Dresden hat diese Spielzeit noch zweimal die ‚Tote Stadt‘ von Erich Wolfgang Korngold auf dem Spielplan. Die Inszenierung von David Bösch kann man dazu eindeutig empfehlen, denn Patrick Bannwart schafft es im Bühnenbild, eine morbide Kirche des Gewesenen, zu realisieren. Wie ein braunes Gewölbe nimmt es die ganze Bühnenhöhe ein, an den Wänden steht immer wieder der Name Marie. Sie ist die verstorbene Frau des Hauptdarstellers Paul, deren Andenken Paul in dem Zimmer mit einem übergroßen Profilporträt und verblühten Rosen gedenkt. Das hohe Zimmer ist spärlich eingerichtet mit einer Stehlampe, einem Sessel und einer Matratze ganz rechts. Besucht wird Paul von seinem Freund Frank, der die Szenerie trostlos findet. Frank sitzt selbst in einem Rollstuhl. Er befragt die Dienerin Brigitta, wie es ihr hier geht. In dem Moment kommt Paul herein und fordert Brigitta auf, frische Rosen zu bringen. Er hätte eine Frau gefunden, die seiner verstorbenen Marie gleicht. Sie wäre auf dem Weg in sein Haus. Die gefundene Frau heißt aber Marietta, eine Tänzerin einer Tourneebühne. In der Rollenanlage erinnert sie an die großen Tänzerinnen im Berlin der 20er Jahre. Paul gibt Marietta noch den Schal und die Laute Maries, damit sie seiner toten Frau wirklich ähnlich ist. Marietta aber findet den Raum trostlos und stimmt ein Lied an (Glück das mir verblieb), was man heute als Zugnummer der Oper bezeichnen kann. Dabei müssen Paul und Marie in sehr hohen Lagen singen, was dem Tenor an diesem Abend sichtlich schwerfällt. Hatte er sich nicht noch kurz vorher mit einem Antiallergikum fit für die Aufführung machen lassen, weshalb man die Oper an diesem Abend 15 Minuten später stattfinden ließ. Man war sich während der ersten Szenen nie so recht sicher, ob der singende Paul wirklich angeschlagen ist oder ob er den verzweifelten Paul nur wirklich gut spielt. Jedenfalls lässt Marietta Paul in keiner Weise über ihren Beruf im Unklaren. Dies scheint in dieser Inszenierung Paul so aus der Fassung zu bringen, dass er sie bereits jetzt würgt. Es tritt ein Tänzer mit aufgemaltem Skelett auf. Es ist Gaston, ein Kollege. Marietta wirft etwas Flitter auf die Bühne und wird mit einer Champagnerflasche von Gaston weggetragen. Nun wird Paul von schlimmen Albträumen heimgesucht. In einer negativen Projektion erscheint übergroß mit wehendem Haar Marie und mahnt ihn zur Treue.

Wer jetzt glaubt, der Spuk wäre vorbei, hat sich im zweiten Bild getäuscht. Marie wiederholt noch mal das Treueversprechen. Am Ende löst sich das Bild in lauter Fledermäuse auf. Paul ist aber Marietta verfallen. Eine Prozession von Nonnen trägt Bilder von Marie über die Bühne. Als letzte Nonne tritt seine Haushälterin Brigitta auf. Paul hätte seine Frau verraten, sie werde aber für ihn beten. Im nächsten Moment kommt Frank auf die Bühne, der hätte Mariettas Zimmerschlüssel. Paul entreißt Frank den Schlüssel, worauf dieser die Freundschaft mit ihm beendet. Marietta wir nun vom Gaston abgesetzt. Sie trägt inzwischen ein rotes Kleid und Engelsflügel und erscheint im Gefolge einer bunten Theatertruppe mit einem Pierrot, einem Grafen, einem Dompteur und einem Zwillingsdouble Tänzerinnen. Auf die Bühne kommen auch Sofas gefahren mit Totenmasken als Gondolieres, nur dass ihre Gondeln Sofas sind. Am rechten Rand steht in einer Installation nun 'Love', es geht um die sinnliche Liebe. Nun muss Paul ansehen, wie der Pierrot seine Identität preisgibt und ihn nach der Arie (Mein Sehnen, mein Wähnen) küsst. Sie will die Nonnenerweckung aus „Robert le Diable“ tanzen und verbrennt dabei ein Bild, worauf wieder die Prozession von Nonnen hervorkommt, diesmal allerdings mit leeren Bilderrahmen. Paul kann das nicht länger ansehen und stürmt hervor und bezichtigt Marietta der Blasphemie. Die aber gibt an, mit Paul alleine fertig zu werden. Paul wird ins Bett gezogen und von Marietta heftig umworben. Es kommt trotz Pauls Zweifeln zu einer Liebesnacht, in der er wieder von vielen kleinen Marie-Doubles heimgesucht wird. Marietta will in Pauls Haus, um das Gespenst der Marie für immer zu bannen.

Im dritten Bild erscheint Marie im Morgenmantel. Sie deckt das Bild in der Wohnung auf und zerstört es mit der Aufforderung, dass die Toten die Lebenden in Ruhe lassen sollen. Es kommt zu einer weiteren Prozession Szene, die Paul und Marietta nur von der Ferne sehen. Am rechten Bühnenrand sieht man im Lichterschein die Prozession vorbeiziehen. Marie bezichtigt Paul nun der übermäßigen Frömmelei. Die Prozession erscheint als Projektion im Bühnenraum, wieder albtraumhaft mit Fratzen, die Paul quälen. Zu allem Überfluss breitet sich nun auf der gesamten Bühne 128 km blondes Hanfseil aus. Das ist das tote Haar seiner Frau Marie, das Paul wie eine Reliquie ehrt. Diese Strähne entdeckt nun Marietta und zieht Paul damit auf, dass Ihr Haar doch viel geschmeidiger als das der Toten wäre. Dies bringt nun Paul so in Rage, dass er die in seinen Augen unwürdige Marietta mit dem Zopf erwürgt.
Es fällt der Vorhang. Paul erwacht aus dem Traum. Somit ist klar, der zweite und er halbe dritte Akt waren nur ein Albtraum. Seine Dienerin ist wieder da, die roten Rosen und Marietta lebt auch wieder. Marietta kommt, um die Strauß Rosen mitzunehmen. Sie fordert sogar Paul auf, mit ihm mitzugehen, was dieser jedoch ablehnt. Frank sieht Paul als von Visionen befreit an und fordert ihn auf, mit auf die Reise zu gehen. Die Oper endet noch einmal mit Mariettas Lied. Man meint nun, alles wäre gut. Hier lässt die Regie aber Zweifel aufkommen, denn unter dem Teppich kauert sich Paul erneut um ein Stück Hanfseil, das das tote Haar von Marie darstellt.

Die Oper ist wirklich ein ganz großer Wurf, sowohl vom Stück her, als auch von der Regie. Dmitri Jurowski bringt einen, in den besten Spuren von Strauß und Puccini, aufspielenden Korngold. Man findet viele Verweise auf die spätere Filmmusik, die der Komponist aus Not in Amerika komponiert hat. Er musste in den 30er Jahren vor den Nationalsozialisten fliehen. Mit Motivtechnik werden immer wieder die Melodien der Hauptnummern angespielt. Die Regie schafft es, das Abrutschen in den Albtraum sehr gezielt zu visualisieren. Sehr beeindruckend ist, wie das Haar als Faden aufgegriffen wird. Paul verfängt sich in den Überbleibseln seiner Marie im dritten Akt. Klar, dass keine wirkliche Frau, schon gar keine Tänzerin a la Anita Berber, diesem Ideal gerecht werden kann. Manuela Uhl als Darstellerin, die den Rausch lebt, kann niemals dem Ideal einer Frau gerecht werden, die bis in den Tod treu war. Das Ganze wird durch muss scheitern, was es hier in beeindruckender Weise tut. Dass die Rolle des Paul ein Kraftakt ist, war mir schon immer klar. Nicht zuletzt der durchgeschwitzte Darsteller des Paul am Ende, lässt keinen Zweifel offen: Die gespielte Schwäche im ersten Akt war real.

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David Hermann inszeniert im Staatstheater Nürnberg einen Lohengrin von Richard Wagner in einer Fantasy-Welt im Stil von Game of Thrones. Jo Schramms Installation von langen Mikado Stäben gehört dabei zu den guten Einfällen, denn diese bildet immer wieder neue Räume, trennt das Volk von den Hauptdarstellern, bildet Gassen, Korridore, Kirchenräume. Ansonsten setzt man, mit sparsamem Bühnenbild, ganz auf die Wirkung der Kostüme von Katharina Tasch. Diese lässt die Mannen von Brabant als Barbaren auftreten, die dem Wodan-Kult huldigen. Als Gegenspieler dienen die rekrutierten Soldaten von König Heinrich, die als Knappen daherkommen. Die sieben Gefolgsleute sehen dabei etwas aus wie aus dem Playmobillager von Zirndorf, mit ihren Schildern und den Prinz-Eisenherzfrisuren. Dagegen hüllt man die Gralsritter in rotes Leder und mit ihren Paillettenhosen könnten sie einer Star Wars Saga entsprungen sein.

Während des Vorspiels zum ersten Akt öffnet sich für einen Moment der Vorhang. Man sieht die Ritter der Gralsrunde um einen futuristischen, runden Tisch stehen. Im Bühnenboden in der Tischmitte versinkt dabei ein Mädchen. Parsifal, der im Folgenden immer wieder die Geschehnisse beeinflusst, wurde der Handlung hinzugefügt als stummer Akteur. Er erinnert Lohengrin an sein Schweigegelübde. Das ist die Regel der Gralsritter, sobald sie sich zu erkennen geben müssen, müssen sie den Ort verlassen. Man sieht Lohengrin aufbrechen zu seiner Mission nach Brabant und der Vorhang schließt sich wieder. Nach dem Vorspiel kommt König Heinrich auf der Bühne, der mit seinem Mantel, der schwarzen Krone und der Glitzerhose, der etwas aussieht, wie aus einem Comic entsprungen. Der Heerrufer mit seiner Taube könnte dagegen glatt in Dietfurt beim Chinesenfasching auflaufen. Man kann also einen bunten Stilmix an Zeiten ausmachen. Als jetzt eine Art zweistöckiger Verschlag-Wagen reingefahren wird, befindet sich darin Elsa von Brabant. Die ersten Latten muss man noch vorsichtig entfernen, als sie ihre erste große Arie anstimmt. Die anderen Latten nimmt sie selbst weg und entsteigt dem Gefährt. Sie wird von ihrem Ziehvater und Verwalter des Erbes von Brabant Telramund des Brudermordes angeklagt. Telramund in seinem Netzhemd und seine Frau Ortrud, die etwas an die Figur der Maleficient erinnert, sind die Bösen im Spiel, die dem Kult um Wodan anhängen. In einem Traum hat Elsa einen Ritter gesehen, den sie jetzt anruft, um ihr zu helfen. Nach zweimaligen Rufen erscheint tatsächlich Lohengrin. Der Schwan, auf dem er ankommen soll, wird dabei durch die schwingenden Stäbe angedeutet. Aber der Retter stellt Bedingungen: Nie solle Elsa fragen, wie er heißt und wo er herkommt. Schon zwei Akte später soll Elsa dieses Gelübde brechen, doch jetzt kämpft er erst mal für sie. König Heinrich fordert ein Gottesgericht ein, wo Lohengrin und Telramund antreten müssen. Aus dem Bühnenboden kommen nun Wodan und Parsifal und streiten synchron mit Telramund und Lohengrin. Die Klingen berühren sich dabei nicht wirklich, wie abstoßende Magneten stehen sie wenige Zentimeter von einander entfernt. Es siegt letztlich Lohengrin und Parsifal. Ortrud und Telramund sind entehrt und müssen hinter die Stangenwald flüchten.

Im zweiten Akt sammeln sich nun die Verschwörer. Während hinter den Stäben laut der Sieg gefeiert wird, gibt es eine abgebrannte Esche zu sehen. Um den Baum herum liegen tote Raben, die ein Seherdouble von Ortrud in einen schwarzen Sack einsammelt, wie eine Flaschensammlerin. Wenn Ortrud nun ihr Seherauge bemüht, was das Geheimnis des Ritters ist, greift sie auf dieses Double zurück. Sie beschwört dabei Wodan, der auch prompt wieder aus dem Bühnenboden kommt. Die Weltesche scheint derweil mit einem Fahrwerk ausgestattet und wir zur Seite gefahren. In einer langen Sequenz bittet nun Ortrud um Einlass bei Elsa. Die Braut ist so naiv und gibt nach und lässt sie ein. Ortrud setzt nun gezielt ihr Gift ein, dass Elsa doch sicher wissen wolle, wer am folgenden Tag ihr Mann wird. Vor der Kirche soll es zum Eklat kommen und Telramund bezichtigt Lohengrin der Zauberei. Das Volk sammelt sich sehr pittoresk in einer stilisierten Kirche. Passend zur Orgelmusik lässt man am Bühnenrand die Orgelpfeifen herunter. Man sieht Brautjungfern, das Volk und auch ein Quartett von vier poppigen Edelknaben als Engel mit Sneakers und silbernen Flügeln. Die stehen jetzt mit ihren goldenen Handschuhen flatternd Elsa zur Seite und laufen lustige Formationen. Sie bilden einen Gegenpart zu den vier Edlen, die als Barbaren daherkommen. In dem Tumult vor der Kirche sollen die Edelknaben aber gerupft werden und ihre silbernen Flügel verlieren. Auch Elsa geht es schlecht, sie wird wieder von Wodan in den Schwitzkasten genommen, bis endlich ihr Angetrauter eingreift und Ortrud und Telramund vertreibt. Die Hochzeitszeremonie kann nun beginnen, doch in einem Lichtkegel triumphiert schon Ortruds Alter Ego vor der Kirche.

Der dritte Akt beginnt mit einem Saufgelage von Wodan mit seinen sechs Walküren. Wahrscheinlich hatten die anderen drei Walküren gerade Freigang. Auf einem Tisch liegt ein gebratenes künstliches Schwein, aus dem Wodan immer wieder Stücke reißt. Die Holzkrüge für den Met werden dabei immer größer. Zwei Engel aus dem zweiten Akt haben sich scheinbar erholt und vertreiben Schwein und Walküren. Schließlich kugelt Wodan stockbetrunken zum Brautmarsch auf der Bühne. Die Hochzeitgesellschaft trägt in Einzelteilen ein weißes Ehebett herein, das sie nun für Lohengrin und Elsa zusammenbauen. Dabei liegen sie mit ihrer grauen Bettwäsche voll im Einrichtungstrend. Elsa zieht ihr Brautkleid aus und man kommt im Ehebett recht schnell zur Sache, aber halt… Da war ja noch das Problem mit dem Namen. Elsa spielt nun unter dem Bett etwas Verstecken, dreht aber das Wort so lange, bis sie Lohengrin nach ihrem Namen fragt. Dabei schleicht sich im Brautgemach immer Parsifal und Wotan mit Telramund rum, das kann nicht gut gehen. Parsifal ermahnt Lohengrin stumm, seine Herkunft nicht Preis zu geben und mischt sich nervös ein. Im entscheidenden Moment versucht nun Telramund einen Mordanschlag, worauf ihm Lohengrin das Genick bricht. Am kommenden Tag muss der Held seine Herkunft zu erkennen geben. Er klagt nun vor König Heinrich, dass man ihn fast ermordet hätte. Außerdem hätte seine Frau nun doch wissen wollen, wie er heißt. In der Gralserzählung sagt nun Lohengrin, wie er heißt, wobei das Volk hinter den Stangen ausgeschlossen wird. Es erscheinen drei Gralsritter mit Horn, Schwert und Ring und ziehen Lohengrin nach der Offenbarung fort zum Gral. Zu den Schlussklängen kommen noch mal Wodan und Parsifal aus dem Boden. Der Göttervater erweckt Telramund zum Leben, der als Untoter mit Ortrud zusammen über Brabant herrscht und den hölzernen Thron besteigt. Bruder Gottfried bleibt verschollen.

Aus meiner Sicht viel Licht und Schatten in dem Lohengrin in Nürnberg. Zunächst schafft es Joanna Mallwitz wunderbar, einen flüssigen Wagner zu dirigieren. Von der Geschwindigkeit geht sie dabei mit großem Chor und Orchester ein hohes Tempo ein. Das wurde von der Kritik her sehr gelobt, dennoch leiden vor allem die Stellen der Ortrud etwas, die in ihrer Gemeinheit etwas mehr Zeit benötigt, ihre Fiesheit auszukosten. Das Bühnenbild ist wirklich eine Sensation und setzt ganz auf die Wirkung der Stäbe und der Kostüme dazu. Eric Laporte als Lohengrin war für mich an dem Abend die Entdeckung, denn er singt einen sauberen, funkelnden Helden. Die wahren Gewinner des Abends sind aber Martina Dike als Ortrud und Sangmin Lee als Telramund. Ortrud, die bisweilen, schrill durch das Tempo, an ihre Grenzen geht und die Spielfreude von Telramund in seinem Netzhemd. Kein Wunder, dass die Regie die Bösen am Ende über den gescheiterten Lohengrin triumphieren lässt. Man hat sich mit den Figuren von Wodan und Parsifal etwas einfallen lassen, die normalerweise nur Erwähnung finden, selbst aber in die Handlung als Personen nicht eingreifen. Die Geschichte als Religionskonflikt zu erzählen, greift ein Detail aus dem zweiten Akt auf, als Ortrud Wodan beschwört. Ob das damit ein schlüssiges Ganzes wird, sei dahingestellt.

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Zu einer Aufführung von Anastasia hat es mich nach Stuttgart gezogen. Das Musical um die Zarentochter Anastasia, dabei versucht man den Spagat zwischen einem Bergmann-Film und dem Zeichentrickmusical. Man darf sich da nicht auf das geschichtliche Glatteis führen lassen. Stimmen zwar Personen, Stadtansichten und Kostüme, ist es von der Handlung her doch pure Fiktion. Abwertend könnte man jetzt von Fake-News oder Geschichtsklitterung sprechen. Dennoch lässt das Musical geschickt die Frage offen, ob die gefundene Zarentochter doch wirklich echt war. Die Musik von Stephen Flaherty schafft es geschickt, jeder Person eigene Motive zuzuordnen, die dann im Verlauf immer wieder aufgegriffen werden. Eine Bühnen füllende LED-Wand erzeugt auch mit sparsamer Dekoration immer wieder neue Räume.

Es beginnt im Jahr 1907, als Maria Fjodorowna-auch genannt Nana- sich von der Enkelin verabschiedet, aus Petersburg aufbricht und nach Paris geht. Eine Spieldose, die sie von ihrer Oma bekommt, soll für Anastasia eine wichtige Rolle spielen. Bei dem Walzer der Spieldose verschwindet Anastasia als kleines Mädchen und kommt in der nächsten Szene als Jugendliche hinter der Säule hervor. Man erlebt die Revolution im Jahr 1917 aus Sicht der Romanows im Winterpalast in Petersburg. Man ist gerade beim Tanz, die ganze Zarenfamilie ist festlich gekleidet in Weiß, als die Revolution mit rotem Feuer über sie hereinbricht. Es zersplittern scheinbar die Scheiben und die Revolutionsgarden erschießen die Familie aus dem Hinterhalt. Das Zersplittern der Scheiben geschieht mit Hilfe der LED-Panels. In der nächsten Überblendung ist man 10 Jahre weiter im Jahr 1927. Gleb Vaganov verspricht in Leningrad eine gute Zukunft nach der Liquidation der Romanovs. Anya leidet an Amnesie und ist sehr schreckhaft. In einer Folgeszene suchen Dimitry und Vlad eine Schauspielerin, die die Rolle der überlebenden Anastasia einnehmen soll. Ihre Großmutter hat in Paris eine große Belohnung ausgesetzt, auf die Überbringung der echten Zarentochter Anastasia. Die drei Damen, die sie geladen hatten, sind alle durchgefallen, als Anya auftaucht. Diese kann sich vage an einen Abend im Jussupow-Palast erinnern. Mit einer Familienaufstellung auf einer Kreidetafel und Details über die Zarenfamilie trainiert man Anya die Rolle der Zarentochter an. Anya wird aber von Gleb verhaftet, in einer Schreibstube hört man Gerüchte, dass die Zarentochter noch lebt. In einer kurzen Sequenz macht sich Gleb über die schlecht funktionierenden Telefone russischer Bauart lustig, dennoch ist er linientreu. Gleb bestellt Anya in sein Büro und warnt sie davor, die Rolle der Anastasia zu spielen. Sein Vater hätte die Romanovs getötet und mit einer angeblichen Anastasia würde er ähnlich verfahren. Mit einer Verwarnung lässt er Anya laufen. Dimitry und Anya treffen vor einem Prospekt der Heilig-Blut-Kathedrale zusammen. Er zeigt Anya eine Spieldose, die ihm bei der Oktoberrevolution zufiel, aber nicht öffnen konnte. Anya öffnet die Spieldose ohne Probleme, somit glaubt er auch, Anastasia vor sich zu haben. Sie erinnert sich an die Romanows und gibt zu, dass ein Diamant in ihrer Kleidung eingenäht war. Man hätte den Diamanten im Krankenhaus in ihrer Kleidung gefunden. Damit haben Dimitry, Vlad und Anya genug Geld, nach Paris zu fahren. Am Bahnhof von St. Petersburg trifft Anya auf Ipolitov, der sich vor ihr verneigt. Intellektuelle und flüchtige Adelige singen am Bahnhof ein ergreifendes Abschiedslied von Petersburg (Mein Land) und steigen in einen skelettierten Wagen auf die Reise nach Paris. Mit Einblendungen russischer Landkarten und Drehbewegungen des Wagons, simuliert man die Bahnreise nach Paris. Kurz vor der Grenze müssen sie jedoch vom Wagen springen, bei einer Kontrolle wird Graf Iplitov erschossen und man sucht Anya. Gleb erhält die Nachricht in Leningrad, dass Anya flüchten konnte und nimmt die Verfolgung auf. Zu Fuß erreichen Dimitry, Vlad und Anya einen blühenden Obstgarten vor Paris. In einem Schwenk sieht man den Eifelturm und Paris. Sie haben es geschafft.

Im zweiten Akt steht das lebensfrohe Paris ganz im Kontrast zu Leningrad. Mit einer großen Revuenummer begrüßt Paris die drei Neuankömmlinge. Die lebensfrohe Zofe Lily Malevsky-Malevitch von Maria Fjodorowna macht das Nachtleben unsicher. Ihre Herrin hat nach vielen falschen Anastasias die Hoffnung 1927 noch die richtige Anastasia zu finden, fast aufgegeben. Sie zitiert die vielen Betrügerinnen, die es nur auf ein Ticket nach Paris oder die Belohnung abgesehen hätte. Lily geht in den Club Newa und tanzt dort mit exilierten russischen Adeligen (Land, das einmal war). Gleb versucht ebenfalls dort Einlass zu bekommen, wird aber aufgrund seiner Schuhe als Russe erkannt und nicht hineingelassen. Im Newa-Club versucht man, die guten Zeiten mit einer Party wach zu halten. Lily trifft dann auf Vlad, mit dem sie eine Affäre hatte. Er hatte ihr einen Diamantring gestohlen, weshalb sie die Affäre beendete. Dennoch lässt sie die Romanze wiederaufleben. In einer Albtraumszene erscheinen Anastasia die ermordeten Romanows. Dimitry erinnert sich an eine Begegnung mit Anastasia und Anya führt diese Erinnerungen weiter. Nun folgt eine Szene in der Pariser Oper man erlebt eine Aufführung von Schwanensee mit sechs Balletttänzern. Man fädelt mit etwas Umwegen ein Treffen zwischen der Großmutter, ein, denn auch Lily erkennt in Anya die Zarentochter. In einem Hotelzimmer sprechen sich dann Anya und die Großmutter aus. Anya nennt ihre Großmutter Nana, wie sie sonst immer gerufen wurde und erstmals glaubt die Großmutter, am Ziel zu sein. Letztlich überzeugt ist sie, als Anya ihr die Spieldose zeigt. Die Presse bekommt davon Wind und am nächsten Tag fällt die Meute über die Großmutter und Anya her. Maria Fjodorowna gibt Anya Bedenkzeit. Dimitry hätte auf die Belohnung für die Vermittlung verzichtet. Es kommt zu einer etwas merkwürdigen Konfrontation zwischen Gleb und Anya, bei der Anya inzwischen sehr sicher ist, Anastasia zu sein. Sie fordert ihn auf, sie zu erschießen, was er aber nicht kann. Schließlich lässt Anya die Spieldose im Bett zurück und folgt Dimitry in einem roten Kleid zur Brücke. Maria Fjodorowna spendet die Belohnung für wohltätige Zwecke und hat die Suche nach Anastasia aufgegeben.

Wenn man auch nur einen Artikel über Maria Fjodorowna gelesen hat, so erkennt man relativ schnell, dass die Geschichte erfunden ist. Es bestehen Parallelen zur Lebensgeschichte von Anna Anderson, die sich als Anastasia ausgab. Zwar gibt es stimmige Details, wie die Familienaufstellung der Zaren mit dem kranken Zarewitsch, dennoch bleibt das Ganze ein Disney Märchen. Maria Fjodorowna war immer auf der Suche nach ihrem Sohn, von dem sie bis zum Tode, trotz erdrückender Beweise im dänischen Exil glaubte, er würde noch leben. Heute weiß man durch DNA-Tests, dass alle Damen, die sich in den 20er Jahren als Anastasias ausgegeben haben, Hochstaplerinnen waren. Man ist aus heutiger Sicht, ebenfalls durch DNA-Tests, sehr sicher, dass Anastasia, wie alle Romanows ermordet worden ist. Es bleiben aber tolle Impressionen von St. Petersburg hängen durch die LED-Panels und von Paris und der Oper. Die Musik von Stephen Flaherty geht gut ins Ohr und die Spieluhrenmelodie zieht sich wie ein roter Faden durch die Geschichte. Die Texte sind sehr gut aus dem Englischen übersetzt. Judith Caspari als Anastasia und Daniela Ziegler als ihre Großmutter spielen sehr gut. Richtig rocken tut die Szene Lily aka Jacqueline Braun, als lebensfrohe Hofdame. Man träumt von Paris, St. Petersburg und für Träume und Märchen ist Disney ja bekannt. Davon zeugt auch die opulente Kostümausstattung. Wer von Disney einen wahrheitsgetreuen Blick auf die Oktoberrevolution in Russland und die Zarenfamilie erwartet, ist hier definitiv falsch verbunden.

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In Nürnberg hat Jens-Daniel Herzog Mozarts Komödie ‚Così fan tutte‘ auf den Spielplan gesetzt. Diese Letzte der drei großen Da Ponte Opern war kein großer Durchbruch für Mozart. Kurz nach Erscheinen wurde die Oper wegen des Todes Kaiser Joseph II. vom Spielplan genommen. Etliche Schmähungen und Kürzungen im 19. Jahrhundert durch Ludwig van Beethoven und Richard Wagner führten zu einer teils fragmentarischen Aufführung. Man übte Kritik an dem unmoralischen Stoff und an der albernen Handlung. Auch hier in Nürnberg scheint man den Kritikern noch mehr Futter zu geben. So wurden die italienischen Texte durch vulgäre Sprache aufgepeppt, was beim Mitlesen immer recht witzig ist, beim Bayerischen Rundfunk aber überhaupt nicht gut ankam. Man muss sich bei der Handlung auch drauf einlassen, dass alle das Spiel von der Untreue durchschaut haben, bis auf die beiden Frauen. Selbst der dreimal einsetzende Chor weiß Bescheid.

Dieser feiert schon am Anfang mit einem Kasten Bier und Sekt, die Wette von Don Alfonso. Man platzt mitten in eine Diskussion der männlichen Hauptrollen, nämlich Guglielmo und Ferrando gegen Don Alfonso. Während die beiden Männer Guglielmo und Ferrando die Treue ihrer Frauen beschwören, wettet der Chor mit Zetteln dagegen, die in einem Sektkübel gesammelt werden. Es wird ein goldenes Wohnzimmer herausgefahren, in dem auf zwei blauen Sesseln die Opfer der Komödie Platz genommen haben. Während Dorabella scheinbar Bilder von Ferrando am Handy hat und immer auf dem Smartphone zoomt, hat Fiordiligi ein ovales Bildnis ihres geliebten Guglielmo bei sich. Die beiden Damen sitzen im 50er-Jahre Petticoat in Himmelblau und Schwarz und ahnen nichts von dem üblen Spiel, das gleich beginnen wird. Ihre Verlobten spielen vor, in den Krieg zu ziehen. Der Chor erscheint teilweise in Tarnuniform und die Geliebten salutieren mit Waffen im Hintergrund. Die Frauen bedienen jetzt das Klischee, dass sie noch Brotdosen für ihre Männer mit Sandwiches und Salat schmieren müssen. Sie tun dies so heftig, dass die Butter über die Bühne fliegt, auf einem goldenen Bügelbrett am rechten Bühnenrand unter vielen Tränen. Dorabella ist so verzweifelt, dass sie sich an der Gardinenkordel erhängen will, was natürlich misslingt. Am nächsten Morgen bringt Despina im Leopardenlook mit Leggings ein Tablett mit Cappuccino. Dabei nimmt sie selbst einen großen Schluck aus der Kanne. Jetzt testet Alfonso die Verkleidung der beiden Herren an Despina. Die kommen als Erkan und Stefan-Imitat als albanische Freunde unter dem Namen Sepronio und Tizio. Die beiden scheinen eher einem Ghetto der Hauptstadt in Berlin entsprungen zu sein. Mit dicker Goldkette, Sonnenbrille, Jeans bzw. Jogginghose sind sie kaum wieder zu erkennen. Guglielmo hat eine Mütze auf, auf der steht: I am a muslim, don’t panic. Sie machen nun der jeweils anderen Dame die Aufwartung und erfreuen sich an deren barscher Zurückweisung. Die Damen werfen im Takt der Musik Schuhe nach den Männern, die sich hinter den Sesseln verstecken müssen. Als Ferrando von der Liebe schwärmt, scheinen die Damen standhaft und die Wette gewonnen. Die zurückgewiesenen Albaner nehmen nun angeblich Arsen, weil sie von den Frauen verschmäht wurden. Mit Blaulicht kommt eine Despina als Ärztin mit Mundschutz, Stirnreflektor und Stethoskop. Die Wiederbelebungsversuche erfolgen mit einer großen Spritze, einem Hammer und schließlich am Ende erfolgreich mit einem Magneten. Die Herren deuten eine Brücke an und zucken mit dem Unterkörper: Wiederbelebung erfolgreich. Die erwünschte Nachbehandlung durch einen Kuss unterbleibt aber.

Zu Beginn des zweiten Aktes zeigt Despina, dass sie selbst das Schlagen einer Brücke nicht vom Singen abhalten kann. Als sie abtritt, schlägt sie noch ein perfektes Rad. Sie animiert dabei die Damen, es mit der Treue nicht zu genau zu nehmen. Der Garten wird durch das Ziehen einer bunten LED-Girlande angedeutet. Schließlich kommen die beiden Männer in einer Jalabiya mit echter Kopfbedeckung. Jetzt nimmt man ihnen den Albaner auch wirklich ab. Ferrando hat dabei ein rosa Plastikalpenveilchen und Guglielmo ein Rotes dabei. Der Chor reiht die Alpenveilchen an dem Wohnzimmerrand auf. Dorabella fällt als Erstes unter Guglielmos werben. Er schenkt Dorabella ein rotes Papierherz. Als er daraufhin Ferrando von seiner Eroberung berichtet, haut der einen Teil der Blumentöpfe runter. Fiordiligi scheint dagegen vor einer Bildergalerie von ihrem Verlobten standhaft. Schließlich gibt auch die nach. Nun ist Guglielmo außer sich und zerreißt mit nacktem Oberkörper eine Frauenzeitschrift. Die Männer kämpfen nun richtig miteinander, da sie nun Rivalen sind. Don Alfonso tritt auf und hat die Wette gewonnen. Despina tritt als Notar auf und hat die Ehekontrakte dabei. Da ereignet sich an diesem Abend ein Zwischenfall.

Einer der Ensemblemitglieder des Chores kippt bei dem Auftritt des Chores um. Während ich die Szene irgendwie merkwürdig fand, als der Darsteller des Guglielmo sich umdreht und dem Mann auf die Beine hilft und auf die Schulter klopft, war mir irgendwie sofort klar, dass da was nicht stimmt. Da sah ziemlich echt aus. Kurz darauf wurde der Vorhang runtergelassen und die Vorstellung unterbrochen. Nach einigen Minuten im Dunklen erklärte die Sprecherin, dass es einen Zwischenfall auf der Bühne gegeben hätte und die Vorstellung in Kürze fortgesetzt wird.

Mit der Teezeremonie setzte man die Vorstellung dann fort. Über die blauen Sitzkissen der Sessel wurden orientalische Tücher gebreitet. Der Ehevertrag ist nun unterschrieben. Es ertönt Marschmusik, die Verlobten kommen zurück vom Krieg. Blutverschmiert scheinen sie aus dem Kampf zu kommen. Sie entdecken die Ehekontrakte mit den Albanern und richten die Gewehre auf ihre Frauen. Nun bekommen auch die Damen mit, dass ihnen übel mitgespielt wurde. Sie bitten die Männer um Entschuldigung und bekommen zum Dank einen Schnuller in den Mund. Das alles endet in einem Sextett, wo sich Don Alfonso über seinen Gewinn freut.

Gewinner dieses Abends ist eindeutig die sehr gute Ensembleleistung des gut eingespielten Teams. Während der erste Akt noch sehr klamaukhaft daher kommt, kippt die Lage im zweiten Akt total. Die Männer gehen plötzlich aufeinander los und raufen, als sie erkennen müssen, dass sie betrogen wurden. Vielleicht ist es mit dem Zwischenfall an diesem Abend, noch etwas ernster als sonst. Sehr gefallen hat mir an diesem Abend Despina alias Andromahi Raptis, die ihr komödiantisches Talent voll ausspielt. Lutz de Veer lässt an diesem Abend das Ensemble glänzen. Und ja, dem verunglückten Mitarbeiter ging es am Ende der Vorstellung gut, klärte der Dramaturg Holzer auf.

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Ein Musical aus den 90er Jahren, nämlich Miss Saigon, hat mich nach Köln verschlagen. Dort hat man das Stück für drei Monate in einer überarbeiteten Version von 2013 wieder ins Programm genommen. Die Dialoge wurden etwas verändert, es gibt ein paar neue Sequenzen und ein neues Lied für Ellen. Dieses Musical war eine Art Schlüsselerlebnis, bei dem die Leidenschaft für Oper entstanden ist. So hat dieses Musical eben kaum Sprechpassagen und in den 155 Minuten wird viel gesungen, auf Englisch mit roten Seiteneinblendungen. Man hat aber die Szenen, die mich damals beeindruckt hatten, wie der Hubschrauberstart an der Botschaft in Saigon und die Szene mit dem Cadillac kurz vor Schluss trotz der Einschränkungen des Musicaldomes unverändert gelassen. So war das ein sehr würdevoller Trip in die Vergangenheit des Opernblogs. Die Handlung ist an Puccinis Madame Butterfly angelehnt. Der Offizier Chris hat von einer Nacht mit der Vietnamesin Kim ein Mischlingskind. Die Handlung springt dabei immer etwas und erzählt dann teilweise in Rückblenden, wie es zu der Trennung in Saigon kam und warum Chris in Amerika wieder geheiratet hat. Das Musical endet tragisch, als Kim die Hoffnung hat, mit Chris nach Amerika gehen zu können. Sie muss aber erkennen, dass er inzwischen verheiratet ist und nur sein Kind holen will. Sie erschießt sich am Ende.

Die Handlung startet in einem Nachtklub von Saigon. Die 17-jährige Kim flüchtet vor den Kriegswirren in die Stadt, es herrscht Endzeitstimmung. Der sogenannte Engineer, eine Art Zuhälter, organisiert die Wahl der Miss Saigon. Eine Gruppe Gis darunter Chris kommen in die Bar. Die ist drehbar und vielseitig verwendbar. Links neben der Bar gibt es eine bunte Musikbox. Chris ist vom schüchternen Auftreten Kims fasziniert. Kim und Chris kommen sich beim Tanz zu Saxofonklängen näher. Sie verschwinden in ein Zimmer in der rechten Bühnenhälfte. Chris verliebt sich so kurz vor Kriegsende tatsächlich in Kim und löst sie aus. Die schönste Szene in dem Stück ist für mich immer noch die Hochzeitszeremonie, die dann stattfindet. Dort singen die Damen der Bar ein vietnamesisches Lied. Drei Jahre später ist die Zeit vorangeschritten. Die roten Soldaten von Ho Chi Minh haben die Macht übernommen und marschieren martialisch auf. Ein roter Glücksdrache mit echtem Rauch eröffnet die Szene. Die roten Horden legen ein Ballett mit Gewehren und dreieckigen Hüten hin. Im Hintergrund ist eine überlebensgroße Büste von Ho Chi Minh. Der Ex-Verlobte von Kim ist ein Kommissar und bittet seine Verlobte zurückzukommen. Sie lebt in einem Flüchtlingslager. Unterdessen träumt Chris immer noch von Kim in Amerika bei seiner neuen Frau Ellen. Kim kann nicht zurück zu dem Kommissar, da sie ein Kind von Chris hat. Als dieser den Sohn beseitigen will, erschießt sie ihren Ex-Verlobten. Der Engineer, der Kim im Flüchtlingslager ausfindig gemacht hat, erkennt die Chance des Sohnes eines GIs und gibt sich als Kims Bruder aus. Er hat sogar noch Juwelen aus den besseren Zeiten von Saigon aufgehoben. Sie schließen sich dem Flüchtlingsstrom an und verlassen Vietnam.

Den zweiten Akt eröffnet eine Einblendung von Mischlingskindern. Chris setzt sich für die sogenannten Bui-Doi ein, die in einem Programm nach Amerika geholt werden sollen. Die Mischlingskinder leben unter erbärmlichen Umständen in Heimen. Chris erfährt, dass er selbst einen Sohn hat, der mit Kim inzwischen in Bangkok lebt. Chris beschließt, mit Ellen nach Bangkok zu fahren. Er landet in der roten Halbwelt von Bangkok. Unter roter Reklame vertickt der Engineer billige Frauen an Sextouristen. Aber der Engineer ist nicht mehr der Chef und selbst Flüchtling. Kim wird von dem Mord an ihrem Verlobten von Albträumen geplagt, die Erinnerungen an Chris und ihren Ex-Verlobten vermischen sich. In Bangkok holen Chris die Kriegserinnerungen an den Fall von Saigon ein, als es selbst unter dramatischen Umständen aus der Botschaft fliehen muss. In dieser Szene sieht man zuerst eine Laserprojektion, dann eine 3,5 Tonnen schwere Hubschrauberattrappe, die mit lautem Geknatter von der Botschaft abhebt. Am Zaun der Botschaft hofft unter den chaotischen Umständen Kim vergeblich, mitreisen zu können. Man landet wieder in der Gegenwart und Kim trifft auf Ellen im Hotelzimmer. Hier trifft Kim dann unvorbereitet auf Ellen, die nur den Sohn ihres Ehemanns holen will. Inzwischen träumt der Engineer bereits von Amerika. In dieser Szene ist der Cadillac dann weiß und nicht rosa, wie 1995. Eine leichte Dame in weißem Pelz und mit blonder Perücke fährt ein. Der Engineer sagt, dass sein Geschäft mit der Liebe überall auf der Welt funktionieren wird. 7 Tänzerinnen und 14 Tänzer setzen den Traum von Amerika vor eine Freiheitsstatue als weiße Gittermaske gekonnt mit einer Revuenummer um. Kim packt die Sachen für ihren Sohn. Der Engineer bringt Kims Sohn Tam zu Chris. Abschließend schießt sich Kim aus Verzweiflung hinter dem Vorhang.

Ob die Tänzerinnen wirklich die beschriebenen 1kg Perlen in den leichten Kostümen hatten und ob Kim wirklich alles sieben verschiedenen Frisuren ohne Perücke bestritten hat, lässt sich aus der 22. Reihe nicht mehr sagen. Es ist und bleibt eines der Mega-Musicals der 90er Jahre, das in der neuen Fassung auf keinen Fall angestaubt ist. Die Eindringlichkeit, mit der die Folgen des Krieges in Vietnam geschildert werden, ist beeindruckend. Die Szene mit dem Hubschrauber und dem Chaos an der Botschaft beim Fall Saigons einfach großartig. Ein Besuch der Neuauflage lohnt sich in jedem Fall. Aus heutiger Sicht ein Meilenstein der Musicalgeschichte. Das Bild an einem Flughafen mit einem Mischlingskind, das sich von seiner Mutter verabschiedet, als es nach Amerika reist zum Vater, ist der Ausgangspunkt.