago enthüllt seine nihilistische Weltanschauung in einem Credo. Was Finley da an Grimassen zieht, ist umwerfendend. Er steigt in das Bett und singt von der Sinnleere des Lebens und dass es keinen Gott gibt. Jago versteht es im Folgenden, durch Andeutung bei Otello, dessen Eifersucht gegen Cassio zu entfachen. Dieser fordert einen Beweis. Es folgt eine Sequenz voller Friedlichkeit, bei dem die Frauen und Kinder Zyperns Blumen für Desdemona bringen. Desdemona wird mit verbundenen Augen hereingeführt. Ein kleines Kind schubst dabei Otello auf die Seite und Jago führt Desdemona zum Bett. Auch Jago hat inzwischen ein Tüllkleid an. Auf dem Bett legen die Frauen die Blumen ab und der Auftritt erinnert eher an eine Beerdigungsszene. Dennoch scheint zwischen Otello und Desdemona wieder eine Art Harmonie zu herrschen. Als der Chor verschwunden ist, merkt man, dass der Eifersuchtssamen von Jago keimt. Auch hier treibt sich Jago herum und entreißt Emilia ein Taschentuch, was er später als Beweis von Desdemonas Untreue verwenden wird. Das Duett zwischen Otello und Jago findet ebenfalls wieder stehend auf dem Bett statt.

Im dritten Akt befindet man sich in einem zweigeteilten Raum. Hinten ein weißes Zimmer und vorne ein graues. Desdemona tritt in einem schwarzen Hosenanzug ganz als selbstbewusste Dame auf. Otello fordert nun von Desdemona das Taschentuch ein, das er ihr einst geschenkt hat. Als sie das nicht vorweisen kann, beschimpft er sie. Wieder sind beide in einem Bett zugange und schmiegen sich aneinander. Das Ganze kippt aber auch relativ schnell, sodass Otello eine Umarmung auch mal schnell zu einem Klammergriff umfunktioniert und sie als Hure beschimpft. Eigentlich dürften jetzt in der folgenden Szene nur Cassio und Jago zu sehen sein. Otello müsste sich im Hintergrund halten und sie Szene belauschen, in der Cassio von Bianca schwärmt. Durch geschickte Einwürfe von Jago meint Otello aber, dass Cassio von Desdemona schwärmt. Hier lässt die Regie Otello hemmungslos umherlaufen und auch Desdemona hört vom Hintergrund aus zu. Otello fasst den Plan, Desdemona im Bett zu erwürgen. Bei der folgenden Sequenz mit der Gesandtschaft von Venedig kommt es erneut zu einem Ausbruch von Otello. Otello setzt, Desdemona beschimpfend, Cassio als Vertreter von Zypern ein. Auch hier steht wieder rein zufällig ein Bett herum. Otello wirft Desdemona zuerst ins Bett und dann schließlich vor Wut aus dem Bett raus. Desdemona weiß nicht, so recht, wie ihr jetzt geschieht. Nur durch einen Spot erleuchtet singt sie verzweifelt von der Liebe zu Otello. Die Gesandtschaft löst sich auf. Der Raum dreht sich jetzt durch eine geschickte Projektion. Otello scheint dabei jeden Halt zu verlieren. Er ist am Schluss am Boden und Jago triumphiert.

Im letzten Akt hat Desdemona im Schlafgemach Todesahnungen. Sie bittet das weiße Kleid herauszulegen, und verabschiedet sich für immer von Emilia. Das nun folgende Lied von der Weide ist wirklich sehr ergreifend. Emilia verschwindet schließlich und es taucht Otello auf mit einem Blumenstrauß. Diesen verteilt er auf dem Bett. Er bereitet sozusagen das Totenbett für Desdemona vor. Nur seltsam, dass die Regie nun befiehlt, Desdemona nicht im Bett, sondern daneben umzubringen. Als der Mord passiert ist, kommt Emilia dazu und sagt, dass der Mordplan an Cassio von Otello fehlgeschlagen ist. Roderigo, der Freund Otellos ist ermordet worden. Dass Desdemona, obwohl erwürgt, noch Otello entschuldigt und singt ist halt echt Oper. Jetzt lässt die Regie das Zimmer mit der erwürgten Desdemona wegfahren. Die Hauptpersonen stehen etwas beliebig auf der Bühne, als es zum Showdown kommt und Emilia aufdeckt, dass die Nummer mit dem Taschentuch von Jago eingefädelt wurde. Otello stürzt sich ins Messer. Auch hier verweigert die Regie dem Otello den letzten Kuss mit seiner doch geliebten Desdemona und lässt ihn stattdessen in die Kissen singen.

Musikalisch spielt dieser Otello auf einem ganz hohen Niveau. Das merkt man auch im Schlussapplaus, als vor allem das Dirigat mit vielen Bravorufen bedacht wird. Finley als Jago ist ungemein spielfreudig und einfach die dankbarere Rolle in diesem Stück. Über die fehlende Lockenpracht bei Kaufmann wurde ja schon viel geschrieben, mir hat er als Otello stimmlich gefallen. Auch Anja Harteros hat es verstanden als Desdemona, das Opernhaus mit ihrer Sopranstimme zu betören. Bleibt als einziger Minuspunkt an dem Abend eigentlich die Regie, mit der ich etwas gehadert habe. Es stehen Leute auf der Bühne, die zu dem Zeitpunkt nicht zu sagen haben und die Geschehnisse eigentlich nicht mitbekommen. Das Thema Andersartigkeit des Otello wird so dezent übergangen, dass man eigentlich nur aus den Obertiteln den Bezug bekommt, dass Otello eigentlich schwarz ist. Auch die Verlegung in ein anderes Zeitalter tut der Geschichte nicht unbedingt gut. Eine Mitbesucherin meinte, dass Bühnenbild wäre sehr schwarz geraten und ich musste ihr da auch Recht geben. Etwas mehr Farbe in der Szene wäre nicht verkehrt gewesen.

Quelle: YouTube | Bayerische Staatsoper